Michael Jackson : King of pop
Author: Thomas Chaline
Date: 2025-09-18T00:00:00+00:00
Keywords: Guide pratique - Musique
Description: Artiste de tous les records, créateur musical extraordinaire, Michael Jackson a bâti une carrière inégalable, au point d’être érigé en légende vivante. En pleine consécration après trente ans de musique et à l’aube de son ultime tournée This Is It, l’artiste décède tragiquement à l’âge de 50 ans, laissant ses fans inconsolables. 15 années après sa disparition, Thomas Chaline, expert du monde de la musique et grand fan de Michael Jackson, vous replonge dans l’univers musical et artistique du King of Pop à travers 50 événements clés qui ont marqué sa carrière : ses débuts au sein des Jackson Fiv
Publisher: LEDUC

Poète, auteur-compositeur mais aussi biographe spécialiste de la chanson, Thomas Chaline a écrit plusieurs ouvrages à succès consacrés à Francis Cabrel, Indochine, ou encore Céline Dion.

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© 2025 Éditions Leduc (ISBN : 979-10-285-3268-0) édition numérique de l’édition imprimée © 2025 Éditions Leduc (ISBN : 979-10-285-3378-6).

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SOMMAIRE

Introduction

Michael avant Jackson

Le trio Quincy Jones, Bruce Swedien et Jackson

« Continue avec la force, ne t'arrête pas tant que tu n'en as pas assez. »

Le début du règne du « roi de la pop »
Un grand fan de Disney
La légende s'installe
Michael Jackson innove
La fin d'une époque
L'album du sacre
En duo avec sir Paul McCartney
Le défi
Un classique musical
Son message de paix

Le short film le plus culte de l'histoire musicale

Un hommage en grande pompe
Une dernière tournée pour les Jackson 5
Une chanson culte pour une noble cause
Le meilleur d'Hollywood
Un nouvel album au succès phénoménal
Une chanson d'amour mythique
Un classique ambigu

Un hommage aux plus grandes comédies musicales

Un message universel
Une véritable chanson rock
Un hymne à la fraternité
Un vidéoclip extrêmement ambitieux
Un second film, 10 ans après le premier

Un album sans Quincy Jones : l'ère Teddy Riley

Surprendre le monde
Nostalgie amoureuse
À la recherche de la paix intérieure
Déposer les armes
Une ballade sensuelle électrisante
Une véritable opération de charity-business
Un retour sur scène inattendu
Un nouvel album surprenant et extravagant
Le duo tant attendu

« C'est la chanson la plus honnête que j'aie pu écrire. »

Un slow qui bat tous les records
Le plus grand hymne pour la planète
Un cri de colère contre le racisme
Une pépite trop souvent oubliée
Une tournée mondiale sous contrainte
Un projet différent et plein d'enthousiasme
Un nouvel album fait à contrecœur
Des concerts humanitaires qui font sensation
Un beau succès malgré les obstacles

Des conflits de plus en plus intenses avec sony

30 ans de carrière pour le king of pop

Les derniers concerts qui n'auront jamais lieu…

Remerciements

INTRODUCTION

Le 25 juin 2009, Michael Jackson disparaissait tragiquement. Du mystère de sa mort, on retient que Michael Jackson aura été à la hauteur de sa légende jusqu’au bout. Personnalité hypersensible, intense par certains aspects, il ne s’est rien refusé et n’a cessé de repousser ses propres limites.

Sa vie est digne des plus grands romans. Michael Jackson a marqué l’histoire de la musique et est devenu une icône. S’il y a un avant Michael Jackson, il n’y a, à ce jour, pas d’après. Car son œuvre, tant musicale qu’artistique au sens large, a dépassé tous les obstacles, à l’image de tous les records qu’il a battus. Il reste à ce jour inégalé, et sans doute le restera-t-il.

Michael Jackson a donné un nouveau sens à la musique, inspirant et influençant de nouvelles générations d’artistes qui se réclament de lui, mais sans jamais égaler le « roi de la pop ».

Huitième enfant de Katherine et Joe Jackson, il est plongé dans le bain de la musique dès l’âge de 5 ans par son père. S’il fait ses armes et son apprentissage entouré par ses grands frères, Michael dégage déjà un charisme qui attire tous les regards.

En 1972, les Jackson arrivent au sommet de leur succès et se produisent devant la reine d’Angleterre. Michael Jackson n’a alors que 14 ans et a déjà une grande célébrité, une carrière, et plusieurs tubes à son actif. Cette précocité impressionnante ne sera pas sans conséquence tant il souffrira toute sa vie d’une enfance inhabituelle. Est-ce cette enfance volée qui lui a permis de garder une jeunesse d’esprit et une insouciance l’autorisant à créer au-delà du raisonnable, et de toujours envisager tous les possibles ?

Bien sûr, la rencontre et la collaboration avec Quincy Jones ont été décisives. Car pour pouvoir accoucher d’une telle œuvre, il lui a fallu un collaborateur d’expérience, courageux et de confiance. Si Quincy Jones n’avait pas assez cru dans les idées musicales de Michael pour les réaliser, on serait tenté de se demander si l’histoire aurait été la même, et dans ce cas-là si la légende aurait bel et bien existé.

En 1977, Elvis Presley, la première grande idole de la musique américaine du XXe siècle, disparaît. Cette même année, Michael Jackson prépare son grand retour en solo. Moins de trois ans plus tard et en ce début de décennie 1980, il devient la nouvelle star planétaire de toute une génération.

Ce livre est un hommage à l’œuvre authentique et singulière de Michael Jackson. De son renouveau artistique au début des années 1980, où il s’émancipe de sa famille, à ses dernières années où, même lorsqu’il n’en a plus l’envie, son talent lui permet encore d’innover et de battre des records.

En 50 événements, cet ouvrage propose de replonger dans l’univers artistique et musical de l’artiste, et de revivre la grande aventure pop de la fin du XXe siècle. Une œuvre remplie de références cinématographiques, littéraires et musicales.

Michael Jackson représente la réussite américaine, le rêve américain. Il incarne à sa manière la résilience, la volonté, l’ambition, mais aussi la rigueur et les efforts pour parvenir à se réaliser. Nul doute que son œuvre continuera d’inspirer et d’influencer de nouvelles générations d’artistes dans les décennies à venir.

1

MICHAEL AVANT JACKSON

Avant que Michael Jackson ne crée sa propre légende, il y a eu les prémices du triomphe. Celles-ci démarrent au début des années 1970. Michael Jackson n’est encore qu’un enfant lorsqu’il débute au sein du groupe familial, The Jackson Five, entouré par ses quatre frères. Mais déjà, c’est lui qui attire l’attention du public et les projecteurs par son charisme et sa voix.

C’est en 1969, sous le marrainage de Diana Ross, que les frères Jackson sortent leur premier album intitulé « Diana Ross Presents the Jackson Five ». Produits par le célèbre label Motown, ils sortent quelques mois plus tard seulement, au printemps 1970, leur album « ABC ». Les singles à succès s’enchaînent et se classent numéro 1 dans les charts américains. Citons notamment I Want You Back, ABC, I’ll Be There. Mais rapidement, les producteurs se focalisent sur Michael et l’idée de le lancer en solo fait son chemin.

En janvier 1972, alors qu’il n’a que 13 ans, Michael sort son tout premier album solo : « Got to Be There », produit par Berry Gordy, le fondateur du label Motown. Quatre singles sortent : Got to Be There, Rockin’ Robin (chanson de Bobby Day sortie en 1958), I Wanna Be Where You Are et Ain’t No Sunshine (chanson de Bill Withers sortie en 1971). Le producteur fait aussi reprendre à Michael d’autres titres comme You’ve Got a Friend, de Carole King.

Ce premier album obtient le succès escompté en se vendant à plus de 1,6 million d’exemplaires à travers le monde. Il se classe dans le top 5 des charts aux États-Unis et en Angleterre. Gordy a flairé le bon coup. Alors que les Jackson Five, qui vendent moins de disques en Europe qu’aux USA, doivent entamer une tournée européenne, la Motown mise sur la popularité de Michael pour éviter l’échec. Et la maison de disques a raison à en croire les milliers d’adolescents venus accueillir le groupe à l’aéroport d’Heathrow, au Royaume-Uni : des fans hystériques, ce qui n’est pas sans rappeler la Beatlemania. Dans un communiqué de presse, la Motown raconte : « Des fans en quête de souvenirs ont arraché à Jermaine des poignées de cheveux. Le vacarme était tel qu’il couvrait le bruit des moteurs d’avion et effrayait Marlon et Michael. Tito a été blessé et malmené par la ruée de cette foule en délire. Randy a frisé la panique, étouffé par les câlins et baisers d’une horde de filles. Jackie a gardé la tête froide, mais n’en menait pas large. L’agitation était à son comble. Ce fut presque le chaos. Ce fut effrayant. Ce fut la “Jacksonmania”1. »

Il faut attendre le mois d’août 1972 pour revoir Michael en solo. À l’époque, on produisait avec une rapidité excessive tandis qu’aujourd’hui, les artistes mettent plusieurs années entre deux albums. « Ben » est donc le deuxième album de Michael Jackson. La chanson éponyme est la bande originale d’une production hollywoodienne, Ben, un film d’horreur réalisé par Phil Karlson sorti cette même année. Ce single se classe directement numéro 1 du Billboard Hot 100 américain. Il reçoit le Golden Globe de la meilleure chanson originale et sera nommé aux Oscars l’année suivante. Belle performance ! L’album, lui, se vend à plus de 2 millions d’exemplaires à travers le monde ! Par ailleurs, sur l’album « Ben » figure la reprise du tube My Girl, composé par Smokey Robinson et interprété par son groupe, The Temptations, en 1964.

Avril 1973, « Music and Me », le troisième album solo de Michael Jackson, sort dans les bacs. Malgré plusieurs singles dans la lignée des précédents albums (With a Child’s Heart, Happy, et Music and Me), l’album ne se vend pas aussi bien que les deux premiers. Seulement 800 000 copies sont écoulées. Il faut laisser retomber la pression avant de pouvoir relancer la machine. Surtout aussi laisser souffler Michael qui, à peine âgé de 15 ans, vient de vivre un an et demi d’une intensité incroyable pour un jeune adolescent.

« Forever, Michael » arrive dans les bacs des disquaires en janvier 1975. Il est le dernier album de Michael produit par la Motown. Trois singles de promotion sortent entre l’hiver et le printemps de cette année-là : We’re Almost There, Just a Little Bit of You, et enfin One Day in Your Life. Ce dernier se classe numéro 1 des charts britanniques et ressortira en single d’une compilation en 1981. L’album se vend à plus de 1 million d’exemplaires. Beau succès avant une longue pause pour Michael.

Il préfère poursuivre la route avec le groupe familial, qui se nomme désormais The Jacksons, depuis leur rupture de contrat avec la Motown. C’est chez Epic/CBS que les frères trouvent refuge. Leur premier album avec ce label sort en novembre 1976 et s’intitule tout simplement « The Jacksons », histoire de s’affirmer. Jermaine a quitté le groupe et est resté à la Motown pour poursuivre sa carrière en solo. C’est désormais leur plus jeune frère, Randy, qui a rejoint le groupe. Produits par deux des plus grands producteurs de la soul de Philadelphie, Leon Huff et Kenneth Gamble, les Jackson voient l’un des vœux qu’ils réclamaient en vain à la Motown se réaliser : écrire et composer leurs propres chansons. Cette liberté obtenue et soutenue par leurs producteurs, les frères libèrent leur créativité et se sentent enfin en harmonie dans leur vie d’artiste. Enjoy Yourself, le premier single, en est la belle illustration et se classe 6e du Billboard Hot 100. Avec plus de 1 million de copies vendues, certifié disque de platine, le single permet aux Jackson de renouer avec le succès.

Le deuxième album des Jackson sort en octobre 1977, toujours produit par le duo Gamble-Huff. Il s’agit de « Goin’ Places » qui se vendra à environ 2 millions d’exemplaires. Néanmoins, il se classe moins bien dans les charts. Enfin, en décembre 1978, sort le troisième album « Destiny ». Propulsés par le single Shake Your Body (Down to the Ground) qui se vend à plus de 2 millions d’exemplaires, les Jackson retrouvent une grande popularité et touchent un large public. C’est une nouvelle génération de fans qui adhèrent et se déhanchent dans les boîtes de nuit sur les mélodies des frères. L’album « Destiny » se vend à plus de 4 millions d’exemplaires à travers le monde. Un véritable retour en grâce qui permet aux frères Jackson de faire une grande tournée aux États-Unis, ainsi qu’en Europe, intitulée « Destiny Tour ».

De son côté, Michael ne renonce pas à sa carrière solo. Il retrouve même peu à peu l’envie de créer. C’est un événement atypique, auquel il participe qui va le décider.

1. Taraborrelli, J. Randy, Michael Jackson, Flammarion, 2010.

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LE TRIO QUINCY JONES, BRUCE SWEDIEN ET JACKSON

« Off the Wall » – Album

10 août 1979

En octobre 1977, Michael Jackson se retrouve pour la première fois sur un plateau de cinéma. Le 7e art est pour lui un rêve d’enfant. Ainsi, à New York, il fait partie de la distribution de rêve du film The Wiz. C’est un remake du célèbre Magicien d’Oz réalisé par Sydney Lumet. Il retrouve sa marraine Diana Ross, qui incarne le rôle de Dorothy. Michael joue, lui, l’épouvantail. Sur le plateau, il fait la rencontre de Quincy Jones. En réalité, ils se sont déjà croisés au fil des ans, sur des festivals ou autres concerts, mais sans jamais prendre le temps de faire connaissance. Le tournage de The Wiz en est l’occasion.

Quincy Jones est né le 14 mars 1933 à Chicago. Trompettiste et arrangeur, il commence très jeune sa carrière de musicien dans le big band de Lionel Hampton et n’ira pas au bout de ses années de collège. À l’âge de 14 ans, il rencontre Ray Charles qui a, lui, 16 ans et vit seul dans un appartement de Seattle. Ensemble, ils vont créer une œuvre qui marquera à jamais l’histoire de la musique du XXe siècle en fondant la musique soul.

En 1957, Quincy Jones s’installe à Paris pour étudier le solfège sous la direction de Nadia Boulanger au Conservatoire américain de Fontainebleau. En parallèle de ses études, il travaille comme assistant-arrangeur pour les Disques Barclay, dirigés par Jacques Souplet. Jones fait son apprentissage avec rigueur et œuvre en studio pour des artistes comme Jacques Brel ou encore Charles Aznavour. En 1960, Jones forme un big band avec 18 musiciens. Malheureusement, ce projet se solde par un fiasco financier et Quincy Jones tombe en dépression.

De retour aux États-Unis, il devient arrangeur pour le label Mercury Records, grâce à l’aide d’Irving Green. C’est là que la légende de Jones s’écrit. Il arrange les albums d’artistes tels que Frank Sinatra, Barbara Streisand ou encore Tony Bennett, sans compter ceux de dizaines de jazzmen. En 1964, il est promu vice-président du label et compose pour la première fois une musique de film pour Le Prêteur sur gages de Sidney Lumet. Il est alors le rare musicien noir à pouvoir officier dans ce cercle fermé de la musique à l’écran. D’autres portes s’ouvrent alors pour Jones. Notamment celles de la télévision, où il compose les musiques de L’Homme de fer ou encore du Bill Cosby Show. Aux côtés de Martin Luther King, il milite contre le racisme et fonde le Black Arts Festival de Chicago. En 1973, il coproduit pour la chaîne CBS Duke Ellington… We Love You Madly, en hommage à l’œuvre du jazzman. Divers artistes se succèdent pour interpréter Ellington, dont Aretha Franklin, Peggy Lee ou Joe Williams. En 1974, il est victime d’une rupture d’anévrisme qui l’immobilise durant six mois. Rétabli, il reprend son activité de compositeur-arrangeur de manière effrénée, comme pour rattraper le temps perdu.

Jones est donc déjà une légende vivante du milieu musical américain. Pour le projet The Wiz, il accepte plus en remerciement à Lumet, qui lui avait donné l’opportunité en 1964 de composer Le Prêteur sur gages, que par réelle adhésion et besoin d’argent. Dans le studio, c’est lors d’une répétition d’une scène que la véritable rencontre entre Michael Jackson et Quincy Jones se fait. Michael rame à apprendre une citation de Socrate. Jones, qui l’observe à quelques mètres, lui souffle. Michael lui sourit et s’approche. Ce visage ne lui est pas étranger : « Quincy Jones, c’est moi qui écris la musique. »

Les deux hommes apprennent à se connaître. Un feeling passe entre eux. La bande originale du film donne à Michael un titre en solo : You Can’t Win. L’enregistrant au studio A&R de New York, il passe du temps avec Quincy et découvre sa méthode de travail. La chanson sort en single et passe inaperçue, mais elle aura eu vocation à créer le lien entre Jackson et Jones. Un tournant pour la carrière de chacun. Car grâce à ces séances studio, Michael retrouve le goût et l’envie de faire un album solo.

The Wiz sort en salles en octobre 1978. Cette superproduction est malheureusement un échec commercial au grand dam de Michael. Il espérait marquer les esprits et s’ouvrir une voie dans le 7e art. Néanmoins, sorti du studio A&R, il semble regonflé à bloc pour se relancer en solo. Très rapidement, il rassemble les idées et chansons qu’il souhaite mettre en boîte. Mais il lui faut un producteur à la hauteur de son ambition. Il sollicite Quincy Jones pour se renseigner et voir quel producteur serait le plus à même selon lui. Une discussion téléphonique de plusieurs heures entre deux passionnés aboutit finalement à la proposition de Jones d’être le producteur. Michael est surpris et accepte. Lorsqu’il annonce son choix à sa maison de disques CBS, Michael est confronté à un refus. Jones suscite la méfiance. Reconnu dans le monde du jazz, CBS préfère un arrangeur plus réputé sur le plan commercial. Mais Michael ne lâche rien et impose Quincy Jones.

En octobre 1978, au studio Cherokee de Los Angeles, les deux hommes se retrouvent pour enregistrer l’album « Off the Wall ». Peu de temps avant, au Studio 54 de New York, Michael Jackson évoquait son premier album avec Andy Warhol. Il sera différent de « Destiny », qui est alors toujours en tête des charts. Jackson veut un nouveau son, quelque chose d’authentique, inédit et innovant dans la musique. C’est donc une renaissance musicale à laquelle aspire le jeune artiste, et bien plus encore. Il veut marquer les esprits et s’inscrire dans le marbre du patrimoine musical mondial. « Off the Wall » marque une pierre blanche dans sa carrière. La première d’une légende qui ne cessera de repousser les limites et d’innover. Pour parfaire l’équipe, il faut un ingénieur du son aguerri. C’est Bruce Swedien qui vient compléter ce trio de choc.

Né en 1934 à Minneapolis, Swedien apprend la musique, comme la plupart de ceux de sa génération, dans les chorales des églises. À 14 ans, il commence à travailler dans un studio d’enregistrement local et découvre sa vocation. Diplômé de l’université du Minnesota, il devient ingénieur du son en 1955 et rejoint la Schmitt Music Company. Un an plus tard, il rachète sa boîte. En 1958, il fait la rencontre de Quincy Jones à Chicago. Ils commencent à travailler ensemble et deviennent inséparables. Swedien est nominé l’année suivante aux Grammy Awards pour sa collaboration sur la chanson Big Girls Don’t Cry de The Four Seasons. Durant les années 1960, Swedien œuvre pour le studio Universal Recording de Chicago avant de devenir indépendant. Swedien est lié à Jones et participe à toutes ses grandes collaborations. Enfin, on le retrouve au studio A&R pour la bande originale de The Wiz. C’est là qu’il rencontre Michael Jackson pour la première fois et le coup de cœur est instantané.

Quincy Jones et Bruce Swedien ont une vision de la musique qui est très large. Ce n’est pas une question de style musical mais bien d’émotions. Jones garde toujours en tête que le plus important est de « créer de la musique qui vous fait dresser les poils sur les bras ». Quincy et Michael sélectionnent ensemble les dix titres qui composeront l’album « Off the Wall ». Jones a une idée précise du son qu’il veut rendre après avoir écouté les desiderata de Michael. Pour ce faire, il convoque la crème de la crème des musiciens des studios de l’époque : Greg Phillinganes au clavier, John Robinson à la batterie, Paulinho da Costa aux percussions. Jerry Hey aux cuivres, David Williams à la guitare, Louis Johnson à la basse et George Duke et Michael Boddicker au synthétiseur. L’ami Stevie Wonder apporte sa contribution avec I Can’t Help It.

Le 10 août 1979, « Off the Wall » se retrouve dans les bacs. Le 29 août, Michael fête ses 21 ans et en profite pour résilier son contrat de management avec son père. L’artiste avait déjà pris ses distances artistiques avec ses frères, mais la rupture avec son père était aussi inévitable pour qu’il puisse voler de ses propres ailes. Il confie donc le management à Ron Weisner et Freddy DeMann. Malgré leur fonction, c’est bien Michael qui devient le seul maître de sa carrière. Weisner et DeMann font office de conseillers.

Pour la pochette de l’album, Michael apparaît en costume noir et chemise blanche, nœud papillon et bien sûr chaussettes blanches. Il a sollicité Mike Salisbury. Ce dernier s’est spécialisé dans l’image d’artistes. Il a collaboré notamment avec James Taylor, Tina Turner, ou encore George Harrison. Il devient ensuite directeur artistique du magazine Rolling Stone. Pour Michael, il crée une image « Noir et blanc. Simple. Dramatique ». Il raconte : « Michael a aimé mon idée tout de suite. Il n’a souhaité changer qu’une seule chose. “Je veux porter des chaussettes blanches”, m’a-t-il dit en murmurant. “Alors elles doivent être glamour”, lui ai-je répondu. Elles ont été fabriquées sur mesure par le célèbre costumier de Hollywood Bob Mackie. À l’époque, ma femme avait trouvé un costume pour femme d’Yves Saint Laurent dans une boutique de Beverly Hills qui allait parfaitement à Michael. Je lui ai demandé de porter des mocassins comme ceux de Gene Kelly dans le film Un Américain à Paris. Puis, pendant la séance photo, je lui ai dit : “Remonte ton pantalon, mets tes mains dans les poches et remonte-le comme Gene Kelly afin de bien montrer les chaussettes.” » Puis il se livre sur les coulisses de la séance photo : « La première séance photo n’a pas fonctionné. Il lui manquait de l’énergie. Aucune référence au mur, littéralement. Et comme on dit dans le milieu de la musique, “aucune valeur publicitaire”. Michael a joué le jeu et on a fait une autre séance dans une allée en ville devant un vrai vieux mur composé de briques. Et voilà ! “Off the Wall”, sûrement le mur le plus connu après la Grande Muraille et le mur de Berlin. J’ai rajouté une fenêtre car je trouvais que le mur était trop sombre, il y avait trop de briques. Et cette ouverture apportait une touche de surréalisme à la Magritte. Cette pochette a quelque chose de spécial. Michael y est naturel. C’est pour cela qu’elle est réussie1. »

« Off the Wall » est un bouleversement dans la musique. Ses quatre singles de promotion se classent dans le top 10 des charts. Le son auquel aspirait Michael est bien là : authentique, innovant. Des titres variés de la funk à la pop en passant par la soul et toujours une jolie teinte de jazz. Le nouveau Michael Jackson est arrivé ! Il devient même l’artiste noir ayant le plus vendu de disques de l’histoire avec plus de 10 millions d’exemplaires à travers le monde. Plus encore, « Off the Wall » devient une référence, un album standard. Malheureusement, cela ne suffit pas à balayer les préjugés des professionnels et des médias. L’année suivante, lors de la cérémonie des Grammy Awards, Michael ne reçoit qu’une seule récompense, celle du meilleur interprète masculin de R&B. Si ce manque de reconnaissance le blesse, il en fait une force pour produire son prochain album.

1. Lecocq, Richard, Michael Jackson : King, Publibook, 2011.

3

« CONTINUE AVEC LA FORCE, NE T’ARRÊTE PAS TANT QUE TU N’EN AS PAS ASSEZ. »

Don’t Stop ‘Til You Get Enough – Single

28 juillet 1979

Le premier single de promotion de l’album « Off the Wall » est la chanson Don’t Stop ‘til You Get Enough. Diffusé sur les ondes à partir du 28 juillet 1979, le titre s’impose rapidement comme le single phare de l’album. Cette chanson abordant le thème de l’amour a été écrite et composée par Michael Jackson dans sa maison d’Encino. Il raconte : « J’ai écrit Don’t Stop ‘til You Get Enough à la maison. La mélodie est née toute seule dans ma tête. C’est une chanson qui parle de l’amour, de sa force et de son pouvoir. Le refrain fait passer ce message : “Continue avec la force, ne t’arrête pas tant que tu n’en as pas assez.” Je marchais autour de la maison et je me suis mis à chanter les notes du premier couplet. J’ai continué dans cette direction et j’ai écrit le reste de la chanson. Je suis allé dans notre studio et j’ai dit à mon frère Randy quoi jouer au piano. On a utilisé des percussions, puis tapé dans nos mains. Le résultat était assez funky. J’ai fait écouter cette démo à Quincy Jones et il l’a aimée1. » Et d’ajouter : « Cette chanson représente beaucoup pour moi car c’est la première que j’ai écrite entièrement. »

C’est une chanson d’amour, plutôt très sensuelle, remplie de paroles très suggestives : « Le sentiment est agréable maintenant / De la fièvre, de la température monte maintenant » ; « Viens plus près de mon corps maintenant / Juste aime-moi jusqu’à ce que tu ne saches plus comment » ; « Touche-moi et je me sens en feu » ; « Je fonds comme la cire chaude d’une bougie » ; « Laisse ainsi l’amour nous emmener à travers les heures / Je ne me plaindrai pas / Cet amour est puissant ». Si la légende dit que Katherine, la mère de Michael, fut particulièrement surprise et interpellée par ces paroles, Michael, très amusé, lui affirme que les gens comprendront ce qu’ils veulent s’ils ont l’esprit mal placé. Âgé de tout juste 21 ans, Michael aime déjà jouer sur l’ambiguïté tant des paroles que de son discours, laissant planer déjà l’éternel mystère, même auprès des siens.

Pour la promotion, la production lance ce qui deviendra plus tard le vidéoclip. C’est un short film qui n’illustre pas forcément la chanson qu’il interprète, mais sert bien plus à présenter sa nouvelle image auprès du public. L’introduction, où l’on voit un ciel bleu parsemé d’étoiles laissant apparaître « Michael Jackson – Don’t Stop ‘til You Get Enough », rappelle le même ciel vu dans le film The Wiz. Michael s’est, pour l’occasion, attaché les services de Nick Saxton. Ce dernier met en scène Michael dans un décor disco coloré et orné de cristaux et de perles. Michael, habillé de son costume comme sur la pochette de l’album, chante et danse avec l’enthousiasme qu’on lui connaît. L’innovation audiovisuelle vient au moment du « pont » de la chanson. Michael se retrouve alors triplé à l’image. La magie opère grâce aux effets spéciaux obtenus par la technique de l’incrustation, tout juste inventée par les vidéastes. Michael marque d’emblée les esprits visuellement. L’objectif est atteint.

Don’t Stop ‘til You Get Enough conquiert tout de suite le public. Le titre occupe la place numéro 1 du classement Billboard et est certifié disque de platine avec plus de 2 millions d’exemplaires vendus. En Angleterre, il se classe 3e des charts. Pour ce single fort et phare, Michael reçoit son tout premier Grammy Award et un American Music Award. Le règne du « roi de la pop » débute.

Néanmoins, un léger litige apparaît déjà. Fort du succès du titre, le claviériste Greg Phillinganes se prévaut d’être le cocompositeur de la musique. D’ailleurs, plusieurs exemplaires du single le créditent comme tel, mais une procédure judiciaire vient mettre tout le monde d’accord en clarifiant son rôle. S’il a bien écrit et arrangé le pont musical, cela ne fait pas de lui pour autant le cocompositeur du titre. Phillinganes ne conteste pas la décision de justice et il poursuivra même sa collaboration avec Michael Jackson. Affaire close.

1. Interview Radio Unistar, janvier 1980.

4

LE DÉBUT DU RÈGNE DU « ROI DE LA POP »

Off the Wall – Single

18 février 1980

Pour parfaire l’album idéal dont rêve Michael, Quincy Jones sollicite Rod Temperton. Cet auteur-compositeur britannique né en 1949 officie comme claviériste au sein du groupe disco-funk Heatwave fondé en 1975. Heatwave signe plusieurs tubes dont Boogie Nights et Always and Forever à la fin des années 1970.

Rod Temperton raconte : « En 1979, je travaillais à New York sur un album de mon groupe Heatwave. Un soir, Quincy m’a appelé au studio et m’a demandé si je pouvais écrire quelque chose pour le premier album solo de Michael Jackson. J’ai répondu “OK”. J’ai composé trois chansons afin que Quincy et Michael en choisissent une pour l’album : Rock With You, Off the Wall et Burn This Disco Out. Ils avaient réservé le studio pour le week-end. J’ai donc pris l’avion depuis New York pour les rejoindre et enregistrer les chansons. À ce moment-là, je n’avais toujours pas rencontré Michael. Il n’était pas venu au studio. Je suis revenu la semaine suivante pour enregistrer la voix avec lui. On a posé les chœurs le samedi après-midi et les voix principales le dimanche après-midi. Michael était incroyable… Il était resté toute la soirée du samedi pour apprendre les paroles jusqu’à ce qu’il n’ait plus besoin de feuilles pour les lire. Après avoir enregistré les trois chansons, j’ai demandé à Quincy laquelle il voulait garder. Il m’a répondu qu’il voulait prendre les trois. »

Rock With You est le deuxième single de promotion de l’album. Il est lancé le 3 novembre 1979 et se classe numéro 1 du Billboard Hot 100 et du Hot R&B/Hip-Hop Songs. En plus de Rod Temperton, Quincy Jones sollicite le groupe de funk originaire de Chicago, Rufus, pour enregistrer en studio. Deux versions sont produites. Une version album et une version single diffusée en radio. Un vidéoclip est également réalisé pour l’occasion par Bruce Gowers. L’aspect « paillettes » est encore prédominant et un laser vert varie au fil des pas de danse de Michael. Cette fois-ci, pas de smoking mais une tunique réalisée par le designer Bill Whitten. Ce dernier connaît bien Michael puisqu’il avait déjà réalisé des tenues pour les Jackson Five dans les années 1970.

Pour Off the Wall, troisième single de promotion lancé le 18 février 1980, Rob Temperton explique comment il s’y est pris pour composer : « En observant Michael, j’ai vite compris qu’il avait besoin de chansons rythmées et très mélodiques. J’ai donc essayé d’écrire des mélodies avec beaucoup de notes courtes. Cela permettait d’obtenir cet effet rythmé proche du staccato. Je pense que la chanson Off the Wall est l’exemple parfait qui illustre cette approche. J’ai préféré jouer sur ce type de mélodies plutôt que de livrer des chansons avec des notes et des lignes plus longues. En écoutant ses anciens disques, je me suis également aperçu qu’il aimait les harmonies. J’ai pu développer cette idée à partir de mes travaux pour Heatwave. Le son de ce groupe tournait autour des harmonies. J’ai donc mélangé les caractéristiques de ma musique avec cette nouvelle idée de mélodies jouant sur des notes courtes. C’est ainsi que sont nés Off the Wall et Burn This Disco Out. »

Le single Off the Wall entre dans le top 10 des charts américains et est certifié disque d’or en se vendant à plus de 1 million d’exemplaires.

5

UN GRAND FAN DE DISNEY

Disneyland 25th Anniversary

6 mars 1980

Le 17 juillet 1955 ouvre le premier parc Disneyland à Anaheim en Californie. L’empire Disney matérialise sa notoriété à travers un parc d’attractions où tous les héros des enfants existent bel et bien. La magie prend forme et ne cessera pas durant des décennies.

Le 6 mars 1980, Michael Jackson participe à l’émission de télévision Kraft Salutes Disneyland’s 25th Anniversary. L’acteur Danny Kaye fait office de maître de cérémonie pour célébrer le quart de siècle du parc. Michael Jackson apparaît à plusieurs reprises. En véritable star du moment, il était impossible de se priver de sa présence pour un tel événement. Ainsi, on le voit lors d’une séquence où un petit garçon se plaint auprès de son grand-père de s’ennuyer dans le parc. Michael est perché sur un rocher du château de la Belle au bois dormant et interprète la chanson When You Wish Upon a Star, tirée de Pinocchio. C’est ensuite Follow the Yellow Brick Road, tirée du Magicien d’Oz de 1939, que Michael chante. Il finit ce medley enchanté par Ease On Down the Road, tirée de The Wiz, rapidement rejoint par les personnages Disney.

Si Michael a toujours été un grand admirateur du 7e art, il a nourri un rejet de la télévision. Buz Kohan, le producteur de l’émission, raconte les coulisses de l’enregistrement : « Le tournage de l’émission des 25 ans de Disneyland est intéressant à bien des égards. Je me rappelle avoir vu Michael marcher à travers le parc, tout excité. Il aimait Disney et était un grand fan de Walt, comme tout le monde le sait. Il avait quelque chose dans son oreille. Il s’est avancé vers moi et m’a dit : “Buzzy-Wuzzie, tu dois écouter ça.” Et il a mis cet écouteur dans mon oreille et j’ai entendu le son incroyable qui sortait du magnétophone qu’il tenait dans ses mains. C’était la première fois que je voyais un Walkman Sony. Il était impressionné par la qualité sonore de cet appareil, et je l’étais également.

Les lieux de tournage ont été choisis naturellement car ils collaient parfaitement au medley que Michael devait interpréter avec les personnages Disney. Michael, comme toujours, voulait mettre en avant son amour pour l’enfance et sa joie d’effectuer son métier d’homme de spectacle. Déjà à l’époque, il ne pensait pas à ce que pouvait donner l’émission dans l’immédiat. Il pensait et réfléchissait à long terme. La seule chose qui l’a dérangé après avoir visionné le film de sa prestation était When You Wish Upon a Star. À cette époque, c’était sa chanson préférée, il s’identifiait totalement aux paroles et lorsqu’il l’a chantée pour cette émission, son émotion était visible sur son visage. Cependant, Dwight Hemion, un brillant réalisateur qui a su capturer des scènes magnifiques, était plus focalisé sur le château, son pont et les cygnes sur le lac et n’a pas jugé utile de faire des gros plans tels que Michael l’aurait souhaité. Ça l’a rendu très triste.

À partir de ce moment, Michael a développé une certaine aversion pour les prestations télévisées. Il sentait qu’il ne contrôlait pas tous les aspects de son numéro. C’était un sujet dont nous avons fini par rigoler par la suite. Dès que je travaillais sur une émission de télévision, je l’appelais pour lui dire que j’avais une opportunité en or à lui proposer, mais il me répondait sans cesse : “Buz, tu sais que je déteste la télévision. Je ferais n’importe quoi pour toi, mais pas ça.” C’est devenu un running gag, et la seule fois où j’ai réussi à le faire changer d’avis fut lorsque je lui ai demandé de chanter You Were There pour les 60 ans de carrière de Sammy Davis Junior1. »

Il n’empêche que cet anniversaire tint toutes ses promesses, comme ceux qui suivirent. Les enfants du monde entier de l’époque furent enchantés et la magie opéra…

1. Lecocq, Richard, Michael Jackson : King, Publibook, 2011.

6

LA LÉGENDE S’INSTALLE

She’s Out of My Life – Single

29 avril 1980

Quatrième single de promotion de l’album « Off the Wall », She’s Out of My Life est une composition du Californien Tom Bahler.

Né en 1943, cet auteur-compositeur a débuté sans grand succès dans des groupes comme The Love Generation. En 1970, il signe le tube Julie, Do Ya Love Me pour Bobby Sherman. En 1972, c’est pour la chanteuse Cher qu’il écrit et compose le tube Living in a House Divided. Pour She’s Out of My Life, l’auteur s’est inspiré de sa propre vie. Diverses rumeurs prétendent qu’il a écrit cette chanson à la suite de sa rupture avec Karen Carpenter, sur une autoroute de Pasadena. Bahler rétablit la vérité quelques années plus tard. Il s’agissait en réalité de Rhonda Rivera avec qui il a eu une relation durant deux ans.

Cela fait déjà quelques années que Michael et lui se connaissent. Avant d’être un associé de Quincy Jones, Bahler avait travaillé pour la Motown. Il raconte : « Michael avait 11 ans lorsque j’ai travaillé avec lui pour la première fois. Mon frère John et moi travaillions comme arrangeurs vocaux pour Motown. Nous avons enregistré les chœurs de la chanson Rockin’ Robin. Nous avons beaucoup rigolé ensemble et Michael adorait ces moments où John et moi chantions cette chanson à côté de lui. Quand nous faisions “Tweedele e tweedle e d… tweedle e tweedle d”, il explosait de rire et nous appelait les “Stereo Bahler’s”. Je le connaissais assez bien lorsque j’ai collaboré avec lui sur la BO de The Wiz (où j’intervenais également comme arrangeur). Lorsque Michael a entendu She’s Out of My Life pour la première fois pendant la préparation de The Wiz, il a commencé à l’appeler “Le single”. J’ai écrit cette chanson un jour en rentrant chez moi après une relation assez “vide”… C’était un peu à la mode à l’époque… La version que nous connaissons est la première prise enregistrée par Michael ! Il s’est effondré à la fin… Ce que l’on n’entend pas, c’est le moment où l’on dit : “Désolé les gars, peut-on en faire une autre, s’il vous plaît ?” On a dû enregistrer 12 prises après celle-là, mais elles ne dégageaient pas la même honnêteté que la première. Nous avons donc décidé de sortir celle où on l’entend pleurer. Je n’ai pas tellement travaillé sur des arrangements vocaux pour ce titre. Michael a écouté ma démo jouée au piano, a appris les paroles et a chanté sa propre interprétation. Il était très doué pour cela1… »

Pour la promotion, un vidéoclip est réalisé. Malheureusement, il s’avère très compliqué de mettre en scène une chanson d’une telle sensibilité et pleine d’émotion. Trop de plans et la timidité de Michael rendent le résultat moins probant que ses interprétations en live qui suivront. Il n’empêche que She’s Out of My Life se classe 10e des charts américains et reçoit le disque d’or avec plus de 1 million d’exemplaires vendus. Grâce à She’s Out of My Life, Michael devient le premier artiste dont quatre singles d’un même album se classent dans le top 10 des charts. Une performance hors norme. La légende continue de s’écrire…

1. Lecocq, Richard, Michael Jackson : King, Publibook, 2011.

7

MICHAEL JACKSON INNOVE

Heartbreak Hotel – Single

1er décembre 1980

Le 18 octobre 1980, les frères Jackson sortent leur album « Triumph » qui est un véritable chef-d’œuvre. Sur cet opus, Michael signe This Place Hotel.

Michael a pris confiance en lui. Son succès en solitaire avec « Off the Wall » n’y est pas étranger. De plus, Michael a passé auprès de Quincy Jones des heures et des heures en studio. Il est désormais suffisamment aguerri pour s’imposer au sein de son clan. C’est ce qu’il fait en produisant This Place Hotel, une chanson qui nous plonge dans le monde des fantômes et du paranormal. C’est sa première pierre posée dans cet univers qu’il semble bien affectionner. À l’origine, la chanson s’intitulait Heartbreak Hotel, mais pour éviter toute confusion avec le célèbre tube d’Elvis Presley, la maison de disques a préféré modifier le titre.

Pour les chœurs, les sœurs Waters sont sollicitées. La Toya Jackson pousse, elle, le premier cri d’introduction à la chanson. Ses frères jouent des instruments sous sa direction. Il est bien le maître ici. Ce morceau est particulièrement réussi et incitera Michael à poursuivre l’exploration de cet univers. Il en est fier et s’exprime : « Heartbreak Hotel a motivé Rod Temperton pour écrire Thriller. Il m’avait confié à quel point il aimait cette chanson, avec tous les effets sonores qu’elle contient. Mon but était d’inventer quelque chose de futuriste, et de créer une intensité dramatique en mélangeant ces effets spéciaux à ma musique. Et cela a fonctionné, car de nombreux artistes utilisent à présent les mêmes techniques, comme Pink Floyd ou encore Rod Temperton avec Thriller. Il y a de plus en plus de disques avec des effets sonores, et c’est une bonne chose1. »

Michael innove donc musicalement et n’en est qu’aux prémices de ce qu’il va par la suite inscrire dans le marbre de la musique mondiale.

This Place Hotel ne recueille pas le succès attendu. C’est peut-être encore trop tôt pour le public. La chanson se classe 22e des charts américains. Lors du Triumph Tour, Michael la chante tandis que ses frères, respectueux, restent en retrait.

1. Interview Spotlight Specials, double album, ABC Watermark, 1984.

8

LA FIN D’UNE ÉPOQUE

Triumph Tour
juillet 1981-septembre 1981

Alors que le Triumph Tour se prépare, Michael ne fait plus mystère de sa lassitude du groupe familial, ainsi que de son ambition personnelle. Après tout, il est normal qu’après plus de douze ans, les choses évoluent pour les uns comme pour les autres, que les aspirations changent. Michael explique : « Nous avons fait le tour du monde et chanté devant rois et ambassadeurs, il est temps de changer. » Michael a gagné ses galons de star par lui-même grâce à « Off the Wall ». Dans sa tête, il a déjà clairement tourné la page, tandis que ses frères croient encore que The Jacksons peut perdurer, se renouveler et continuer.

La tournée débute le 9 juillet 1981 à Memphis. Randy Jackson, victime quelques mois plus tôt d’un accident de voiture, parvient à se rétablir à temps pour retrouver ses frères lors de cette tournée qui surpasse les précédentes. Les Jackson avaient hâte de tenir leur rang d’attraction vivante numéro 1 des États-Unis. Ils récoltent près de 5,5 millions de dollars sur 36 concerts. Lors de leur concert à Atlanta, ils reversent 100 000 dollars à l’Atlanta Children’s Foundation, créée après l’augmentation d’enlèvements d’enfants en ville.

Le show tient ses promesses et dépasse l’entendement par moments. Le magicien canadien Doug Henning apparaît pour faire disparaître Michael dans un nuage de fumée à la fin de la chanson Don’t Stop ‘til You Get Enough. Malheureusement, il est des images manifestes qui traduisent bien une scission en coulisses entre Michael et ses frères. Sur scène, lors des échanges, Michael se tient bien à droite, isolé, ou à distance de ses frères qui campent à gauche. Michael veut absolument chanter les nouveautés, tandis que ses frères tiennent à chanter la période Motown. Michael a le dernier mot. Forcément, « Off the Wall » s’est vendu à plus de 10 millions d’exemplaires alors que « Triumph » n’a fait que 3 millions. Cela lui donne un pouvoir de facto sur le groupe.

Malgré ces tensions, le Triumph Tour est qualifié comme l’un des meilleurs concerts des années 1970-1980 par le magazine Rolling Stone. Les Jackson sont vraiment au sommet et Michael, malgré ses différends, se lâche sur scène et affiche une forme olympique. Les stars se succèdent pour assister à ce qui semble être la dernière tournée d’un groupe singulier, mais aussi et surtout pour voir Michael en live. Même s’il reste accompagné de ses frères, on peut voir que le temps où il était le petit dernier est révolu. Il règne en maître sur la scène et son charisme magnétique monopolise toute l’attention du public. Ses frères ont beau être de la partie et se donner à fond, Michael brille au-dessus des autres.

Le Triumph Tour est immortalisé et gravé sur disque afin de laisser une trace de l’énergie et de la densité de cette prestation vocale authentique et singulière aux États-Unis. Un souvenir impérissable pour ceux qui l’ont vu, comme pour ceux qui ont vécu cette époque qui prend fin.

9

L’ALBUM DU SACRE

« Thriller » – Album

30 novembre 1982

« Lorsque Quincy Jones et Bruce Swedien m’ont rejoint pour travailler sur l’album “Thriller”, j’avais fait le rêve d’en faire l’album le plus vendu au monde », déclare Michael Jackson le 15 novembre 2006 sur la scène d’Earl’s Court de Londres. Pourtant, à ce moment-là, il y a bien plus de contraintes que d’avantages. Le marché du disque est en baisse. L’éclosion des jeux vidéo a conduit à la désertion des magasins de disques. L’industrie musicale peine à trouver un nouveau souffle en ce début de décennie. Bref, les voyants sont au rouge.

Epic, la maison de disques de Michael, y va même de son pessimisme et pense que ce nouvel album, « Thriller », pourra se vendre au mieux deux fois moins que « Off the Wall ». Michael se vexe. Pourtant, il est en effet rare que le second album dépasse le premier en matière de ventes. Mais là est bien tout le défi de Michael qui veut repousser les limites et toujours faire mieux. Un enthousiasme débordant qui a tendance à faire sourire Quincy Jones.

Huit semaines seront nécessaires pour faire aboutir le projet. L’enregistrement de « Thriller » commence le 14 avril 1982 et se termine le 8 novembre. CBS veut sortir l’album pour Noël, période propice aux ventes de produits culturels. Alors l’équipe fait comme elle peut pour tenir ce délai. La sélection des chansons s’avère déjà compliquée. Parmi les 800 maquettes reçues, Michael et Quincy ne doivent en garder que 9. Une fois la sélection faite, ce sont des heures au studio Westlake, avec quasiment la même équipe que pour « Off the Wall ». Des contretemps viennent ensuite compliquer la tâche. Puis arrive l’heure de l’écoute du master. Le mix n’est pas bien équilibré et au final cela sonne « brouillon ». En tout cas, pas comme l’espérait Michael. Il réalise alors que l’album en l’état n’est absolument pas prêt à être remis à son label. Un bras de fer s’installe entre Michael et CBS, qui exige la remise de la copie en l’état. Michael reste ferme et gagne le droit de repartir en studio avec Quincy et Bruce pour retravailler le mix de chaque titre. Rob Temperton acceptera de retirer un couplet de sa chanson, The Lady in My Life, et l’introduction de Billie Jean, jugée trop longue, sera raccourcie.

Pour la pochette de l’album, c’est à Dick Zimmerman que revient l’honneur de la création. Il raconte : « Ma première rencontre avec Michael Jackson a eu lieu dans un studio d’enregistrement situé sur Beverly Boulevard à Hollywood, où il avait alors terminé les trois quarts de l’enregistrement de ce qui allait devenir l’album le plus vendu de l’histoire. La maison de disques CBS m’a fait savoir que la pochette serait réalisée soit par moi, soit par un autre photographe de renom dont l’identité ne m’a jamais été révélée.

Michael tenait à rencontrer personnellement les deux candidats avant de prendre sa décision. Pour avoir travaillé sur d’autres projets avec lui depuis, je sais qu’il a besoin de s’entourer de personnes qui sont au top dans leur profession, ne sont pas égoïstes, des gens de confiance et créatifs, mais aussi, il était important pour lui de trouver quelqu’un qui le traiterait avec délicatesse, en lui montrant de la considération. Il ne voulait pas travailler avec quelqu’un de menaçant ou d’offensant.

Lorsque je l’ai vu franchir doucement les portes du studio, ma première impression était qu’il semblait plus petit et plus mince que je ne le pensais. Sa poignée de main était très douce, à peine ferme, et j’ai bien veillé à lui retourner la même.

En discutant, Michael m’a posé des questions sur ce que j’aimais et n’aimais pas, avec sa voix qui ressemblait à un chuchotement. Par sa façon de lancer ses questions, je pouvais sentir que j’étais observé de façon assez fine. C’est à ce moment-là que j’ai compris à quel point il était important pour Michael de travailler avec le type exact de personne capable de le mettre à l’aise. Notre rencontre a duré vingt minutes et nous nous sommes quittés sur un au revoir cordial. »

C’est ensuite CBS qui rappelle le photographe pour l’informer que Michael souhaite le revoir, mais dans son studio, afin de découvrir ses travaux. « À l’entrée de mon studio se trouve une grosse sonnerie, mais j’ai entendu frapper doucement à la place. Au lieu d’envoyer ma secrétaire ouvrir, je voulais répondre moi-même. Je tenais à ce que Michael sente que j’étais accessible et réel, et je voulais éviter toute situation qui pouvait le rendre mal à l’aise. Évidemment, j’ai réussi l’examen et, deux jours plus tard, CBS m’a confirmé que j’étais sélectionné pour honorer la tâche. La séance a été programmée et devait se dérouler deux semaines plus tard.

Le jour du shooting est arrivé et j’avais engagé l’un des meilleurs stylistes de Los Angeles pour rassembler un large choix de vêtements, puis nous avons commencé à faire une dure sélection de tenues pour la pochette et son intérieur. Après plus d’une heure de recherches, Michael n’avait rien trouvé d’emballant. J’ai commencé à paniquer pendant un moment, puis j’ai remarqué que Michael regardait le costume blanc que je portais. Il m’a demandé si nous avions quelque chose de la sorte. Ce n’était pas le cas, alors je lui ai proposé d’essayer le mien. Qu’on tienne compte de ses choix, c’était exactement ce qu’il voulait. Heureusement, le costume lui allait.

Avant la séance, nous avions décidé que Michael serait pris en photo avec un bébé tigre et nous lui en avions sélectionné plusieurs. Il est tombé amoureux d’un petit de 6 semaines, mais était un peu effrayé à l’idée de le voir s’approcher trop près de lui, de peur d’être griffé. Pendant la séance j’ai dû lui dire d’oublier cela et de se concentrer sur l’objectif. Pendant les pauses, Michael se plaçait devant une grande glace et s’entraînait à tourner sur lui-même. Il faisait ces fameuses vrilles qui nous sont si familières. Il prenait vie devant ce miroir. C’était fascinant, car il s’était montré tellement timide et assez maniéré pendant le shooting. À l’heure du déjeuner, il s’est fait livrer un repas végétarien, commandé dans son restaurant favori.

Le shooting a duré près de six heures sans aucun problème particulier. À la fin de la journée, en nous disant au revoir, nous avions convenu de nous revoir pour regarder les résultats. Quatre jours plus tard, les photos étaient prêtes, et nous avons retrouvé Michael au studio situé sur Beverly Boulevard. Michael était en train d’achever une des chansons, et j’ai installé mon matériel afin qu’il puisse voir les diapositives une par une. »

Le résultat, nous le connaissons tous désormais. C’est cette pochette mythique que vient de réaliser sans le savoir Dick Zimmerman.

Le 30 novembre 1982, le disque est enfin dans les bacs. Pour la promotion, Michael surprend en s’y lançant seul sans manager. Son avocat John Branca le conseille tandis que quelques mois plus tard, il se sépare officiellement de Ron Weisner et Freddy DeMann. La promotion est confiée à Frank DiLeo qui a fait ses classes entre Epic et Columbia de chez CBS. Talentueux et performant, maîtrisant parfaitement les codes de communication de l’époque, DiLeo est embauché par Michael comme manager quelques mois plus tard.

Au terme de son exploitation commerciale, c’est un tremblement de terre que produit « Thriller » : 40 millions d’exemplaires vendus ! Et une pluie de récompenses à la clé. Citons pour seul exemple la cérémonie des Grammy Awards, où il reçoit les prix de meilleur album de l’année, record de l’année, meilleur interprète masculin rock, meilleur interprète masculin R&B et meilleure nouvelle chanson de l’année avec Billie Jean. Quincy Jones reçoit le Grammy du meilleur producteur musical de l’année.

Au-delà de ce succès commercial, Michael Jackson devient un véritable phénomène culturel. Depuis Elvis Presley, aucun artiste n’avait généré un tel enthousiasme, un tel engouement et une telle idolâtrie aux États-Unis. Son image est partout, Michael inonde les écrans de télévision et les magazines. Il règne en maître sur la musique mondiale désormais. Et ce n’est (encore) que le début…

10

EN DUO AVEC SIR PAUL MCCARTNEY

The Girl Is Mine – Single

25 octobre 1982

Un mois avant la sortie de l’album « Thriller », le 25 octobre 1982, Michael lance The Girl Is Mine en premier single 45 tours de promotion. Ce titre apparaît au premier abord comme anodin et sans grande vocation. Un bon morceau tout ce qu’il y a de plus banal. Et pourtant…

Il s’agit d’un duo avec sir Paul McCartney, membre fondateur des Beatles. Rien que ça ! Une affiche atypique que ni le public ni la critique ne pouvaient attendre. C’est bien normal, Michael aime surprendre et sortir des sentiers battus. Avec Quincy Jones, il savait pertinemment que cela attiserait la curiosité. Pour Michael, c’est une manière de remercier Paul McCartney, qui lui a offert la chanson Girlfriend pour son premier album, « Off the Wall ». Les deux hommes s’entendent à merveille sur le plan humain. Et musicalement, ils sont loin d’être incompatibles ! Michael compose The Girl Is Mine en 1981 et l’enregistrement se fait le 14 avril 1982 au studio Westlake.

The Girl Is Mine est l’éternelle histoire de deux hommes qui se disputent la même femme. Histoire vieille comme le monde où chacun fait valoir ses arguments à l’autre dans une dispute de gentlemen.

En 1993, une affaire de plagiat éclate à Mexico au sujet de The Girl Is Mine. Les avocats de Michael font alors écouter aux magistrats les enregistrements a cappella qu’avait produits Michael pour donner un maximum d’informations sur l’aboutissement désiré. La version finale, le beau et long travail de Quincy Jones à partir des instructions de Michael, donne un duo qui fonctionne toujours à merveille. C’est une évidence comme il en existe rarement.

The Girl Is Mine se classe directement numéro 2 du top américain et, début janvier 1983, il est certifié disque d’or avec plus de 1 million d’exemplaires vendus aux États-Unis. Le tout sans vidéoclip…

Il y a une suite à tout cela : Say Say Say, un nouveau duo entre Michael et Paul McCartney qui sort sur les ondes le 12 octobre 1983. Cette chanson a été écrite et composée en 1981 et l’enregistrement a eu lieu en février 1983 à Londres. Un autre duo est également enregistré, à savoir The Man. C’est le succès mondial de « Thriller » qui incite Paul McCartney à sortir ces deux titres qui figurent sur son album « Pipes of Peace ». La production de Michael, Epic, accepte pour Say Say Say, mais s’oppose fermement à The Man. La sortie de ce single est donc annulée et quelques disques de promotion contenant une version instrumentale inédite font désormais office de « collector » pour les fans des deux artistes.

Say Say Say est un véritable tube qui s’installe en numéro 1 du Billboard durant six semaines.

11

LE DÉFI

THE E.T. Storybook

Novembre 1982

Pendant la préparation et l’enregistrement de l’album « Thriller », Michael Jackson et Quincy Jones acceptent la proposition du réalisateur Steven Spielberg : une version audio livre-album pour enfants de son succès E.T.

L’ingénieur du son, Matt Forger, témoigne des coulisses de ce projet devenu un mythe et passé quasi inaperçu : « Lorsque nous avons commencé à travailler sur ce projet, nous avions sous-estimé le défi technique et créatif qu’il représentait. L’idée semblait simple sur le papier, mais sa réalisation nous a poussés à développer une nouvelle approche de tout notre processus créatif afin que tous les talents réunis y trouvent leur compte. Voir Quincy, Steven et Michael travailler si dur sur ce projet pour le rendre le plus crédible possible voulait dire que nous devions être prêts à changer de direction à tout moment. Un grand travail de préproduction était déjà en place lorsque nous avons commencé l’enregistrement de l’album et j’expérimentais de nouvelles techniques afin de faciliter la tâche aux producteurs. Cela ressemblait à un éléphant qui entrait dans un magasin de porcelaine. Pas à cause des personnalités impliquées dans cette aventure, car tout le monde travaillait dans le même sens, mais à cause du défi de faire de l’histoire la vraie star du disque.

En fait, le E.T. Storybook était un double défi. Premièrement, nous avons commencé à travailler dessus alors que nous étions en plein milieu des sessions d’enregistrement de “Thriller”. Nous subissions déjà une forte pression pour terminer cet album à temps pour les fêtes de fin d’année. Et à ce moment, comme si cela ne suffisait pas, nous avions un autre projet à mener avec la même échéance. Cela nous a demandé une énergie et un temps fous tout en empiétant sur le planning de “Thriller”. Mais compte tenu des rapports qu’entretenaient Quincy et Steven, il était primordial de tenir les délais et de ne pas passer à côté de la fièvre E.T. Nous ne pouvions pas sortir ce disque plus tard. Et bien entendu, Michael abondait dans ce sens. Le second défi fut de confronter une bande de gars habitués à créer des disques de musique pop à l’enregistrement d’un livre-album pour enfants censé capturer et retranscrire la magie et l’excitation d’un film qui était un énorme succès. Il était important d’en faire non seulement un album destiné aux enfants, mais de raconter l’histoire de façon aussi captivante que dans le film. Michael était un grand fan de E.T. Il y a donc mis tout son cœur et sa performance pleine d’émotions traduit les sentiments ressentis lorsque l’on regarde le film1. »

Sur les séances en studio, l’ingénieur du son raconte : « Michael se calait sur un script, qu’il lisait tout en écoutant un play-back de la musique du film adaptée à partir des scènes qu’il devait raconter. Il recevait les instructions de Steven et de Quincy depuis le micro. Normalement, une personne presse sur le bouton pour s’adresser à l’artiste devant le micro, mais j’avais installé un dispositif afin qu’il puisse fonctionner dans les deux sens. En écoutant la musique du film, Michael avait l’impression de se trouver à l’intérieur du film, mais sans les images. Après tout, c’était là le concept du storybook. Et Michael était tellement inspiré en lisant son texte, il a adoré travailler sur ce disque. Ensuite, les différents éléments, les textes lus par Michael, la musique et les effets sonores ont été assemblés et mixés pour créer l’enregistrement final. »

Sur le single prévu, Someone in the Dark, Matt Forger explique : « Quincy a eu l’idée d’associer Alan et Marilyn Bergman en tant que paroliers à Rod Temperton qui avait composé le morceau. Il savait comment assortir les meilleurs talents et obtenir les meilleurs résultats. L’écriture s’est faite en dehors du studio, mais ils étaient tout de même présents lorsque Michael a posé sa voix sur cette chanson. C’était toujours un vrai plaisir de recevoir leur visite au studio. Leur réputation en tant que paroliers n’est plus à faire. Ce sont des légendes. Depuis les coulisses, ils ont contribué au succès d’un très grand nombre de chansons. »

En comparaison des autres projets du même genre qui ont vu le jour, l’ingénieur du son est radical : « La principale différence est l’excitation de Michael lorsqu’il lit son texte. Cela sert l’histoire. Vous pouvez ressentir l’émotion dans sa voix lorsque E.T. est poursuivi, lorsqu’il s’échappe avec les enfants et, bien entendu, lorsqu’il regagne son vaisseau spatial. La narration de Michael place ce storybook dans une catégorie bien à part. »

Et Matt Forger de conclure : « C’était un des nombreux projets que nous avons partagés avec Michael, et nous sommes tous très fiers du résultat atteint, mais dès que nous avons terminé l’enregistrement, nous avons dû nous replonger de toute urgence dans “Thriller”. Je suis convaincu que le fait d’avoir travaillé avec Steven Spielberg nous a tous influencés. Je sais que d’autres projets étaient en discussion, mais aucun d’entre eux n’a vu le jour. […] En ce qui me concerne, le travail accompli sur ce disque, en assemblant tous les éléments au service de l’histoire, a été une influence indéniable sur l’approche et le design sonore d’autres pièces que j’ai enregistrées pour Michael. »

Produit par MCA, premier concurrent de CBS, le projet est censé sortir pour les fêtes de fin d’année, mais le grand patron de CBS, Walter Yetnikoff, devient furieux lorsqu’il l’apprend. Une clause d’exclusivité lie Michael Jackson à sa maison de disques et lui interdit de participer à des projets extérieurs, sauf autorisation. Alors que le single Someone in the Dark est déjà distribué aux radios, CBS réussit à faire interdire la sortie commerciale du titre. Ce disque devient le plus rare collector de Michael Jackson. La suite se passe au tribunal de New York entre CBS et MCA. Après de longues négociations, MCA est finalement autorisé à publier le storybook sous format dit « deluxe », soit 500 000 exemplaires en 33 tours et K7, début novembre aux États-Unis.

1. Lecocq, Richard, Michael Jackson : King, Publibook, 2011.

12

UN CLASSIQUE MUSICAL

Billie Jean – Single

22 janvier 1983

Michael Jackson imagine et compose Billie Jean en 1981. C’est l’un des premiers morceaux qu’il apporte avec lui au studio Westlake lors de l’enregistrement. Ce sera d’ailleurs autour de Billie Jean que va être bâti l’album « Thriller ». Quincy Jones explique : « Vous savez, chaque projet commence avec une chanson. Michael avait écrit Billie Jean, c’était quelque chose de très personnel pour lui. Il m’avait raconté que la chanson parlait notamment d’une fille qui avait escaladé le mur de sa maison et s’était installée en maillot de bain, devant la piscine, avec ses lunettes de soleil. Elle harcelait Michael et l’avait accusé d’être le père d’un de ses jumeaux (rires). Je me demande bien comment on peut réussir à faire ça ! L’intro de Billie Jean était si longue qu’on aurait pu prendre le temps de se raser en l’écoutant. Je lui ai conseillé de couper plusieurs mesures, mais il m’a répondu : “C’est tellement ‘jelly’, ça me donne envie de danser.” Et quand Michael Jackson vous dit qu’un son le “fait danser”, personne n’ose le contredire. Ce n’est pas moi ou Bruce qui allait lui dire : “Bah moi, c’est ça qui me fait danser.” Alors il a fini par gagner cette bataille1. »

La bonne recette de Billie Jean se trouve vraiment dans la mélodie, le son et le célèbre « beat ». Le morceau deviendra un classique du patrimoine mondial de la musique grâce à cela. Et pour enregistrer ce son de batterie reconnaissable à peine en trois battements, Bruce Swedien confie son petit secret : « J’ai créé un coussin spécial placé sur la grosse caisse de la batterie. On le place par-dessus et il y a un passage spécial pour le micro. L’idée était d’isoler totalement le son de cette grosse caisse. Lorsque vous écoutez la chanson, vous pouvez entendre le résultat direct de cette technique. […] J’ai réalisé 91 mix différents pour Billie Jean. J’avais des bandes qui s’entassaient jusqu’au plafond. Quincy et Michael passaient me voir pour écouter les différents mix. Et savez-vous lequel a fini par être retenu ? Il s’agit du deuxième… C’est cette version qui a été présentée au public et pressée sur l’album. Je pense que le son de Billie Jean est l’exemple parfait de ce que j’appelle la “personnalité sonore”. Il n’existe pas beaucoup de chansons reconnaissables dès le premier son2. »

Quincy Jones doute du titre. Il trouve que cela rappelle le nom d’une joueuse de tennis, Billie Jean King. Il incite donc Michael à changer de titre et suggère Not My Lover. Mais Michael n’en démord pas et impose son idée première. Billie Jean, c’est l’illustration de ces femmes qui le harcèlent. Il vise directement ces groupies intrépides qui lui courent derrière jusqu’à vouloir arracher ses vêtements par fanatisme. Lorsqu’il compose Billie Jean, il est convaincu de son potentiel, comme il le confiera dans son autobiographie parue en 1988 : « Un musicien sait quand une chanson va faire un tube. Cela doit sonner juste. Tout doit être parfaitement en place. C’est ce que j’ai éprouvé avec Billie Jean. Je savais que ça ferait un malheur pendant que j’étais en train de l’écrire. J’étais complètement absorbé par cette chanson. »

Vient alors la réalisation du vidéoclip. CBS produit en signant un chèque de 25 000 dollars. Michael Jackson raconte : « Le clip de Billie Jean est assez surréaliste. Je n’ai pas imaginé ce concept. Steve Barron avait de très bonnes idées et je l’ai laissé faire. La seule partie que j’ai écrite est celle où je danse. Je lui ai demandé de me donner cette séquence pour le faire. Au départ, il ne voulait pas de danse dans le clip. J’ai contrôlé la séquence où je marche et danse dans cette longue rue avec cette affiche où l’on peut voir le visage de deux filles. L’une d’entre elles est Billie Jean3. »

Steve Barron est donc le réalisateur désigné par Michael, qui rêve depuis longtemps de travailler avec lui. Né en 1956 à Dublin, cet Irlandais sort tout juste de ses classes où il s’est formé comme assistant réalisateur auprès de Ridley Scott, notamment. En 1977, il se dirige vers les vidéoclips qui ne sont alors qu’au stade expérimental et servent de promotion. Barron sera le premier à écrire des scénarios afin de créer une structure au clip, et de développer plan par plan des marqueurs forts.

Il raconte : « Michael avait vu le clip que j’avais réalisé pour The Human League : Don’t You Want Me. Lors de nos discussions, il m’avait confié qu’il voulait développer un concept magique, dans l’esprit de Peter Pan. Je lui ai suggéré ce personnage proche, le roi Midas : tout ce qu’il touche brille et luit dans un univers proche du rêve. Nous avons tourné le clip fin 1982 aux studios Chaplin situés à La Brea. Certains éléments du clip peuvent rappeler la pochette de l’album “Off the Wall”, mais rien de cela n’est intentionnel.

La séquence où Michael illumine les dalles dans la rue nous a donné du fil à retordre. Mon souhait était de voir chacune d’entre elles s’éclairer sous la pression du pied de Michael. Malheureusement, le budget alloué ne nous permettait pas de concrétiser cela. L’équipe technique n’a pu obtenir que 11 dalles capables de s’éclairer avec un jeu d’interrupteurs. J’ai montré à Michael celles qui pouvaient être illuminées. Il n’était absolument pas en colère, contrairement à ce qui a pu être raconté par la suite. Il s’est concentré et a même incorporé l’enchaînement de l’éclairage de dalles dans sa chorégraphie. Il était incroyable, c’était un grand moment que de le voir bouger et danser, nous étions bluffés. Lorsque j’ai présenté l’idée des pavés lumineux, ses managers m’ont demandé de garder plusieurs séquences où il pourrait danser et improviser. J’avais prévu ces plans dans le story-board présenté lors de mes rencontres avec Michael.

[…] Pour Billie Jean, il était important de trouver une atmosphère et une attitude qui colleraient au son de la chanson. Le clip a été tourné en deux jours, et nous l’avons monté en vingt heures. Lorsque Michael l’a visionné pour la première fois, il pensait que les plans où l’écran se divise en plusieurs parties représentaient des options de montage parmi lesquelles il devait choisir. »

Dès sa sortie le 22 janvier 1983, Billie Jean fait sensation. Et en quelques jours, la chanson se classe numéro 1 durant sept semaines du top américain. Également numéro 1 en Angleterre, le single est au final vendu à plus de 2 millions d’exemplaires.

1. « Thriller », édition spéciale CD Epic Sony Music, 2001.

2. Interview pour NPS, télévision néerlandaise, janvier 2009.

3. MTV, décembre 1999.

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SON MESSAGE DE PAIX

Beat It – Single

9 mars 1983

Billie Jean a été la pierre fondatrice de l’album « Thriller ». Beat It en est la touche finale, la cerise sur le gâteau. Avec cette chanson, Michael Jackson adresse un message à la jeunesse du monde entier. C’est une époque où la violence et les gangs se multiplient aux États-Unis. Alors qui de mieux que la plus grande idole au monde en guise de médiateur de la paix.

Pourtant, Beat It a failli ne pas apparaître sur l’album. Quincy Jones raconte : « Le boulot de producteur est de trouver les bonnes chansons. On a passé en revue près de 800 chansons. Une fois ce travail effectué, nous avons dégagé 9 titres. Parmi cette sélection, nous avons éliminé les 4 titres qui nous semblaient les plus faibles pour les remplacer par 4 autres morceaux encore plus forts que tout le reste. Cela a totalement bouleversé la dynamique de l’album. Nous avons dû nous séparer de plusieurs bonnes chansons, mais à la dernière minute, nous les avons remplacées par The Lady in My Life, P.Y.T., Human Nature et Beat It. »

Michael Jackson veut apporter quelque chose de plus, musicalement. Il veut encore repousser ses limites et innover à sa manière. Jones lui propose d’ajouter une dimension plus « rock », ce à quoi adhère Michael. Il raconte : « Avant d’écrire Beat It, je pensais que je voulais écrire le genre de rock’n’roll que j’irais m’acheter pour moi, mais je voulais que ça soit complètement différent de ce que j’entendais au top 50, à la radio, tout le temps. Beat It a été écrit à l’intention des gamins qui vont à l’école. J’ai toujours aimé écrire des trucs qui plaisent aux enfants. C’est vraiment chouette d’écrire pour eux et de savoir qu’ils aiment ça, parce qu’ils sont un public très exigeant. On ne peut pas les blouser. Ils sont mon public le plus important, même maintenant, parce que je les aime vraiment et je veux leur plaire. S’ils aiment ce que je fais, c’est un hit à tous les coups, peu importe le classement du palmarès. »

Pour Beat It, Michael et Quincy Jones réservent une belle surprise au public : un featuring avec le guitariste star Van Halen. Quincy Jones raconte : « Je ne connaissais pas Eddie Van Halen, mais j’ai tenu à l’appeler personnellement pour l’inviter à jouer sur Beat It. Je l’ai appelé et lui ai dit : “C’est Quincy Jones !” Il m’a raccroché trois fois de suite au nez. J’ai dû faire appeler une autre personne pour qu’il m’écoute enfin. Il était très gentil. On s’est bien entendus. Il est venu au studio alors que Michael enregistrait des voix pour Billie Jean dans notre troisième studio. On a enregistré plusieurs prises. J’avais installé deux énormes haut-parleurs de la marque Gibson et deux packs de bière pour le motiver. Il a joué son solo puis doublé la ligne de basse avec Greg Phillinganes qui jouait la même partie sur un Minimoog. »

Van Halen raconte le malaise que provoque sa collaboration avec Michael au sein de son groupe : « J’ai accepté de participer pour rendre service à Michael. Je ne voulais rien en retour. Je pensais que Michael m’aurait peut-être donné des cours de danse un jour… Selon les autres membres du groupe, notre manager et tous les autres, j’ai agi comme un abruti complet, mais personne ne s’est servi de moi dans cette histoire. Je savais ce que je faisais. Je ne fais rien sans être d’accord et sans le vouloir. »

Néanmoins, pour l’enregistrement de Beat It, des difficultés apparaissent. Michael se lâche littéralement et capter ses émotions ne se fait pas sans mal. Matt Forger raconte : « Beat It nous a donné du fil à retordre. Cette chanson a constamment défié toute l’équipe. Michael voulait un son “punchy” pour coller à l’émotion de la chanson, si bien que nous étions tous au bout de nos limites. L’équipement du studio a dû ressentir cette lutte et s’est rebellé à sa façon. À un moment, pendant que nous jouions un play-back, l’une des enceintes a pris feu et de la fumée a commencé à sortir du mur. C’était comme si le studio répondait à toute cette tension, mais nous avons tenu bon et réussi à coucher cette chanson sur bande : le résultat parle de lui-même1. »

Pour la réalisation du vidéoclip, CBS s’oppose au financement. C’est alors Michael, qui tient à développer son concept, qui finance lui-même. Il débourse 125 000 dollars. Il explique : « Quincy m’a demandé d’écrire une chanson rock. Et je ne sais pas pourquoi, mais j’ai fini par écrire ce titre qui met en scène deux gangs. La chanson parle tellement d’elle-même qu’il est facile d’imaginer le clip qui va avec. J’avais vu une pub télé pour McDonald’s et je me souviens avoir aimé le rythme et le montage. Je voulais travailler avec le réalisateur de ce spot. Il s’appelait Bob Girardi, un gars vraiment cool. »

C’est un clip ambitieux qui doit mettre en scène un affrontement entre deux gangs rivaux. Le message de la chanson est de ranger son orgueil et de « lâcher l’affaire ». Il appelle à la tolérance et au respect et condamne toute forme de violence. Pour Girardi, c’est un véritable défi à relever. Il raconte : « De nombreux moments resteront gravés en moi pour toujours. Le premier soir de tournage de Beat It, je me souviens avoir été à deux doigts de tout laisser tomber et de rentrer chez moi à pied. Je me heurtais à un mur : j’avais du mal à obtenir les plans que je souhaitais avec ces délais de tournage très courts, sans oublier les différentes “populations” présentes sur le plateau : les danseurs étaient intimidés par les membres des gangs recrutés pour l’occasion. De leur côté, les durs du quartier ne voulaient pas être vus avec des danseurs. Mais par-dessus tout, les Crips et les Bloods ne s’entendaient pas, et lorsque quelques bagarres ont éclaté sur le plateau, la police est venue me demander de tout arrêter. Cela devenait très risqué. Je leur ai demandé de me laisser filmer une dernière séquence, rien qu’une. Ils m’ont répondu non. Les flics n’étaient pas chauds à l’idée d’avoir de vrais gangs sur ce tournage de toute façon. Ces premières difficultés leur ont donné l’occasion de s’opposer à nous.

J’avais besoin de quelque chose. J’ai demandé s’ils étaient d’accord pour me laisser essayer de les faire danser tous ensemble. J’ai essayé de les convaincre en leur disant que si j’arrivais à faire danser tous les acteurs en même temps, cela pouvait apaiser l’ambiance sur le plateau. Je les ai suppliés de me donner cette chance. Michael s’est joint à moi pour les supplier.

Sur mon planning de départ, la séquence de danse de groupe devait être filmée le second soir, mais nous n’en étions qu’à la première soirée et j’étais sur le point de voir le projet se volatiliser. À contrecœur, les flics m’ont autorisé à filmer “quelques prises”, selon leurs propres termes.

Nous nous sommes alors mis à danser. Les chorégraphes Michael Peters et Vincent Paterson, qui jouaient les rôles de chefs de bande, ont réuni les danseurs. Nous avons rappelé toute l’équipe et nous avons commencé à filmer. J’ai réussi à obtenir des membres des gangs ce qu’ils savent de mieux : jouer les durs. J’ai demandé aux danseurs de commencer à danser… Et ils ont assuré ! Je n’arrêtais pas de dire : “Recommençons !” Et ils se remettaient à danser, encore et encore. Tout le monde a commencé à se réveiller et, doucement, l’ambiance s’est mise à changer.

Tout d’un coup, la vraie magie s’est mise à opérer. Je n’oublierai jamais l’expression des visages des membres des Crips et des Bloods pendant qu’ils regardaient, admiratifs, leurs frères, dont la plupart étaient de jeunes gays d’origine hispanique et afro-américaine, danser avec autant de beauté, de sens du rythme, à la fois machos et cools. C’était quelque chose que ces membres de gangs ne pensaient pas vouloir ou pouvoir faire un jour. Puis j’ai pris les acteurs par surprise en remplaçant le couteau par un vrai modèle Switchblade : toute l’équipe est devenue dingue.

Lorsque Michael s’est mis à danser, tout le monde s’est arrêté. Michael, avec ses pas de danse incroyables, avait sans aucun doute créé ce jour-là la vraie danse de rue. Voilà le vrai pouvoir de la danse, surtout si le point central est Michael Jackson2. »

Beat It sort en single le 9 mars 1983 et se classe directement numéro 1 des charts américains tandis qu’il est numéro 3 en Angleterre. C’était risqué au départ car CBS voulait que le succès de Billie Jean se prolonge le plus longtemps possible. Frank DiLeo, responsable de promotion chez Epic, voulait, lui, tenter le coup double et placer deux super tubes dans le haut des charts. Un pari aussi audacieux que dangereux. Car un tube peut en chasser un autre. DiLeo, à force de négociations, voit son vœu se réaliser. Finalement, Billie Jean et Beat It se côtoient à merveille dans le top 5 des classements.

1. Lecocq, Richard, Michael Jackson : King, Publibook, 2011.

2. Michael Jackson, Thriller 25: The book, MLP, 2008.

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LE SHORT FILM LE PLUS CULTE DE L’HISTOIRE MUSICALE

Thriller – Single

2 décembre 1983

Après les tubes Billie Jean et Beat It, on pensait que Michael était allé au bout de ses surprises. Mais le meilleur restait à venir. Avec la chanson Thriller, Michael Jackson repousse encore plus loin ses limites, et dépoussière la musique internationale. C’est sur le terrain audiovisuel que l’artiste va littéralement bouleverser l’histoire.

Thriller est l’œuvre de Rod Temperton. À l’origine, la chanson s’appelle Starlight, et le compositeur tergiverse sur 300 idées de titres avant d’avoir la révélation : ce sera Thriller. Lorsqu’il propose cette chanson à Quincy Jones et à Michael Jackson, elle est pressentie pour donner son titre à l’album.

Temperton a également l’idée de finir sa chanson par un rap gothique. Il en parle à Quincy Jones, qui a l’idée de solliciter l’acteur Vincent Price. Réputé pour ses rôles dans les films d’horreur, Price a déjà une expérience dans la musique. Il a participé au titre Devil’s Food, de l’album concept « Welcome to My Nightmare » d’Alice Cooper en 1975.

Michael Jackson raconte : « Je connais Vincent depuis que j’ai 11 ans. Notre première rencontre a eu lieu aux studios NBC. Il m’a dit : “Viens par ici…” Je me suis mis à pleurer car je croyais qu’il était sérieux. Il m’avait fait peur. Pour le rap imaginé par Rod, nous avons appelé Vincent Price. Il a répondu “oui“ de suite. Rod nous a rejoints au studio en taxi depuis son hôtel. Il écrit le texte lu par Vincent Price en route… Il a fait un travail incroyable. »

Vincent Price reçoit le texte alors qu’il se trouve en cabine d’enregistrement. Il suffit de deux prises pour mettre en boîte ces trois paragraphes.

Concernant le vidéoclip, Michael souhaite frapper un grand coup et innover. Il a une vision claire de ce qu’il veut. Inspiré par le monde du paranormal et grand amateur du 7e art, Michael veut carrément réaliser une sorte de petit film d’horreur, mais visionnable par le plus grand nombre. Autrement dit, que cela effraie, mais juste ce qu’il faut, sans aller dans la vulgarité et le gore.

Malheureusement, le patron de CBS, Walter Yetnikoff, refuse catégoriquement de subventionner ce projet car il n’adhère pas au concept. Mais Michael ne lâche jamais l’affaire quand il est persuadé que son projet tient la route et mérite d’aboutir. Alors, il réfléchit aux financements extérieurs possibles. C’est alors que son producteur George Folsey Junior lui recommande de prendre une autre orientation. Pourquoi ne pas faire un documentaire sur le tournage du clip à venir. Un making of de quarante-cinq minutes suivi du clip de quinze minutes, cela ferait un programme télévisé d’une heure. Ils proposent donc le concept à MTV pour la diffusion, ainsi que la vente d’une cassette vidéo du programme. MTV et Showtime acceptent et financent chacune 250 000 dollars.

En octobre 1983, le tournage du short film Thriller débute. Michael sollicite cette fois le réalisateur John Landis.

« J’aime travailler avec John Landis car nous rigolons beaucoup. Nous ne sommes jamais sérieux sur le plateau. Quand nous tournions Thriller, on faisait des batailles de bombes à eau et de boules puantes. J’ai rencontré John juste avant le tournage de Thriller. Je l’ai appelé au téléphone. Je crois qu’il était à Londres à cette époque. Je lui ai présenté mon projet. Je lui ai expliqué le concept du clip. Nous nous sommes retrouvés et avons écrit le scénario. Je souhaitais créer un court-métrage avec des dialogues au début et à la fin. C’est vraiment agréable de travailler avec John. Il y avait une alchimie entre nous. À vrai dire, j’ai plutôt peur des films d’horreur. Je n’aime pas trop les regarder. Je ne pensais pas un jour créer un film sur ce thème, mais c’est le cas. J’avais vu Le Loup-garou de Londres. Je trouvais ce film très drôle. Mon souhait était de créer une danse avec des monstres et de garder un aspect comique. J’ai travaillé avec Michael Peters pour imaginer comment les zombies devraient bouger. Lui et moi avons mis au point ces pas avec un style jazzy. Nous avions conscience que nous avions créé quelque chose de consistant et que les gens pourraient regarder. Je ne suis jamais vraiment satisfait de mon travail. Il y a toujours des angles, des coupures et quelques séquences qui me dérangent, mais j’étais heureux de voir le résultat final. »

Le scénario est tout simple : Michael emmène sa petite amie voir un film d’horreur au cinéma. La jeune femme, effrayée, quitte la salle. Michael la suit et la ramène chez elle. Sur le chemin, le couple passe devant un cimetière. Les zombies se réveillent alors et surgissent de partout.

Thriller a été tourné au studio EFX, et dans des lieux désormais cultes. Le cinéma dans lequel Michael emmène sa petite amie est en réalité le Palace Theater, situé au 630 South Broadway dans le quartier de Downtown à Los Angeles. L’espèce de ballet de zombies a été réalisé sur la Calzona Street de Los Angeles. Enfin, la maison où se réfugie sa petite amie à la fin du short film se trouve sur les hauteurs de Los Angeles, au 1345 Carol Avenue, dans le quartier Angelino.

La chorégraphie de la danse funky macabre a été imaginée par Jackson et Peters. Ce dernier raconte : « Michael a participé à la création de la chorégraphie de Thriller. Il n’est pas danseur de formation. Il ignore les termes techniques, il me disait : “Je veux un truc cool, un truc hot.” Pour décrire ce qu’il voulait, il utilisait parfois des couleurs. »

Vincent Paterson témoigne des conditions sur le tournage : « Les danseurs n’ont participé qu’à la chorégraphie telle qu’on la voit dans le clip. Les autres zombies que l’on voit sortir du cimetière et entrer dans la maison sont des figurants. Les répétitions ont duré plus d’une semaine. J’étais l’assistant de Michael Peters sur ce projet. Nous avons commencé à élaborer quelques idées, puis les avons soumises à Michael Jackson. De son côté, il proposait autre chose. C’est ainsi que nous travaillions. Puis nous avons convoqué les danseurs pour qu’ils répètent avec Michael. Mon travail consistait à être sûr que la chorégraphie soit clean et bien réglée. Nous avons tourné la vidéo dans le Downtown, à Los Angeles. Il faisait très froid… Si froid que l’on voit la fumée sortir de nos bouches quand nous respirons. Nous dansions à même le bitume. Les rues avaient été mouillées pour donner cet effet particulier qui passe bien à l’écran. C’était difficile de refaire la chorégraphie plusieurs fois, mais le fait de danser au côté de Michael était une telle chance et une telle expérience que nous étions heureux de le faire. Michael avait une telle énergie qu’il nous a tous contaminés. C’est un moment que nous ne pouvons pas oublier. On se disait que si Beat It était un clip important, Thriller allait l’être encore plus… C’était énorme. Et il faut préciser que Michael a pris soin de bien traiter les danseurs : la plupart des productions se contentaient de payer les danseurs avec le salaire minimum. Michael a tenu à ce que les danseurs aient tous un contrat réglementé régi par le barème fixé par l’Union Scale. »

Rick Baker, le maestro du maquillage, est bien évidemment sollicité pour ce projet authentique et inédit dans la musique. Le maquilleur en chef reprend et peaufine des techniques qu’il avait mises au point lors du tournage du Loup-garou de Londres pour pouvoir transformer Michael en bête. Rigoureux, consciencieux, c’est avec un soin tout particulier que Baker fabrique les masques des zombies. Paterson en témoigne : « Rick a fait en sorte que chacun d’entre nous ait un maquillage et un style personnalisés. Nous avions tous nos propres masques de latex et nos fausses dents. C’était comme si nous étions les stars de ce projet. »

Le projet est si atypique que lorsque la rumeur se répand dans le showbiz américain, plusieurs stars se rendent sur place pour assister à cet événement. John Landis raconte : « Mon moment préféré pendant le tournage de Thriller, et l’une des rares fois où je suis resté sans voix, a été le jour où nous avons tourné la scène du cimetière dans un abattoir situé à l’est de Los Angeles, dans un drôle de quartier situé près d’une zone de chargement. Nous voilà en train de filmer et l’assistant de Michael arrive pour me dire : “Michael voudrait vous voir dans sa loge.” Et je réponds : “ OK, je viens d’ici vingt minutes.” Je finis par rejoindre Michael. Il est alors près de 3 h 30 du matin. Et je vois ce camping-car Winnebago entouré d’une armée d’agents de sécurité et de gardes du corps. Je finis par arriver devant la porte, je frappe, et Michael me lance : “John, connais-tu Mme Onassis ?” Et Jackie Onassis était là, dans sa loge… »

Un tel projet ne pouvait se réaliser sans un point d’ombre au tableau. Lorsque les Témoins de Jéhovah d’Encino apprennent ce que prépare Michael, ils menacent de l’exclure à vie. L’artiste, attaché aux valeurs religieuses, est particulièrement anxieux et angoissé à cette idée. Il songe sérieusement à plier, et à anéantir son travail, pour ne pas froisser sa communauté. Ainsi, il met en stand-by la sortie du short film. Il demande même à son avocat John Branca de détruire toutes les bandes, mais ce dernier arrive à le raisonner. Une option plus sage est décidée : en introduction du short film, un court communiqué indiquera que l’œuvre ne reflète pas les convictions de l’artiste, et que cette fiction ne cherche pas à faire l’apologie des sciences occultes.

Le 2 décembre 1983, le making of et le short film Thriller sont diffusés pour la première fois sur MTV. Bien plus qu’un vidéoclip, Thriller est un véritable court-métrage. Très rapidement, Thriller fait le tour du monde et devient la référence en matière de vidéoclips. Thriller, c’est le talent et la magie additionnés de Michael Jackson et de John Landis. Quincy Jones le confirme : « Michael a défini les standards et les règles du vidéoclip. Depuis, toutes les autres stars ont suivi son modèle, que ce soit Christina Aguilera ou Madonna : c’est la même chose, il s’agit de clips avec des lignes de danseurs assemblés autour d’une chorégraphie. Thriller est tout bonnement un mini-film. C’était un événement dès sa sortie. MTV et Thriller se sont soutenus mutuellement sur la route du succès. Michael a réalisé quelque chose d’inédit : on écoutait la musique à la radio et on la vivait en concert, mais personne n’avait jusqu’alors pensé à faire vivre une chanson de cette façon. »

Après la diffusion sur MTV, le making of et le short film Thriller sont édités en VHS et commercialisés le 14 décembre 1983. C’est la société Vestron qui obtient les droits de diffusion et propose le produit bien dessous du marché, à 25 dollars, tandis qu’à l’époque, le prix moyen était de 85 dollars. De nombreux fans se précipitent dans les centres commerciaux et autres lieux de diffusion, comme s’ils savaient que l’objet était un collector. Plus de 500 000 exemplaires se vendent en moins d’un mois, et Thriller devient la plus grosse vente de vidéos « musique » de l’histoire. Aussi, le documentaire des coulisses du film devient un nouveau genre : le making of. Témoin direct de ce making of, le photographe américain Douglas Kirkland fait part de son expérience : « Life Magazine m’avait chargé de réaliser des photos du clip. Pendant trois jours, j’ai travaillé sur les différents lieux de tournage. Une partie de mon travail consistait à suivre le tournage avec une approche journalistique de la photo. Il s’agissait de suivre la réalisation du clip, surtout les séances de maquillage qui étaient très longues, ainsi que d’observer tout ce qui se passait sur place. J’ai suivi deux axes : en plus des photos réalisées sur le plateau, j’ai également préparé des séances réunissant Michael et les autres participants du projet. Je n’ai rencontré aucune difficulté car ses gestes ont une telle intensité dramatique qu’ils permettent de créer instantanément des images fortes. J’ai également utilisé de longs objectifs comme un 300 mm ou encore 180 mm et j’ai réalisé des portraits de lui alors qu’il était en train d’attendre entre les prises. L’image qui a été utilisée sur la pochette de plusieurs disques comme le maxi-single américain de Thriller, ou encore la couverture de Time Magazine, une illustration basée sur une de mes photos, sont le résultat de ces séances réalisées avec de longs objectifs. La plupart des prises se sont déroulées le soir en extérieur ainsi qu’à l’intérieur d’un studio où une ambiance obscure avait été recréée1. »

Thriller devient le septième single tiré de l’album éponyme à se classer dans le top 10 aux États-Unis. Il y aura un avant et un après Thriller, que ce soit dans la musique américaine ou dans la musique mondiale. Le 2 décembre 1983 marque une pierre blanche dans l’histoire de la musique. À partir de cette date, le vidéoclip fera partie intégrante de la promotion d’un single pour tout artiste.

1. Mjdatabank.com, 2007.

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UN HOMMAGE EN GRANDE POMPE

Motown 25

9 avril 1983

Le 9 avril 1983, la Motown fête ses 25 ans en grande pompe à travers un show télévisé. Il s’intitule Motown 25: Yesterday, Today and Forever. Bien évidemment, les Jackson sont conviés à venir rendre hommage à leur première maison de disques. Mais Michael s’y refuse, voulant rester fidèle à sa conviction : la télé, c’est terminé. Trop décevante. Néanmoins, il avait fait une exception pour sa marraine Diana Ross en 1981 pour son show Diana. Le président de la Motown, Berry Gordy, décide alors de tenter l’impossible, car lorsque Michael a pris une décision, il est bien rare qu’il ne s’y tienne pas. Le patron va à sa rencontre dans un studio d’enregistrement afin de discuter et de le convaincre de participer à cette émission hommage. Michael Jackson, pris par les sentiments, accepte finalement mais à la condition d’interpréter son tube Billie Jean, chanson qui n’a pas été produite par Motown. Gordy accepte sans problème.

Le 25 mars 1983, Michael se rend une première fois au Pasadena Civic Auditorium pour répéter son numéro. Il revient le jour J, le 9 avril. D’abord, il chante avec ses frères un medley des Jackson Five, puis se retrouve seul sur scène. Son chapeau est disposé en toute discrétion derrière lui par son assistant Nelson Hayes. Et soudain, la batterie, célèbre beat de Billie Jean, démarre. Michael se lance et en cinq minutes, après l’avoir vu exécuter avec brio son célèbre moonwalk, le public du monde entier est définitivement conquis.

Buz Kohan, auteur des textes pour cette émission exceptionnelle, explique : « Motown 25 est historique à bien des égards. Pour commencer, c’est le moonwalk de Michael qui rend ce show si particulier. Mais d’autres moments sont, à mes yeux, tout aussi mémorables. Comme le texte que j’ai écrit pour Marvin Gaye, et qu’il a su interpréter avec classe et dignité. Sans oublier les retrouvailles des Supremes. J’avais écrit cette phrase pour Diana Ross, qui résumait tout. À la fin du spectacle, avant de présenter Berry Gordy, elle dit : “Il ne s’agit pas des personnes qui ont quitté Motown, mais de celles qui sont revenues… Et ce soir, tout le monde est revenu.”

Je me souviens avoir écrit un texte en forme de conte de fées pour Richard Pryor, le présentateur. Ce sketch racontait l’histoire de Motown. Il était réticent à l’idée de le lire et pensait que ce n’était pas assez drôle. Heureusement, Berry Gordy l’a convaincu et ce numéro a provoqué les rires du public. Vous pouvez lire la surprise sur le visage de Richard lorsque l’assistance commence à réagir. À un moment, il pensait que quelque chose était en train de se passer dans son dos et qu’il ne pouvait pas se retourner pour regarder, mais il a fini par se rendre compte que les rires venaient de sa prestation et il a reconnu qu’il avait sûrement eu tort de croire que ce numéro risquait de ne pas fonctionner.

La prestation de Michael sur Billie Jean a été la grande surprise de la soirée. Je savais qu’il allait chanter avec ses frères et qu’ils devaient quitter la scène pour le laisser faire une prestation en solo. Je lui ai donc écrit une courte phrase d’introduction sur le bon vieux temps, soulignant que ces moments lui rappelaient de bons souvenirs, mais qu’il aimait surtout les chansons d’aujourd’hui. C’est à ce moment que son numéro commençait.

J’étais dans les coulisses sur le côté gauche, en train de regarder ce miracle s’accomplir sous mes yeux. C’était une grande démonstration de danse exécutée par un showman accompli. Nous étions tous stupéfaits. Lorsqu’il a quitté la scène, je l’ai pris dans mes bras et lui ai dit à quel point je l’avais trouvé génial. Il m’a juste souri. Il avait l’air heureux, ça se lisait sur son visage. Qui ne le serait pas après une telle performance ? »

Eh bien, seul Michael Jackson n’est pas totalement satisfait de sa performance. Son regret est de n’avoir pu tenir sur ses pointes de pied au moment du moonwalk. Quelques minutes plus tard, en coulisses, un gamin émerveillé le félicite. Puis, le lendemain, c’est au tour de Fred Astaire de lui adresser un message de félicitations. Là, Michael prend conscience que sa performance était bien hors norme, quoi qu’il en pense. D’ailleurs, son numéro est nommé pour un Emmy Award, quelques semaines plus tard. Il ne le remporte pas, mais ce qui compte, c’est la reconnaissance de ses pairs et du public.

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UNE DERNIÈRE TOURNÉE POUR LES JACKSON 5

Victory Tour
juillet 1984-décembre 1984

Le succès inouï de l’album « Thriller » donne des ailes et des rêves à Michael. Il souhaiterait entreprendre sa première tournée en solo. Une tournée qui lui permettrait de s’émanciper définitivement du clan Jackson et d’asseoir sa notoriété. Malheureusement, les choses tournent autrement.

Après son éblouissante prestation lors de l’émission Motown 25, Joe Jackson propose à ses fils de faire une ultime tournée en guise d’hommage à leur famille. Michael songe d’abord à l’énergie que lui prendrait un tel projet et à l’impact sur sa propre carrière. L’artiste n’est plus du tout lié à ses frères depuis un bon moment. Son univers musical et son style se détachent du groupe. Il se demande vraiment quel est son intérêt là-dedans. De plus, il subit les quolibets de ses frères en coulisses. Ces derniers se moquent sans délicatesse de son succès et de son look. Néanmoins, Michael accepte, à contrecœur. Les mois qui suivent confirment son intuition première.

La tournée Victory est sponsorisée par la firme Pepsi-Cola. La marque de sodas signe, le 11 novembre 1983, un contrat de plus de 5 millions de dollars avec les Jackson. Le 27 janvier 1984, dans le cadre de ce contrat, Michael tourne un spot publicitaire qui vire au drame. Le scénario prévoit qu’il apparaisse en haut d’un escalier après une série d’explosions et de flashs, comme par magie. Mais le réalisateur lui demande de rester quelques secondes de plus en haut de l’escalier afin de pouvoir filmer à son aise les explosions. Un spot placé au-dessus de la tête de Michael et de sa chevelure trop gominée implose et fait des étincelles. Les cheveux de l’artiste prennent feu, littéralement. Michael ne s’en rend pas compte sur le coup. Il descend les escaliers, mais arrivé en bas sur le plateau, il réalise qu’il brûle. Son frère Tito, son assistant et l’équipe de sécurité du tournage viennent spontanément à son secours. Michael est admis dans la foulée au centre médical Cedars-Sinaï de Los Angeles et en ressort le lendemain. La nouvelle de cet accident fait le tour des médias du monde entier et le président des États-Unis, Ronald Reagan, lui adresse ses vœux de rétablissement.

Michael est brûlé au second et troisième degré au sommet du crâne sur une longueur égale à celle de la paume d’une main d’adulte. Il subit plusieurs opérations reconstructrices, mais durant des années, il souffrira de douleurs à la tête. Pepsi-Cola lui verse 1,5 million de dollars en dommages et intérêts. Michael décide de créer avec cet argent un centre pour grands brûlés baptisé le Michael Jackson Burn Unit Center, situé au Brotman Medical Center. Malheureusement, par suite de trop grosses pertes financières, l’établissement fermera ses portes en 1987.

La tournée Victory n’est pas pour autant remise en cause, mais Michael Jackson n’est vraiment pas motivé à l’idée de la faire. Alors son père use de sa dernière carte et envoie son épouse, Katherine, la mère de Michael, pour le convaincre. Il finit par accepter pour lui faire plaisir.

Mais les problèmes ne s’arrêtent pas là. Le 19 juin, la billetterie de la tournée est mise en service. Étrangement, c’est sous forme d’une loterie peu transparente que les tickets sont disponibles. Pour participer, les gens doivent payer 120 dollars sans avoir la garantie d’obtenir une place. Le journal Kansas City Times prévoit 20 000 exemplaires supplémentaires à son tirage de départ. Malgré l’ambiguïté et le doute qui règnent, les fans sont déterminés et s’arrachent les exemplaires.

Les dates du Victory Tour sont annoncées au compte-gouttes. C’est alors qu’en juin, une petite fan du nom de Ladonna Jones, originaire du Texas, écrit une lettre poignante à son idole Michael Jackson. Elle lui fait part de son indignation quant à ce système injuste de billetterie. Touché en plein cœur, Michael lui adresse deux billets pour le concert de Dallas et intervient aussitôt sur le système de vente pour le changer. Du reste, il annonce en conférence de presse que tous les bénéfices personnels seront reversés à des œuvres de charité.

En coulisses, les tensions montent de plus en plus au sein du clan. Michael ne s’investit pas à 100 % dans le show. Il se garde de proposer au groupe ses idées judicieuses, qu’il exploitera plus tard en solo. Michael refuse d’interpréter les chansons de l’album « Victory ». Le seul titre rescapé de l’album de 1984 est Tell Me I’m Not Dreamin’, un duo entre Michael et Jermaine, que le public a du mal à reconnaître. Le manque d’envie se fait ressentir.

La playlist du show reprend les chansons du Triumph Tour. Et pour le reste, Michael impose de chanter des extraits de son album « Thriller ». On ne va pas se mentir, le public est principalement présent pour lui !

Cette tournée Victory, censée réunir les six frères Jackson, ressemble donc plus à une tournée de promotion de Michael, accompagné par ses frères, qu’au groupe en lui-même. Sur des vidéos amateurs diffusées sur Internet, on peut prendre la mesure de cette ambiance parfois délétère sur scène. Un malaise est présent, c’est indéniable. Michael brille et prend toute la place par son assurance et son charisme. Tandis que ses frères luttent à peine pour exister en assurant les chœurs. Une scène qui distingue Michael d’un côté et ses frères de l’autre, Joe Jackson aurait sans doute rêvé mieux, mais, après tout, on ne récolte que ce que l’on sème… Les spectateurs n’en ont que pour Michael, bref, les frères sont un peu humiliés.

Pire encore, bien loin d’être une fête fraternelle et un hommage familial comme c’était l’objectif, cela tourne parfois au règlement de comptes en live. Le set de Jermaine est complètement à côté de la plaque. L’artiste chante faux et casse l’ambiance. Tito ne joue pas de la guitare à la hauteur de l’événement non plus tandis que le guitariste Eddie Van Halen, invité par Michael, lui met un KO le 14 juillet à Dallas. Randy continue de frimer pour garder la tête haute. Michael prend les choses en main et assure le show. Peu motivé pour faire cette tournée au départ, il a retourné la situation à son avantage pour s’imposer comme étant le seul Jackson superstar.

Malgré tous ces problèmes en coulisses et sur scène, la tournée se poursuit et va à son terme. Les derniers concerts de Los Angeles résonnent comme une libération définitive pour Michael. Le 9 décembre 1984, soir de la dernière, il annonce officiellement sur scène : « Ceci est notre tournée d’adieu, ce fut une période incroyable, plus de vingt ans passés avec vous, nous vous aimons tous ! »

C’était la dernière fois que les frères Jackson se produisaient ensemble. Chacun reprend sa route et sa carrière. Katherine, la mère, à la demande de son époux Joe, tentera une nouvelle fois de réunir ses fils et Michael en 1988. Mais cette fois, on ne la lui fait plus. Le business a pris le pas sur la famille. Le Victory Tour n’est malheureusement pas une « victoire », mais un échec, pour ne pas dire l’effondrement, du clan Jackson.

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UNE CHANSON CULTE POUR UNE NOBLE CAUSE

We Are the World – Single

28 janvier 1985

L’image et la notoriété de Michael sont sollicitées pour une œuvre caritative. Il s’agit de USA for Africa, initiée par le manager Ken Kragen, sensible aux grandes causes, et l’artiste Harry Belafonte. Michael accepte sur-le-champ. Quand il s’agit de venir en aide aux autres, Michael ne refuse jamais. Sa générosité a toujours été à l’extrême.

Depuis qu’il s’est lancé en solo, il n’a cessé de multiplier les actions de solidarité sans pour autant que les médias en soient informés. Ainsi, il se rend régulièrement dans les hôpitaux apporter soutien et réconfort aux malades. Harrison Funk, photographe et témoin de l’ombre, raconte : « Michael a souvent utilisé sa célébrité pour donner aux autres. Il a travaillé sur un grand nombre d’œuvres caritatives pour venir en aide aux enfants malades et à leurs familles. Il a travaillé dur chaque jour, non seulement à l’époque de “Thriller” et du Victory Tour, mais aussi après : il s’est souvent rendu dans les hôpitaux et a organisé des rencontres avec les fondations Make-A-Wish, Ronald McDonald House Charities, ainsi que des établissements locaux lorsqu’il était de repos. La plupart du temps, cela n’était pas relevé par les médias. Michael en avait décidé ainsi, ces moments consacrés aux autres sont restés privés. Beaucoup d’artistes n’agissent pas de la sorte de nos jours, ils ne semblent pas aussi touchés par ces problèmes que Michael1. »

À l’origine, Harry Belafonte souhaite créer un concert événement, comme l’a fait le musicien irlandais Bob Geldof en Angleterre en 1984, mais Kragen recommande plutôt l’idée d’un disque dont les bénéfices iraient directement à l’association USA for Africa. Kragen demande alors à son artiste Lionel Richie de rejoindre la création de la chanson hymne. Richie contacte immédiatement Quincy Jones qui, à son tour, propose que Michael Jackson compose la chanson. Une dream team au service de la solidarité. Un événement alors totalement inédit. Richie et son équipe se chargent de contacter un maximum d’artistes stars pour participer à l’événement.

Michael Jackson convie Lionel Richie dans sa propriété d’Encino pour ébaucher cet hymne à la solidarité. Le 21 janvier 1985, la chanson We Are the World est née. La version démo interprétée en solo par Michael est envoyée aux 45 artistes sollicités.

Pour Quincy Jones, la tâche n’est pas compliquée. En 1982, il avait déjà réuni une grande chorale de stars avec notamment Stevie Wonder, Lionel Richie et Dionne Warwick. Mais ici, il s’agit de réunir bien plus que ces vedettes. Des légendes vivantes de la chanson américaine. Elles répondent présentes : Ray Charles, Diana Ross, Bruce Springsteen, Willie Nelson, Smokey Robinson, Tina Turner, et tant d’autres.

Une date unique de session d’enregistrement est fixée au 28 janvier 1985. Baptisée « la nuit de la pop », elle n’est possible que parce que ce soir-là, les stars participent à la soirée des American Music Awards au Shrine Auditorium de Los Angeles dont Lionel Richie est le maître de cérémonie. C’est donc une nuit blanche historique qui s’apprête à être vécue.

Après la cérémonie des American Music Awards, toutes les stars se rendent aux studios A&M. Les conditions sont très particulières, Quincy Jones le sait trop bien. Et afin que tout se passe au mieux, le producteur inscrit sur un papier affiché à l’entrée du studio : « Merci de laisser votre ego ici ! » Cet avertissement est suivi à la lettre, et tous jouent le jeu. Bob Geldof est même présent pour rencontrer ses homologues américains et Stevie Wonder présente deux Éthiopiennes venues témoigner de leurs conditions de vie. L’émotion règne dans le studio. Touchées en plein cœur, les stars font profil bas et se donnent à fond avec rigueur pour la cause. Une cohésion naît et grandit au fil des heures.

Tom Bahler, producteur et arrangeur de ce moment historique, raconte : « We Are the World est le plus grand moment de ma carrière… En ce qui concerne les arrangements vocaux, Quincy avait donné les instructions suivantes : “Lionel Richie a coécrit la chanson avec Michael. J’aimerais que tu lui donnes la première phrase. Place Michael au début du premier refrain et donne à Diana la fin. Après ça, fais ce que tu veux.” J’ai donc réparti les voix sur le reste des couplets et refrains. C’était comme si je travaillais au paradis, j’ai adoré… Il y a un moment que je n’oublierai également pas : nous avions 45 stars majeures réunies dans le même studio au même moment… nous ne savions pas si elles allaient s’aimer ou essayer de se dominer les unes les autres. Personne n’avait encore rassemblé autant d’artistes en même temps pour une session d’enregistrement. Tout le monde regardait un peu partout, sans trop savoir quoi faire et comment réagir quand, tout à coup, Diana Ross s’est approchée de Daryl Hall, sa partition à la main. Elle lui a demandé : “Daryl, je suis ta plus grande fan. Tu veux bien me dédicacer ma partition ?” Tout le monde s’est regardé et, pendant l’heure qui a suivi, nous avons tous signé nos feuilles de partition. Cela a mis un terme à toutes les tensions potentielles. Et dès cet instant, c’est devenu un moment de grand partage et d’amour. »

Le 7 mars 1985, le single 45 tours sort dans les bacs. En moins de trois jours, 300 000 exemplaires sont vendus à travers les États-Unis. À travers le monde, c’est plus de 4 millions de disques écoulés qui permettent de récolter 60 millions de dollars pour USA for Africa. Par ailleurs, le gouvernement américain, sensible à la cause, délivre une enveloppe de 800 000 dollars.

En avril 1985, l’animateur et acteur Sonny Melendrez décide d’y aller de sa partition en enregistrant une version « junior » de We Are the World. Il crée le collectif Children of the World. Michael Jackson donne bien évidemment son accord. La chorale d’enfants est divisée en trois groupes : petits, moyens et grands. Certains d’entre eux connaîtront la célébrité à l’âge adulte. Citons Drew Barrymore, Stacy Ferguson (future Fergie des Black Eyed Peas) ou encore Alyssa Milano et Danny Pintauro de la série Madame est servie.

Cette version junior n’obtient qu’un succès d’estime, mais elle émeut profondément Michael Jackson : « Depuis que je l’avais écrite, j’étais persuadé que cette chanson devait être chantée par des enfants. Quand j’ai enfin entendu la version que George Duke avait faite avec des enfants, j’ai failli pleurer. C’était la meilleure version que j’aie entendue. »

1. Mjdatabank.com, 25 novembre 2007.

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LE MEILLEUR D’HOLLYWOOD

Captain Eo

12 septembre 1986

Le 24 juillet 1985, Disney annonce la création d’une nouvelle attraction pour ses parcs à thème de Californie et de Floride. Il s’agit de Captain Eo. Michael Jackson est désigné pour le premier rôle de cette attraction, qui est un film de dix-sept minutes réalisé en 3D. Le budget pour une telle production est de 17 millions de dollars.

Ce projet est très ambitieux et la seule présence de Michael ne suffit pas. Ainsi, Francis Ford Coppola est désigné comme réalisateur, tandis que George Lucas apporte ses effets spéciaux. Rick Rothschild fait partie de l’aventure. En 1978, il intègre le département Disney Imagineering. En 2009, alors qu’il est à la retraite, il devient consultant pour Disney. De passage à Disneyland Paris en 2010 pour superviser le retour de l’attraction en France, il raconte les coulisses de la création : « L’idée de Captain Eo est née à l’époque où Disney a vu arriver ses nouveaux dirigeants, Frank Wells et Michael Eisner. Eisner avait gardé des contacts chez Paramount, où il avait travaillé pendant huit ans. Il connaissait George Lucas et ce dernier était déjà familier de l’univers et de la politique de Disney avant la mise en route de Eo. Mais je dois dire que l’arrivée de Michael Eisner a rendu ce raprochement encore plus évident. Sans oublier le lien naturel entre Michael Jackson et Disney : j’ai toujours su que Michael était un grand fan de Walt Disney et de ses parcs à thème. Cela ressemblait à l’assemblage naturel évident d’une dream team.

Un jour, Michael Eisner s’est rendu dans les locaux des ingénieurs créatifs. Il nous a formulé la demande suivante : “Dites-moi ce que vous feriez si vous deviez combiner les talents de George Lucas et de Michael Jackson en les associant d’une façon ou d’une autre à la technologie 3D.” Voilà le défi qu’il nous a lancé au départ. Nous avions sept jours pour trouver quelque chose. Nous avons travaillé sur plusieurs idées pour en retenir trois au final. La première abordait l’intérêt de Michael pour les parcs à thème. L’idée était de le montrer seul dans le parc après les heures d’ouverture. Il se serait promené avant d’être absorbé par une des attractions, celle des Pirates des Caraïbes, par exemple. La deuxième possibilité a beaucoup de points communs avec la troisième. Les deux concepts avaient presque le même scénario qui reposait sur cette idée que la musique de Michael avait le pouvoir de changer les choses. Le deuxième projet, donc, se déroulait dans un décor proche de celui d’un conte de fées, et correspondait plus à l’ambiance de Fantasyland qu’à celle de Tomorrowland, où l’attraction allait être installée. Michael devait se rendre sur une planète gelée, plongée dans le froid, pour combattre une reine de glace. Il aurait joué le rôle d’un personnage mythique accompagné d’un groupe de personnages assez proches de Peter Pan… un peu comme des elfes. Dans le dernier scénario, Michael prend les traits d’un homme de l’espace, armé de sa musique. L’action se déroule dans le futur. Tout l’univers de science-fiction que nous pouvions créer et développer autour de cette idée était idéal pour George Lucas et Michael Jackson. C’était intéressant de voir Michael évoluer dans une telle ambiance. Toutes les personnes à qui nous avons présenté ces trois idées en interne, que ce soit Michael Eisner ou les autres, penchaient pour l’histoire de cet homme de l’espace. Nous avons ensuite rencontré George Lucas et lui avons soumis nos idées. Il a lui aussi voté pour la troisième. La semaine suivante, nous avons rencontré Michael Jackson. Je lui ai présenté nos travaux, et il était également emballé par cette dernière histoire et pensait qu’elle avait plus de sens.

Michael Eisner voulait réunir le meilleur d’Hollywood pour ce projet. En plus de George Lucas et de Michael Jackson, Francis Ford Coppola a été l’un des premiers à être engagé sur ce film. Il était bien entendu déjà très célèbre en tant que metteur en scène à cette époque. Comme il venait d’une famille de musiciens, il avait cette sensibilité qui nous semblait indispensable au projet. Non seulement il était un grand réalisateur, mais il collait parfaitement au job et il était enchanté d’y participer.

George Lucas était le producteur exécutif et il ne voulait pas réaliser le film. C’est lui qui a suggéré le nom de Francis Ford Coppola. Je lui ai demandé ce qu’il avait pensé du tournage. Il m’a répondu : “Personne ne pouvait imaginer qu’un film de vingt minutes demanderait autant d’efforts qu’un film de deux heures. Travailler sur Captain Eo a demandé la même charge de travail que celle fournie pour un film classique.” Et il avait raison.

Si vous regardez les effets spéciaux dans le film, ils sont aussi nombreux que ceux inclus dans le premier Star Wars. Sans oublier toute la complexité de filmer en 3D. Les décors et les costumes du designer anglais John Napier ont été très importants. À l’époque, John avait travaillé sur Cats et venait juste de créer les costumes de Starlight Express. Et je pense que Michael Jackson avait beaucoup aimé ces textures et ces costumes. John est sculpteur de formation, et cela se ressent dans son travail. Il n’avait jamais mis les pieds dans les locaux de Walt Disney Imagineering auparavant. Il est venu et nous nous sommes présentés. Nous avons vite compris que lui et nous avions des points communs, car, en plus de créer des costumes, il concevait également des décors. Au départ, il n’avait pas été embauché pour travailler sur ces derniers, mais, comme nous, il était très sensible à la dimension théâtrale du projet. En travaillant avec lui, nous avons développé des idées qui ont permis au film de devenir une expérience inédite capable d’emmener les spectateurs là où ils n’étaient encore jamais allés. John nous a fait comprendre qu’il fallait travailler sur des éléments qui dépasseraient le simple cadre du film.

Captain Eo a joué un grand rôle dans la renaissance de la 3D. Si l’on regarde où nous en sommes aujourd’hui et là où nous en étions avant Captain Eo, on se rend compte que c’était la première fois qu’une histoire et un axe narratif étaient utilisés dans un film 3D. Les effets spéciaux créés par ordinateur tels que nous les connaissons aujourd’hui n’existaient pas à l’époque. Nous n’avons pas réellement inventé de nouvelles techniques pour les réaliser. Compte tenu des délais assez courts, nous avons pioché dans celles qui existaient déjà et les avons adaptées. La séquence où les membres de l’équipage se transforment en instruments de musique a effectivement été filmée en claymation. Elle a été plus simple à tourner que d’autres scènes. Toutes les étincelles ainsi que les explosions et les lasers présents dans le film ont été dessinés à la main. Il n’y a aucun ordinateur derrière tout ça. De plus, il fallait que ces effets fonctionnent en 3D. Pour rendre ces scènes crédibles, pas moins de 200 personnes ont travaillé pendant près de six mois.

James Horner est arrivé naturellement dans l’équipe. James et Michael ont très vite compris que le film allait associer la musique à la 3D, et que la bande-son devait servir les effets spéciaux et visuels qui ponctuent l’histoire.

Eo vient de “Eos”, la déesse de l’Aube. George et Rusty ont eu l’idée de développer cette image de personnages mythiques qui apportent la lumière dans un monde plongé dans l’obscurité. Ils ont cherché l’équivalent du mot “aube” en grec. C’est ainsi que ce personnage masculin, Eo, est né.

Michael avait écrit We Are Here to Change the World spécialement pour le film. C’est le slogan de Captain Eo. Il avait également travaillé sur plusieurs autres titres qui ont pour la plupart atterri sur l’album “Bad”. Il venait d’enregistrer une première version de Another Part of Me et il pensait que ce titre collait au film tout en assurant la transition avec les chansons qu’il allait sortir par la suite. »

Quant au tournage en lui-même, Rick se rappelle : « Je me souviens de deux choses durant le tournage. Le jour où j’ai présenté l’histoire à Michael Jackson, j’essayais de lui résumer le concept de cet homme venu de l’espace avec sa musique. J’ai littéralement terminé ma présentation en lui disant : “Ton personnage apporte la couleur à un monde qui en est dépourvu.” Je me suis rendu compte du double sens du mot “couleur” en anglais. Les Noirs ont longtemps été appelés “personnes de couleur” aux États-Unis, mais je n’avais absolument pas pensé à cela. Je parlais vraiment de cet arc-en-ciel de couleurs inondant un monde sans couleurs. Je me suis rendu compte de ce double sens au moment où j’ai commencé à expliquer mon idée. Et je me souviens que Michael s’est mis à me regarder avec cet air qui montrait qu’il avait bien saisi ce double sens. Je me rappelle également que pendant toute cette période, une grande cohésion régnait au sein de l’équipe. J’ai été heureux de voir à quel point tous les participants ont su rester soudés. Chacun a porté ses idées. La division Walt Disney Imagineering et l’équipe de tournage ont travaillé main dans la main. Et cela se vérifie dans le résultat final.

Je pense que Captain Eo est le premier film diffusé en salles avec un son 5.1 digne de ce nom. Disney avait demandé à son service Walt Disney Imagineering de mettre au point un système de diffusion sonore capable de diffuser la piste son en 5.1 dans tous leurs parcs à travers le monde. Ce système a été utilisé pendant des années en France, au Japon et aux États-Unis. L’expérience proposée dans la salle 3D permettait d’envelopper le public dans un univers sonore et auditif inédit. La musique de la première moitié du film a été assurée par James Horner. Cette partie a été enregistrée dans l’enceinte Newman Scoring Stage aux studios 20th Century Fox. Les chansons de Michael We Are Here to Change the World et Another Part of Me ont été enregistrées dans les excellentes salles A et D du studio Westlake. Après avoir terminé le mixage, j’ai retrouvé l’équipe de production au studio de George Lucas afin de finaliser le doublage et le montage du film. Nous avons réglé la piste sur mesure pour la salle où le film allait être projeté, en tenant compte de la taille et de l’acoustique de chaque pièce. »

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UN NOUVEL ALBUM AU SUCCÈS PHÉNOMÉNAL

« Bad » – Album

31 août 1987

Pour créer le nouvel album, « Bad », Quincy Jones donne pour nom de travail improbable « Pee ! » (« pisse »).

Lorsque Quincy Jones et Michael Jackson se réunissent, ils ont pour objectif de créer un duo avec l’artiste star Prince sur la chanson Bad. Le « kid de Minneapolis » se rend au studio Westlake pour plusieurs réunions de préparation qui, finalement, n’aboutissent pas. On ne saura jamais si c’est l’ego qui a bloqué ce duo événement.

En 1995, Prince donne sa version : « Il n’y avait aucune rivalité entre lui et moi, en tout cas de mon côté. Pour dire les choses simplement, la première phrase de la chanson est : “Your butt is mine”. Alors, je voudrais bien savoir qui chante cela à qui. Car il est hors de question que l’on me chante cela. Et je ne m’amuserais pas à en faire de même. Donc, à partir de là, il y avait un problème. Mais c’était une rencontre intéressante. Et il n’y avait aucune rivalité. »

La séance d’enregistrement de l’album commence le 5 janvier 1987 au nouveau studio Westlake installé sur Santa Monica Boulevard. Quincy Jones avait déjà laissé clairement entendre que ce troisième album, troisième collaboration avec Michael, devait encore une fois se démarquer des précédents. L’album « Thriller » a dépassé l’entendement. Il est difficile de faire mieux. Michael est donc attendu au tournant, mais ce pari artistique ne lui fait pas peur. Loin de là, il compte bien répondre présent une fois de plus et surprendre son public. Pour cela, avec Quincy Jones, il aborde ce projet d’une autre manière.

Pour la première fois, Quincy Jones souhaite que Michael Jones compose l’intégralité des chansons de l’album. Sur 11 titres, il en fera 9. C’est déjà énorme. Rob Temperton n’est pas sollicité cette fois. Et grâce au succès de We Are the World, Quincy et Michael sont convaincus qu’il faut créer un nouvel hymne fédérateur. Ce sera Man in the Mirror, composé par Glen Ballard et Siedah Garrett.

L’enregistrement de l’album prend fin le 9 juillet 1987. Michael est alors nerveux et ne souhaite pas encore confier les bandes à CBS. Pourtant, l’échéance fixée au 30 juin est dépassée de plusieurs jours. Selon Quincy Jones, la production aurait pu encore durer plus d’un an, car Michael ne voit pas le temps passer.

L’album « Bad » sort dans les bacs le 31 août 1987. Il se vend à plus de 5 millions d’exemplaires à travers le monde en cinq jours. Pour la première fois dans l’histoire de la musique, le disque comporte une chanson bonus. Pour la première fois également, l’album est gravé sur CD.

Michael Jackson et son manager Frank DiLeo décident de mettre en place une promotion d’envergure pour cet album. Pour la première fois de sa carrière, Michael Jackson aura sa propre tournée avec le Bad Tour. Plusieurs vidéoclips seront aussi réalisés pour illustrer les chansons.

Le 31 août, le documentaire de trente minutes, Michael Jackson: The Magic Returns, qui retrace la carrière de l’artiste, est diffusé à travers le monde. Ensuite, c’est la version longue du clip de Bad. Quelques mois plus tard, deux autres émissions permettent de promouvoir l’album. Un documentaire sur la tournée Bad intitulé The Magic Continues et Around the World With Michael Jackson est diffusé sur MTV et d’autres chaînes locales de télévision. Enfin, le 3 juin 1988, le film Michael Jackson: The Legend Continues est commercialisé. Produit par Michael et la chaîne Showtime, c’est un documentaire sur la carrière de l’artiste qui dure une heure. Pour compléter et encenser Michael, plusieurs stars sont conviées : Quincy Jones, Elizabeth Taylor, Yoko Ono, Sophia Loren, etc.

C’est donc une promotion exceptionnelle et XXL. Michael et son équipe mettent en place tous les moyens possibles afin que l’album réussisse aussi bien que « Thriller ». Une légende raconte que Michael aurait inscrit le chiffre symbolique de 100 millions sur un miroir chez lui, comme pour fixer l’objectif à atteindre. Malheureusement, malgré ses efforts, les médias le boudent sérieusement. Tout comme les Grammy Awards, cérémonie au cours de laquelle, le 2 mars 1988, il n’obtient qu’un trophée sur quatre nominations.

À l’arrivée, l’album « Bad » se vend à plus de 22 millions d’exemplaires et devient la seconde meilleure vente de tous les temps. Toutefois, c’est une déception pour Michael. « Bad » restera dans l’ombre de « Thriller ». Et pourtant, c’est maintenant que Michael Jackson développe réellement ses idées musicales qui lui permettront d’acquérir son surnom mondial de « roi de la pop ». Étrange…

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UNE CHANSON D’AMOUR MYTHIQUE

I Just Can’t Stop Loving You – Single

27 juillet 1987

Si le projet de duo avec Prince a échoué, Quincy Jones et Michael Jackson ne renoncent pas pour autant à un duo sur l’album. C’est devenu pour eux une sorte de tradition depuis The Girl Is Mine sur « Thriller ». Michael compose I Just Can’t Stop Loving You. Au départ, il aimerait l’enregistrer avec Barbra Streisand, mais la chanteuse n’adhère pas aux paroles de la chanson. Elle se sent en décalage total et pense donc ne pas être crédible. Elle refuse. Whitney Houston, second choix, refuse également. C’est alors que Quincy Jones propose Siedah Garrett, sa nouvelle recrue, pour interpréter ce duo avec Michael.

I Just Can’t Stop Loving You est le premier single de l’album et sort le 22 juillet 1987. La chanson se classe à la 1re place du Billboard alors qu’aucun clip n’a été réalisé. Le choix de Siedah Garrett semble judicieux. Âgée de 27 ans, elle a déjà un petit parcours. On l’a notamment entendue sur le tube de Dennis Edwards Don’t Look Any Further en 1984.

Pour éviter toute déception, Quincy Jones ne révèle pas tout de suite à Siedah qu’elle a été choisie pour participer à un duo qui représente un véritable défi. En 1992, Siedah raconte comment les choses se sont faites : « J’avais reçu cette bande quelques jours avant les sessions d’enregistrement pour Man in the Mirror. C’était assez courant pour moi de recevoir des cassettes du bureau de Quincy, car les compositeurs ne cessent de lui soumettre des chansons qu’il écoute et étudie pour son album, et il voulait que je les chante. Il m’avait donc envoyé cette cassette et il y a une chose que je n’avais pas réalisée tout de suite : c’était Michael qui chantait sur cette chanson. Il s’agissait de I Just Can’t Stop Loving You. Je suis retournée au studio le lendemain, en pensant que nous finirions d’enregistrer les chœurs que nous avions commencés la veille. J’étais donc là toute seule au studio, en me disant qu’ils étaient tous sacrément en retard. Et il y avait cette autre chanson sur laquelle ils travaillaient. Quincy est arrivé et m’a demandé : “Tu as eu la cassette ?” Je lui ai répondu oui. Il a continué : “Tu peux chanter cette chanson ?” Je lui ai répondu : “Bien sûr que je peux chanter cette chanson !” Et, à cet instant, quand je suis entrée dans le studio, j’ai vu les inscriptions “Michael Jackson” d’un côté et “Micro de Siedah Garrett” de l’autre, avec, sur la feuille de paroles, les échanges : “Michael/Siedah/Michael/Siedah…” Là, je me suis rendu compte que nous allions enregistrer un duo. Mais Quincy n’avait rien voulu me dire avant. On ne sait jamais, et si cela n’avait pas marché ? Cela m’aurait brisé le cœur. »

Une mélodie simple et des arrangements plutôt classiques font de I Just Can’t Stop Loving You un tube efficace. Le monologue de Michael en introduction de la chanson aurait été enregistré alors qu’il était couché sous sa couette, de son propre aveu. Cette version originelle a disparu des pressages au fil du temps. Le thème de l’amour et la musique ballade poussent Quincy Jones et Michael Jackson à faire des versions espagnole et française. Pour la version espagnole, c’est Rubén Blades qui se charge de l’adaptation. Quant à la française, c’est la Belge Christine Decroix. Cela devient Je ne veux pas la fin de nous. Malheureusement, cette version française ne sort pas alors qu’elle l’aurait fort mérité. Elle sera connue du grand public bien des années après.

I Just Can’t Stop Loving You se classe 1re du Billboard américain. En Angleterre, elle se classe 5e, et en France, elle arrache la 12e place du top 50.

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UN CLASSIQUE AMBIGU

Bad – Single

2 septembre 1987

À l’origine, Bad devait donc être un duo avec Prince. Après le refus de ce dernier, Michael décide tout de même de sortir ce titre en solo et en deuxième single de l’album. Gorgé de boîte à rythmes et de séquenceurs, c’est un morceau entre funk et blues. Le solo du synthétiseur est joué par celui que Miles Davis qualifiait de 8e merveille du monde, Jimmy Smith, un organiste de jazz.

Pour la ligne de basse, Michael s’est inspiré de celle d’un classique de la Motown, Money, joué par Barrett Strong. Quincy et Michael décident de revenir à une certaine pureté sonore, assumant un héritage jazz, bien loin des machines électroniques du moment.

La mélodie est d’ailleurs assez simple, mais les deux hommes usent de combinaisons sur le plan rythmique pour se démarquer. Bad permet aussi à Michael de se lâcher sur le plan vocal. Le single contient des versions spécialement mixées pour les discothèques et radios. C’est Bruce Swedien qui est à la manœuvre. De plus, une version a cappella figure également sur le maxi-single et permet de découvrir la performance vocale de Michael. Le potentiel de la chanson est donc bien exploité.

« C’est une chanson très différente de ce que j’ai pu enregistrer jusqu’à présent. Le mot “bad” est une image, il ne faut pas le prendre au premier degré. Cela veut dire “tu es cool, tu es bien, tu es dur”. Je ne veux pas dire que je suis mauvais dans le sens criminel du terme. Mais il y a des gens qui voudront croire cette version. C’est un mot à double sens pour moi. »

Avec cette ambiguïté, on est loin du message pacifiste auquel Michael nous a habitués. Bad se classe numéro 1 du Billboard durant deux semaines consécutives et remportera l’American Music Award du meilleur single soul R&B.

Pour le vidéoclip de la chanson, Michael souhaite que ce soit Steven Spielberg ou George Lucas à la réalisation. Mais son manager Frank DiLeo lui recommande plutôt un réalisateur pouvant le rapprocher de la « rue ». Alors Quincy Jones pense à Martin Scorsese, qui est un vieil ami de DiLeo.

C’est Richard Price, le romancier, qui est chargé d’écrire le scénario du clip. Il se base sur un fait divers qui s’est déroulé quelque temps auparavant : Edmund Perry, un jeune étudiant originaire de Harlem, entre dans une grande école pour faire ses études. Les jeunes de son origine sociale ne font d’habitude pas d’études supérieures et ne sont pas habitués aux « grands destins ». Un soir, en rentrant chez lui, Perry est assassiné par des gars de son quartier. Cependant, dans le clip, Michael ne meurt pas. Il explique : « Ce gosse essaie de faire quelque chose de sa vie. Il doit s’éloigner de ses amis. Quand il rentre chez lui pour les vacances, ils sont jaloux de lui et le tuent. C’est un jeune homme noir comme moi. C’est une histoire très triste. »

Richard Price garde un souvenir impérissable de cette expérience : « Je suis assez fier d’avoir travaillé sur ce clip, c’était amusant. À l’époque, la réaction des gens était assez bizarre. J’avais juste écrit un script de huit pages qui menait jusqu’à la chanson. Quincy Jones a contacté Martin Scorsese et m’a appelé à mon tour pour me dire : “Ils veulent que tu travailles avec Michael Jackson.” Comment peut-on dire non à cette équipe ? Rien que l’opportunité de vivre un tel moment… Et ce n’était qu’un script de huit pages. Je pense que j’ai fait un bon boulot, de même pour les autres personnes présentes sur ce film. Michael Jackson s’en est bien tiré en tant qu’acteur. Scorsese reste Scorsese. Je suis un bon auteur, mais le truc, c’est qu’il est impossible de pondre un script réaliste avec Michael Jackson dans le premier rôle et un final en musique. C’est comme si tout le monde était au top et que le résultat final ne l’était pas. À l’époque, c’était dérangeant. »

Martin Scorsese évoque, lui, les difficultés qu’il a rencontrées durant le tournage : « Dans Bad, j’ai associé un rythme dansé à la musique. Michael Jackson est un danseur tellement incroyable que je voulais régler les mouvements de caméra pour servir sa danse. J’ai essayé d’imaginer le résultat sans avoir vu la chorégraphie. J’ai dû ajuster ce que j’avais déjà fixé mentalement. Je l’avais conçu globalement, mais je savais qu’après le refrain où il répète “I’m bad, I’m really really bad”, il fallait couper et reprendre autrement. Juste avant le break, tourner autour de lui et finir sur un gros plan fut plus facile à dire qu’à faire. La caméra devait éviter de heurter les danseurs pendant que j’étais en train de tourner autour de lui. Les pas devaient s’accorder au mouvement de caméra, comme si la caméra elle-même dansait. La technique comptait autant que la danse. »

Dans le clip de Bad, Michael Jackson donne la réplique à un jeune acteur qui fera une longue carrière : Wesley Snipes. La chorégraphie du clip est répétée avec Jeffrey Daniel dans un palace de New York. Le numéro créé prévoit plusieurs séquences de groupe. C’est dans une station de métro qui n’est plus en activité que le tournage se fait.

Le vidéoclip est diffusé à travers le monde le 31 août 1987. L’accueil est mitigé à cause du nouveau look de Michael Jackson qui surprend le public. Son image endurcie interroge. Si à l’époque, cette image de rue est plutôt une reconnaissance des musiques urbaines telles que le rap ou le hip-hop, le casting du clip laisse plus à penser à l’aspect violent de ce milieu. Mais dans le clip, il est plutôt fait hommage à Gene Kelly et aux ballets jazzy. Scorsese le dit lui-même : « Je voulais un film qui ressemblait à ceux des années 1940 et 1950 et que je regardais dans mon enfance. »

Bad s’inscrit directement dans les classiques des vidéoclips de Michael Jackson et devient culte dans la culture pop.

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UN HOMMAGE AUX PLUS GRANDES COMÉDIES MUSICALES

The Way You Make Me Feel – Single

23 novembre 1987

Troisième single de promotion de l’album « Bad », The Way You Make Me Feel se classe également 1er du Billboard. À l’origine, le titre était The Way You Make Me Feel (Hot Fever). Michael a composé et écrit cette chanson rhythm and blues en hommage à sa mère qui adore ce genre musical. Cette chanson, dans la lignée de la Motown, est la première de Michael Jackson à paraître en single sous format CD en Angleterre. Elle se classe 3e des charts anglais tandis que la France la recale à la 29e position du top 50.

Le clip de The Way You Make Me Feel est tourné au mois de juin 1987. Joe Pytka est désigné pour le réaliser. Il est celui qui a réalisé le spot de campagne présidentielle qui a fait élire Ronald Reagan en 1984, ce qui est sa plus grande fierté. C’est aussi sans doute cet exploit qui a été remarqué par Michael Jackson. Au départ, Pytka débute en tant que réalisateur de documentaires, avant de se tourner vers la publicité pour mieux gagner sa vie et financer ses projets personnels. Grâce à des spots publicitaires reconnus, il est embauché par l’agence BBDO pour réaliser les spots de Pepsi-Cola durant les années 1980 et 1990. Plus tard, Joe Pytka réalisera le film Space Jam en 1996. C’est un réalisateur multicarte, capable de s’adapter à tout type de format.

Le clip de The Way You Make Me Feel marque la première collaboration entre Michael Jackson et Joe Pytka. Cela se passe une nouvelle fois dans la rue. Le scénario respecte les paroles de la chanson : Michael est fou amoureux d’une jeune femme à qui il fait sa déclaration et se montre prêt à tout faire pour la conquérir. Au départ, la jeune femme devait être incarnée par La Toya Jackson, la sœur de Michael. Mais étant donné leur lien de parenté, les conseillers de Michael lui suggèrent de recruter une autre actrice. Néanmoins, La Toya sera parmi les figurants.

C’est Tatiana Thumbtzen qui est choisie après un casting. Âgée de 26 ans, l’actrice ne sait pas encore qu’elle postule pour un clip de Michael Jackson. Ce dernier a immédiatement le coup de foudre lorsqu’il la voit. Sa décision est irrévocable. Les deux jeunes gens sont tous les deux assez timides. Dans son autobiographie, Tatiana raconte : « Pendant le second jour de tournage, Michael devait me courir après pendant une scène et je devais m’enfuir en passant à travers la carcasse d’une vieille voiture abandonnée en plein milieu d’une rue. Ma robe était tellement serrée que, pour traverser la voiture, je devais me retourner. Pendant une prise, alors que j’étais en train de me faufiler, ma botte à talon aiguille s’est prise dans le siège, et je n’arrivais plus à sortir. Michael m’a attrapée par le mollet, puis par le haut de la cuisse pour m’aider à sortir. J’ai eu un coup de chaud, je pense, et j’ai perdu mes moyens. Je suis tombée de la voiture avant d’atterrir sur les fesses. On a éclaté de rire et Michael m’a tapoté sur les fesses pour me retirer la poussière. Puis nous nous sommes regardés dans les yeux pendant un moment. À partir de cet instant, une relation chaleureuse et amicale s’est développée entre nous. Les jours suivants, pendant que nous patientions entre deux prises, Michael a commencé à s’intéresser à ce que je faisais et à me poser des questions. Par moments, il semblait flirter avec moi, comme lorsqu’il me disait que j’avais une démarche incroyable. Je lui répondais : “C’est juste une démarche.” Il me regardait et me disait en souriant : “Non, c’est une démarche sexy.” »

À travers le clip de The Way You Make Me Feel, Michael Jackson rend une nouvelle fois hommage aux comédies musicales. Tournant le mois de la disparition de Fred Astaire, une de ses idoles, Michael décide de porter une cravate à la ceinture comme le faisait Astaire, en guise d’hommage. Ensuite, la poursuite amoureuse n’est pas sans rappeler le légendaire Grease interprété par John Travolta et Olivia Newton-John. Enfin, Michael porte chaussettes blanches et pantalon court comme le faisait Gene Kelly.

Deux versions du clip sont diffusées à partir de novembre 1987 : une première, courte de six minutes, et une autre d’une durée de neuf minutes. Il paraît même qu’une version de vingt minutes traînerait dans les archives de l’artiste.

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UN MESSAGE UNIVERSEL

The Man in the Mirror – Single

8 février 1988

Quatrième single de promotion de l’album « Bad », The Man in the Mirror est une véritable pépite musicale. Numéro 1 du Billboard durant deux semaines, c’est une chanson composée par Siedah Garrett et Glen Ballard. Elle livre un message de paix au monde, dans la lignée de We Are the World.

Quincy Jones et Michael tenaient à ce que l’album contienne un hymne social. Quincy a cherché longtemps une chanson susceptible d’être cet hymne. En vain… Mais un jour, au cours d’une réunion, il demande à ses auteurs de plancher sur la question. Siedah Garrett, présente ce jour-là, note des tas de petits détails liés à la demande de Jones. Elle se met ensuite au travail avec Glen Ballard, qui a travaillé pour Alanis Morissette ou encore Barbra Streisand et Van Halen. Ensemble, ils créent The Man in the Mirror. Dès la première écoute, Quincy Jones sent le grand potentiel de la chanson. Et quand Michael Jackson écoute pour la première fois le titre, il en tombe raide amoureux. Il décide que ce sera une chanson importante de son album.

Pour l’enregistrement du titre, Bruce Swedien met au point une technique très efficace pour créer ce son si spécial de caisse claire. Il raconte : « C’est moi qui joue de la caisse claire sur Man in the Mirror. Je l’ai pitchée et l’ai enregistrée numériquement. J’ai ensuite ajouté le son de deux planches en contreplaqué que je frappais l’une contre l’autre. J’ai mixé le tout pour donner ce son très noble et cool. Je l’ai samplé et ajouté aux autres pistes de la chanson. »

Pour capter la chorale dirigée par Andrae Crouch, Swedien explique ne s’être servi que de deux micros. Il a utilisé la technique dite « Blumlein » consistant à placer les micros à 90 degrés l’un de l’autre, mais en les rapprochant au maximum. Il faut être coutumier des studios pour pouvoir appliquer cette technique.

The Man in the Mirror devient un standard de l’œuvre de Michael Jackson. Sur scène, lors de ses concerts, ce sera un moment particulier de communion avec le public, tant le message est universel et fort.

Michael Jackson décide de reverser une partie des bénéfices du single au Camp Ronald McDonald, une association d’aide aux enfants atteints du cancer. Enfin, le CD single est dédié au petit Yoshiaki Hagowara, un enfant de 5 ans kidnappé et tué durant l’année 1987. En tournée au Japon, Michael Jackson prend en charge ses obsèques. Il écrit également un communiqué où il fait part de sa grande tristesse à la suite de ce drame : « J’aimerais rendre visite sans attendre aux parents de Yoshiaki pour leur transmettre mes plus sincères condoléances et rendre hommage à leur fils. Je souhaite dédier ma tournée japonaise à Yoshiaki… Yoshiaki, je sais que tu nous regardes de là où tu es. J’espère qu’une chose si brutale et déchirante n’arrivera plus jamais. Et je t’aime. »

En France, le single n’atteint pas les 50 premières places du top. Même déception en Angleterre, où la chanson bloque à la 21e place.

Le vidéoclip est réalisé par Don Wilson. Ce dernier avait déjà collaboré avec Michael en réalisant le documentaire Michael Jackson: The Magic Returns. Chose étonnante, pour la première fois Michael Jackson est absent du clip. Cette vidéo est constituée principalement d’images d’archives où l’on voit de grands personnages du siècle tels que Gandhi, John Lennon, JFK, Martin Luther King, Mère Teresa, mais aussi Kadhafi ou encore les membres du Ku Klux Klan ainsi que des images de la Seconde Guerre mondiale. Michael Jackson apparaît à la toute fin du clip, entouré d’enfants asiatiques. Le clip met donc l’accent sur le message de la chanson.

Don Wilson a voulu créer un clip réversible à travers les images d’archives : « Si la vidéo est jouée à l’envers, on se rend compte qu’elle commence sur la pureté et l’innocence et qu’ensuite les actions de l’homme et l’injustice qui en découle créent le chaos, le désespoir et la guerre. Je voulais que les gens aient les larmes aux yeux et qu’ils soient touchés, en espérant qu’ils réfléchissent un instant à agir afin de changer les choses. Cette vidéo est régulièrement citée parmi les dix vidéos les plus populaires. J’en suis très fier. »

Michael Jackson a donné carte blanche à son réalisateur, jusqu’à lui confier le montage du clip. Pour Larry Stessel, l’absence de Michael a permis de servir au mieux la chanson et son message. Lorsqu’il voit le clip pour la première fois, Michael en a les larmes aux yeux et n’apporte absolument aucune modification.

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UNE VÉRITABLE CHANSON ROCK

Dirty Diana – Single

12 avril 1988

Cinquième single de promotion de l’album « Bad », Dirty Diana sort sur les ondes le 12 avril 1988. Dès lors, beaucoup de questions se posent. Qui est cette fameuse Diana dont il parle ? S’agit-il de sa marraine Diana Ross ? Sont-ils fâchés depuis son mariage avec un riche homme d’affaires norvégien deux ans plus tôt ?

Cette chanson est résolument rock. Pour Quincy Jones, Dirty Diana est une sorte de Killing Me Softly en plus rapide. Les paroles racontent l’histoire d’une groupie prête à tout pour arriver à ses fins.

Pour les guitares, Michael est à la recherche du guitariste idéal qui saisira toute la dimension de sa chanson et sera à la hauteur pour ajouter de la profondeur. Il sollicite alors Steve Stevens. Issu du groupe Generation X tout comme Billy Idol, Steve Stevens a une sérieuse réputation qui le précède. Il accepte bien volontiers l’invitation de Michael Jackson, avant de se lancer lui-même dans une carrière solo. Lorsque Quincy Jones le contacte pour programmer sa séance d’enregistrement, Stevens exige la présence de Michael Jackson ce jour-là. Michael accepte bien évidemment de venir à sa rencontre afin d’échanger avec lui et de lui faire quelques suggestions concernant le morceau.

Pour réaliser le clip, Michael Jackson choisit Joe Pytka. Les deux hommes se retrouvent à Long Beach au printemps 1988 durant deux semaines. Le scénario est simple : Michael est sur scène en train de déverser sa haine envers cette femme qui ne cesse de le tourmenter et d’empoisonner sa vie. Michael est en communion avec son public pendant que la fameuse Diana réussit à pénétrer dans la limousine de l’artiste. C’est un clip simple mais d’une grande intensité. Pour interpréter le rôle de Diana, Michael sollicite l’actrice Lisa Dean. Cette dernière est une habituée des spots publicitaires depuis le début des années 1980. Steve Stevens est présent à l’image en tant que guest. Sa séquence avec Michael apporte une densité supplémentaire et une énergie rock au clip. Il y a un côté fascinant dans cette séquence.

Le single se classe 1er du Billboard américain. En Angleterre, il se classe 4e des charts. En France, Dirty Diana rentre dans le top 10 en se classant 9e. La chanson s’impose rapidement comme un classique du répertoire de Michael Jackson.

Quelques années plus tard, un clip alternatif à l’original est diffusé sur Internet. Il s’agit de la performance scénique du 2 mars 1988 au Madison Square Garden de New York, lors de la représentation générale du Bad World Tour à la presse. C’est un instant particulièrement théâtral où Steve Stevens défie la guitariste de Michael, Jennifer Batten, pour un battle unique. Un moment électrisant pour le public.

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UN HYMNE À LA FRATERNITÉ

Another Part of Me – Single

26 juillet 1988

Sorti en plein été, ce single se classe 11e aux États-Unis et 15e en Angleterre. En France, il rame et se classe 32e.

À l’origine, Another Part of Me a été créé pour le générique du film Captain Eo, diffusé dans les parcs Disney en 1986. C’est l’une des premières chansons enregistrées pour l’album « Bad ». Néanmoins, elle avait failli être écartée de la liste finale. Quincy Jones raconte : « Michael avait écrit 33 chansons et je lui avais demandé de me les présenter assez tôt afin de pouvoir faire une première sélection. Il a écrit des choses fantastiques… Vraiment. Je me souviens de Streetwalker. C’est marrant parce que Michael tenait à ce que ce titre figure sur l’album. J’étais allé au studio ce jour-là. DiLeo était là et nous demandait de décider quelle chanson nous allions garder : Streetwalker ou Another Part of Me. C’était un moment très drôle. DiLeo fumait un de ses longs cigares. Michael tenait à Streetwalker et je préférais Another Part of Me. Il avait écrit ces deux chansons, mais le feeling de Another Part of Me m’intéressait. On a donc écouté ces deux chansons pour voir laquelle nous allions garder. On a passé un bout de temps à débattre et à se chamailler, et au final c’est Another Part of Me qui a gagné. »

La chanson est une nouvelle fois un message de fraternité entre les peuples. Si, pour beaucoup, les paroles peuvent paraître naïves, le public de Michael adhère.

En cette fin des années 1980, le vidéoclip évolue également. Jusqu’à présent, les vidéoclips étaient quadrillés par des structures narratives. Désormais, le format est plus dynamique et veut privilégier les effets et les émotions. Le vidéoclip s’aligne sur la publicité.

Le clip de Another Part of Me se plie donc à ce nouveau concept. À partir d’images tirées de différents concerts, Patrick T. Kelly monte une vidéo aux allures de teaser de la tournée : un clip live de Michael Jackson.

Celui-ci est diffusé pour la première fois le 30 juillet 1988, dans le cadre du documentaire Michael Jackson Around the World, diffusé sur MTV. Une seconde version avec des plans différents sera diffusée par la suite sur la chaîne.

Another Part of Me est également le nom du documentaire que consacre MTV à Michael Jakcson le 19 septembre 1988, à quelques jours de la reprise du Bad World Tour. C’est un reportage d’une durée de trente minutes, sur les coulisses de la tournée Bad en Europe avec des extraits de concerts.

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UN VIDÉOCLIP EXTRÊMEMENT AMBITIEUX

Smooth Criminal – Single

14 novembre 1988

La chanson Smooth Criminal est l’histoire d’Annie. Harcelée par un voyou qui échappe aux mains de la police, elle est sans cesse traquée, jusque dans son appartement. Elle finit par être assassinée. Pour la première fois, la femme se retrouve la victime. Composé en do majeur, Smooth Criminal surprend notamment par sa ligne de basse. Les couplets sont accolés aux refrains mélodieux, ce qui est une nouveauté dans l’œuvre de Michael Jackson, qui s’attachera à peaufiner ce style dans les années suivantes.

Smooth Criminal est le dernier single de promotion de l’album « Bad ». Une sorte de feu d’artifice. Ce single arrivant à temps dans les bacs pour les fêtes de fin d’année, Michael Jackson compte l’exploiter comme il l’avait fait avec son single Thriller. Aux États-Unis, le titre se classe 7e du top 10. En France, il accomplit un joli score en terminant 4e du top 50.

Le vidéoclip de la chanson Smooth Criminal est tourné en février 1987. C’est Colin Chilvers, réalisateur spécialiste des effets spéciaux et tout juste récompensé aux Oscars pour son travail sur le film Superman, qui est sollicité. Il faut dire que Michael Jackson a une idée précise et ambitieuse pour le clip de sa chanson.

Le vidéoclip fait partie du film Moonwalker lors d’une séquence intitulée « Chicago Nights ». Michael joue le rôle d’un être doté de pouvoirs magiques qui est confronté au méchant Mr Big, interprété par Joe Pesci. Mr Big est un mafieux sans scrupules qui veut vendre de la drogue à tous les enfants de la planète. Michael veille sur ses trois amis, Cathy, Zeke et Sean, qui essaient de l’aider dans sa lutte contre le mal. À la fin du film, Michael Jackson se transforme en robot géant puis en vaisseau spatial. La séquence « Chicago Nights » sert de base pour le clip de Smooth Criminal.

Colin Chilvers explique que c’est Michael qui a apporté le concept : « De ce point de vue, il est très intelligent. Comme il est très occupé, il a sollicité la contribution de David Newman pour modeler son idée de départ. Il est ouvert à toute proposition. Il sait exactement ce qu’il veut. On a travaillé ainsi et veillé à ce que le projet arrive à bon port. »

David Newman, chargé de scénariser le film, explique son travail et ses idées qui ont touché Michael Jackson : « Je lui ai parlé de l’étoile filante que j’avais imaginée. C’est une sorte d’étoile magique qui annonce tous les événements de la vie du personnage interprété par Michael. Elle veille sur lui comme un ange gardien. L’idée de cette étoile filante a retenu son attention, car dès que je lui en ai parlé, il s’est retourné et nous nous sommes regardés dans les yeux. Il m’a souri et, à partir de ce moment, nous étions sur la même longueur d’onde. »

Les chorégraphies de danse contribuent à faire de Smooth Criminal un clip unique dans l’œuvre de l’artiste. Le plan dans lequel Michael et les danseurs se penchent vers le sol marque particulièrement l’esprit du grand public. Pour ce faire, Michael Jackson en personne a créé un système dont le brevet a été déposé. Il consiste à porter des chaussures spéciales vissées au sol. Par ailleurs, des câbles invisibles permettent de soutenir les danseurs. C’est un hommage au monde du mime, où le corps est illusion.

Dans le clip de Smooth Criminal, on peut constater d’autres inspirations. C’est le cas par exemple du costume que porte Michael Jackson, semblable à celui de Fred Astaire dans le film Tous en scène. À travers ce clip, Michael veut s’affirmer par rapport à l’univers d’Hollywood.

Vincent Paterson raconte : « Nous venions au studio tourner chaque jour. Beaucoup de gens sont venus nous rendre visite : Jimmy Stewart, Hermes Pan. Hermes a dit à Michael : “Si Fred Astaire était là, il aimerait ce que tu es en train de faire.” Michael était aux anges. Elizabeth Taylor et Robert De Niro sont également venus. Michael a passé très peu de temps en dehors du plateau de tournage, c’était incroyable. Sa présence et son interaction avec toutes les personnes impliquées ont rendu ce projet solide. Je n’arrêtais pas de dire aux danseurs : “Allez lui parler, il est très timide.” Ils se sont mis à l’approcher et Michael était à l’aise avec eux, car il savait qu’ils ne voulaient rien de lui. Nous étions tous solidaires et travaillions tous dans la même direction. »

Au départ, Michael avait l’idée de faire un clip avec une ambiance plutôt western. Il avait d’ailleurs commencé un travail de repérage autour de chez lui pour les décors. Après réflexion, Michael n’est plus convaincu par cette idée. Il sollicite alors Vincent Paterson, qu’il nomme chorégraphe pour Smooth Criminal.

Patterson raconte le tournage de Smooth Criminal : « J’étais assis chez moi et j’ai reçu un appel de Michael. Au début je croyais à une blague. C’était Michael. Il était dans un studio d’enregistrement pas loin de chez moi et il m’a demandé de venir. Il m’a fait écouter cette chanson, Smooth Criminal. Il ne s’agissait alors que de la version instrumentale, il n’y avait aucune parole dessus. Il m’a demandé ce que j’en pensais. Je lui ai dit que je trouvais ça génial. Il m’a alors dit de prendre cette musique et de l’écouter chez moi. Je ne savais pas alors exactement ce qu’il voulait. Il m’a rappelé quelques jours plus tard pour savoir si j’avais trouvé un concept. On a commencé à discuter et il m’a demandé de travailler sur la chorégraphie et la réalisation du short film. À cette époque, Smooth Criminal ne faisait pas encore partie de Moonwalker. C’était une séquence à part entière. Comme je savais que Michael aimait tous ces films avec Fred Astaire, j’ai songé à une ambiance sombre. J’avais à l’esprit ces décors de boîtes de nuit des années 1930, peuplées de gangsters. Il a adhéré tout de suite à cette idée. Dès cet instant, le film Moonwalker a commencé à prendre forme. L’idée que j’ai présentée au départ ne contenait pas cette histoire avec la transformation en robot et la bataille finale. Michael a alors décidé de développer un scénario et c’est ce que nous avons fait.

Au départ, j’avais dix personnes autour de moi, Michael continuait d’enregistrer son album et je m’attelais à la création de la chorégraphie avec les danseurs. Je retrouvais Michael chez lui ou au studio pour lui montrer l’avancée des travaux. Il m’a alors dit : “C’est bien, mais tu devrais ajouter d’autres danseurs.” Je lui ai dit : “OK, pas de problème.” Je suis retourné au travail avec plus de danseurs, et en voyant ces nouveaux résultats, il m’a encouragé à continuer d’agrandir la troupe. Puis il a voulu ajouter un second étage dans le clip. Il était tellement emballé par ce projet et ce que je lui ai proposé qu’il n’a cessé d’augmenter les moyens.

Au total, Smooth Criminal a nécessité six semaines de travail et de tournage. C’est très rare de passer autant de temps sur un projet de ce type. C’est comme si nous tournions un long-métrage entier. Cela ne se faisait pas à cette époque, y compris dans le milieu du cinéma.

Quand Michael danse seul dans le clip, c’est une chorégraphie qu’il a créée lui-même. Les scènes où il danse avec la troupe ont été créées par moi. C’est de cette façon que nous travaillions. Et nous passions beaucoup de temps à échanger nos idées.

J’ai chorégraphié chaque personne du début à la fin de la séquence dans ce club de gangsters. C’était un sacré défi, mais Michael nous a laissé le temps d’aller jusqu’au bout. Si Michael aimait ce que vous faisiez, il était sûr de trouver l’argent pour financer cette idée. Il voulait que le monde découvre quelque chose de jamais vu et dont il était fier. Il était très exigeant. Il m’a donné le temps de bien faire les choses. Cette époque m’a permis d’affiner mon style. J’avais dirigé d’autres projets mais, pour la première fois, j’avais une équipe à qui je devais apprendre chaque pas tout en lui demandant de produire un véritable jeu d’acteur. Je me suis consacré à chaque personnage, chacun d’entre eux a sa propre personnalité et son histoire.

C’est à l’occasion de ce tournage que j’ai pu me rendre compte de l’éthique de Michael pendant son travail. Je l’ai vu répéter littéralement pendant des heures devant un miroir pour régler la chorégraphie à la perfection, pour finalement l’exécuter comme si c’était une chose naturelle et organique. »

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UN SECOND FILM, 10 ANS APRÈS LE PREMIER

Moonwalker

14 décembre 1988

En 1988, Michael Jackson revient dans le 7e art pour son second film. Dix ans après The Wiz, il nourrit un projet très ambitieux qui lui permet d’assurer la promotion de son album « Bad », et se compose de plusieurs vidéoclips. Un projet très authentique et original pour l’époque.

Les premières séquences du film sont tournées en 1987. Au début de l’année 1988, en sortant de sa tournée Bad au Japon et en Australie, il termine la réalisation des dernières scènes du film. C’est un énorme travail de postproduction qu’a nécessité ce long-métrage. Lors du Festival de Cannes de 1988, la bande-annonce du film est présentée aux journalistes. En France, une avant-première est organisée le 13 décembre dans les cinémas Pathé des grandes villes. Une partie des bénéfices est reversée aux Restos du cœur. Malheureusement, à sa sortie officielle en salles, Moonwalker n’obtient qu’un succès d’estime.

Aux États-Unis, pour éviter une déception similaire, le manager de Michael, Frank DiLeo, décide de commercialiser directement le film en format cassette vidéo. Une décision qui contrarie fortement les distributeurs de cinéma qui comptaient grandement sur Moonwalker pour créer l’événement dans leurs salles en cette fin d’année.

Les 27 millions de dollars de budget investis directement par Michael Jackson sont amortis in extremis grâce aux 30 millions de dollars de bénéfices des salles de cinéma européennes et japonaises ainsi que des ventes de vidéos.

Cette contre-performance ajoute aux tensions entre Michael et son manager. Depuis la fin de la promotion de l’album « Bad », les deux hommes semblent prendre des chemins différents et ne se retrouvent plus sur les décisions. Une des conséquences de ces tensions est que Michael ne répond plus à aucune interview et laisse son manager et Quincy Jones assurer auprès des médias si besoin. En réalité, l’expérience Moonwalker conforte Michael dans ses rêves et ses envies de cinéma. Il aurait même décidé qu’après la tournée Bad, il se consacrerait au 7e art et arrêterait la musique. Et pour lui, Frank DiLeo n’est pas l’homme qui lui permettra d’aller au bout de cette quête.

Si Michael est très remonté contre son manager, il oublie que c’est grâce à lui qu’il a pu réaliser Moonwalker. En effet, DiLeo avait accepté de coproduire le film avec lui. Il oublie également que son manager est très proche de plusieurs grands noms du cinéma américain d’origine italienne.

À travers Moonwalker, Michael Jackson a voulu planter son univers féerique et fantastique, fait de héros et de musique. Ce film atypique a le mérite d’exister.

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UN ALBUM SANS QUINCY JONES : L’ÈRE TEDDY RILEY

« Dangerous » – Album

26 novembre 1991

En ce début des années 1990, l’économie du disque est en pleine mutation. Le CD devient le support de consommation imposé par les maisons de disques, laissant peu à peu le vinyle tomber en désuétude.

En 1989, Sony rachète la maison de disques CBS et devient Sony Music. Le 20 mars, Michael Jackson et Sony Music signent un contrat historique. Ce dernier engage l’artiste pour six albums. Le taux de royalties est revu à la hausse et devient le plus élevé de l’industrie avec plus de 25 % pour chaque disque vendu. Officiellement baptisé le « contrat à 1 milliard de dollars », il marque l’histoire du monde du spectacle.

En 1990, alors que le projet « Decade » est définitivement enterré, Michael Jackson enregistre « Dangerous ». L’artiste est entouré de son équipe habituelle à une exception près, et pas des moindres : Quincy Jones. Les deux hommes semblent avoir pris des trajectoires différentes et ne partagent plus la même vision de la musique. Le succès du rap et du R&B résonne comme une prise de conscience en Michael : son nouvel album doit refléter ses influences musicales premières, à savoir principalement celles de la rue. À la recherche d’un nouveau producteur, il sollicite Teddy Riley pour relever ce défi.

Originaire d’Harlem, Riley se passionne dès le plus jeune âge pour la musique. À 17 ans, il sort son premier album avec le groupe Kids at Work. Ensuite, il gagne sa notoriété de producteur en œuvrant auprès de la crème du milieu du rap. En 1987, il forme le groupe Guy avec Aaron Hall et Timmy Gatling. Ce groupe fait sensation sur la scène du R&B avec son premier album. Leur univers côtoie aussi bien la funk que la soul, sur des rythmes hip-hop. Teddy Riley a véritablement sculpté le R&B moderne. À 21 ans, les collaborations s’enchaînent pour lui, de la bande originale du film Do the Right Thing pour Spike Lee, au tube de Bobby Brown My Prerogative. Enfin, en 1989, il rencontre pour la première fois Michael lors de l’enregistrement du dernier album des Jackson. Riley produit pour les frères deux titres.

Si Michael sollicite plusieurs producteurs en vogue à ce moment-là, il comprend rapidement que Riley fera toute la différence. La patte du jeune producteur saura répondre aux aspirations et concepts de Michael. Riley raconte : « J’étais très tendu à l’idée d’entrer en studio avec Michael et de succéder à Quincy, qui est un véritable génie. C’est notre père à tous dans le domaine de la production. En fait, Quincy m’a appelé pour me demander de le faire. Il m’a dit : “Tu peux le faire.” C’est lui qui m’a placé dans ce projet en disant à Michael : “Tu as besoin de ce mec pour faire ton disque.” Michael a donc appelé. À cet instant précis, je me suis rendu au studio avec plusieurs chansons, sachant qu’il en choisirait au moins une. Au final, il en a retenu sept. »

Le titre Dangerous est une belle démonstration du talent de Teddy Riley. Cette chanson composée par Michael Jackson était au départ une démo produite par Bill Bottrell. Les arrangements tournent autour des boîtes à rythmes percutantes des années 1980. Dangerous résonne comme une suite de Bad.

Michael Jackson explique la genèse de ce titre : « J’ai écrit la chanson Streetwalker et je n’étais pas totalement satisfait. J’ai plusieurs chansons comme ça, qui sont restées inachevées. J’ai donc passé la chanson à Bill Bottrell et il a rajouté des sons de batterie et d’autres éléments. Il m’a rendu la bande. Il y avait la ligne de basse et la partie rythmique. Je l’ai écoutée plusieurs fois, mais je n’avais pas encore de mélodie pour ce titre. Et d’un coup, la mélodie a surgi dans ma tête. J’ai entendu la musique et la composition elle-même en entier. La première partie est parlée, un peu comme un rap, puis vient la seconde partie qui mène au refrain, puis le refrain lui-même, où je chante Dangerous. Après avoir écouté cette nouvelle mouture, je n’étais toujours pas pleinement satisfait. Le son n’était pas assez moderne. J’ai donc demandé à Teddy de rajeunir les sons, de les mettre au goût du jour. Je voulais une sonorité avec une sensibilité plus hip-hop. Je voulais la rendre plus dansante, car j’adore danser… Quand j’ai rapporté la première version à la maison pour m’entraîner, le son ne me touchait pas assez. Je voulais plus de feu, plus d’action et de profondeur. C’est sur ce point que Teddy est intervenu. Il a changé les sons : la basse, la batterie… Il a rajouté cette caisse claire tranchante, pleine de colère. Cela donne plus d’émotion à la chanson. C’est ce que je voulais au départ. Teddy a donc défini et sculpté ce son pour arriver à cette version finale présente sur l’album. »

« Dangerous » témoigne de l’alchimie entre Michael Jackson et Teddy Riley. Par ses arrangements parfois sombres, ponctués de bruits de tessons de bouteilles, Riley inscrit son identité new jack swing à jamais dans l’histoire de l’œuvre de Michael. La touche Riley permet désormais aux chansons d’être jouées en acoustique sobrement piano-voix tout en gardant leur éclat d’origine. Une force non négligeable.

Teddy Riley produit 7 chansons sur les 14 au total de l’album. L’autre partie est produite par divers collaborateurs fidèles : Bill Bottrell, David Foster ou encore Greg Philliganes. L’album se scinde en deux parties. Dans la première, Michael nous emmène « dans la rue », tandis que dans la deuxième, il s’adresse une nouvelle fois au monde entier. L’artiste ouvre son cœur et confie ses peines et ses peurs. Des messages forts portés en hymne par du gospel. Michael travaille de longues heures sur chaque chanson afin de leur donner une véritable identité. Chacune doit se distinguer des autres. Cette démonstration de son excellence fait la différence dans le monde de la pop.

Quelques jours avant la sortie officielle du disque dans les bacs, 30 000 exemplaires sont dérobés dans un terminal de l’aéroport de Los Angeles par des hommes armés. Le butin est évalué à environ 400 000 dollars.

« Dangerous » sort le 26 novembre 1991 aux États-Unis. Grâce à ses nouvelles sonorités et à la touche Riley, l’album est salué par la critique. Il se classe 1er dans les charts du monde entier et se vend à plus de 20 millions d’exemplaires, dépassant les ventes de « Bad ». Michael Jackson est bien désormais le « roi de la pop » !

Côté promotion, c’est un marathon de deux ans dans lequel s’élance Michael. Sony Music joue le jeu pour investir dans les clips, mais impose de plus en plus le choix des singles. Par ailleurs, il apparaît une mutation dans le public de Michael. Si l’album est un immense succès aux États-Unis, c’est bien en Europe que le public encense « Dangerous » et lui assure une longévité.

« Dangerous » est porté au plus haut durant l’année 1992 en Europe et au Japon, à travers la tournée mondiale que l’artiste effectue pour récolter des fonds pour sa fondation Heal the World. En 1993, c’est du côté des médias américains que Michael se décide à enclencher la vitesse supérieure. L’objectif est de relancer les ventes sur son territoire. Alors Jackson se fait violence et accepte plusieurs émissions de télévision.

Mais ce qui lui fait du tort, c’est l’absence de tournée américaine. Alors il s’emploie dans les médias à combler l’absence de concerts. Le point d’orgue de cette campagne médiatique est l’interview faite en direct par Oprah Winfrey le 10 février 1993. Cela porte ses fruits et Michael sera l’artiste le plus récompensé lors des différentes cérémonies de récompense l’année suivante.

Pour la pochette de l’album, Michael sollicite les services de Mark Ryden. Ce dernier fait partie d’une nouvelle génération d’artistes surréalistes américains. À travers son œuvre, c’est les souffrances de l’Amérique mises en scène par des personnages fantastiques. Pour la pochette de « Dangerous », l’artiste fait abstraction de la noirceur que l’on trouve traditionnellement dans son œuvre. C’est un tableau en deux parties : en haut, cela représente la spiritualité et le retour à la nature où les animaux sont maîtres de la planète. En bas, il est mis en avant tous les travers du monde, à savoir le progrès, la pollution, la violence, la maladie, etc. Il y a dans ce tableau des références à l’artiste Bosch et à son Jardin des délices. À travers la pochette de son album, Michael dévoile sa connaissance des œuvres qui l’ont inspiré. « Dangerous » porte ses influences de divers horizons artistiques.

En 1992, à l’occasion d’un spot publicitaire, le décor et les éléments de la pochette de l’album « Dangerous » prennent vie. Ce spot, réalisé par Joe Pytka pour Pepsi-Cola, vise à promouvoir l’album et la marque de sodas.

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SURPRENDRE LE MONDE

Black or White – Single

6 novembre 1991

La chanson pop rock Black or White marque le grand retour de Michael Jackson sur les ondes. C’est un plaidoyer pour l’harmonie entre les peuples, crié sur fond de guitares « californiennes ». Un single coproduit avec Bill Bottrell, puissant et efficace, qui ne laisse guère de mystère sur les intentions de Michael : il veut surprendre le monde !

Idéalement, Michael aurait souhaité sortir en premier single un duo, comme une tradition depuis l’album « Thriller ». Il y avait bien un projet dans ce sens avec l’artiste Madonna, mais celui-ci n’a pu aboutir. Obligé de chercher une autre solution, Michael craque littéralement en entendant pour la première fois Black or White. À vrai dire, cette chanson existe depuis quelques années, mais était rangée dans ses tiroirs depuis l’époque de « Bad ». Cette fois-ci, Michael entend en faire un single fort de l’album « Dangerous ». C’est aussi pourquoi il sollicite la collaboration du guitariste rock le plus célèbre du moment : Slash, du groupe Guns N’ Roses. Ce dernier accepte volontiers l’invitation. Il enregistre ses guitares uniquement sur l’introduction du titre. C’est une séquence où l’on entend un père vilipender son jeune fils parce qu’il écoute la musique bien trop fort. Le dialogue de cette séquence est écrit par Matt Forger et sera ensuite modifié et adapté lors de la réalisation du clip par John Landis. Le riff de guitare entendu tout au long de la chanson est joué par Bill Bottrell en personne, tandis que la guitare au son heavy metal du pont est jouée par Tim Pierce.

Par suite de l’incident de l’aéroport de Los Angeles, le master du single arrive en Angleterre sous la protection de deux gardes du corps qui ont voyagé en Concorde pour le livrer au siège de Sony Music London.

Durant sept semaines consécutives, le single reste en tête du classement Billboard. Il égale le record de Billie Jean. Plus de 1 million d’exemplaires du single sont vendus aux États-Unis et en Angleterre. Par ailleurs, Sony Music décide de produire plusieurs versions remixées de la chanson. Produites par Robert Clivillés et David Cole du groupe C+C Music Factory, elles marquent un changement important. Jusqu’ici, c’était Bruce Swedien qui réalisait tous les remix des chansons de Michael. Cette opération vise à élargir le public de Michael. D’ailleurs, quasiment tous les singles de l’album « Dangerous » feront l’objet de remix qui apparaîtront sur les singles. Michael n’adhère pas à cette démarche commerciale et artistique que lui impose sa maison de disques. Pour avoir passé des heures en studio et travaillé avec rigueur chaque titre, il pense que l’original se suffit à lui-même. On ne peut pas lui donner tort.

Pour la réalisation du clip de Black or White, c’est une nouvelle fois John Landis qui est sollicité par Michael. En 1983, il avait fait sensation en apportant tout son talent sur le clip de Thriller. Si, à l’époque, cela avait été une vraie collaboration où les deux hommes avaient ensemble coécrit le scénario du clip, ici, l’histoire est tout autre. Michael apporte ses idées, Landis les exécute.

Michael imagine donc un clip en deux actes. Tout d’abord, Michael marche à travers le monde pour diffuser son message de fraternité et de paix. Une réponse à la guerre du Golfe qui a éclaté durant l’année 1991. Ensuite, Michael veut dénoncer les souffrances et les atteintes au principe de liberté. Pour illustrer cette fraternité, une technologie encore peu connue est utilisée : le morphing. Cela permet de voir des visages d’hommes et de femmes se fondre les uns dans les autres. Cette technique est réalisée grâce à des calculs savants de superordinateurs. George Lucas a été un des premiers à l’utiliser dans ses films comme Indiana Jones et la dernière croisade ou Willow. Michael la remarque dans une publicité et la trouve super-originale. Le morphing devient l’effet spécial le plus utilisé des années 1990 grâce au clip de Black or White.

Dans le clip, on voit notamment apparaître des personnalités comme Macaulay Culkin, le jeune héros de Maman, j’ai raté l’avion !, mais aussi la jeune mannequin Tyra Banks. Enfin, Bart Simpson et son père Homer clôturent le clip. Michael a voulu frapper fort, voilà qui est fait.

La deuxième partie du clip témoigne d’une certaine noirceur dans le personnage présenté par Michael Jackson au public. Il s’agit d’une panthère noire qui traîne sur le plateau de tournage et avance vers un décor plus sombre. La panthère se transforme ensuite en Michael Jackson qui sort dans une rue. Un décor urbain embué de fumée dans lequel il se met à danser en hommage aux stars des comédies musicales. Et puis la violence éclate. Il fracasse des bouteilles en verre et casse le pare-brise d’une voiture et des vitrines de commerces. Cela traduit les pulsions animales et sexuelles de l’homme. À la fin de la danse, Michael redevient « Panther ». Vincent Paterson raconte : « Michael n’était pas content du concept présenté par John Landis. Il m’a appelé dans sa loge et lui et moi avons retravaillé le clip avec cette idée de les mettre, lui et sa danse, dans des mises en scène fantastiques. Nous avons eu l’idée d’emprunter les danses de différentes cultures. John Landis avait fait danser Michael devant un fond gris comme sur les photos d’Irving Penn. Michael trouvait cela trop simple. John a aimé nos idées et cela a servi à créer la vidéo finale. La controverse qui a découlé de la seconde partie du short film nous a blessés et nous a frustrés. J’ai eu cette idée où Michael se saisissait l’entrejambe pour en faire un pas de danse. Son personnage était une panthère noire qui se transformait en homme pour se transformer en panthère noire. Il aimait cette idée de se montrer violent, mais cette scène consistait surtout à laisser sortir la vapeur. La danse, les cris, les poubelles lancées à travers les fenêtres… Très souvent, Michael a créé ces situations sur le moment. La poubelle était une de ses idées. Il aimait aussi refaire certaines choses qui avaient fonctionné, comme ce moment où il saute sur le toit d’une voiture. Nous avions déjà cette image dans The Way You Make Me Feel. Mais apparemment, le monde ne voulait pas voir Michael Jackson, l’incarnation de Peter Pan, en train de se toucher l’entrejambe et de se montrer violent. Pour lui, pour John et pour moi, ce n’était rien qu’une fiction, un clip incroyable et rien d’autre. »

Le 14 novembre 1991, le clip de Black or White est diffusé pour la première fois. Il provoque un immense tollé. Des associations de parents sont surpris et protestent. Michael, qui a toujours nourri une image douce et lisse, dévoile ici une violence qu’on ne lui connaissait pas. Malheureusement, Black or White est rapidement résumé à cette violence, et le message de paix de la chanson passe totalement inaperçu. Du côté du Royaume-Uni, les standards de la chaîne BBC explosent littéralement sous des appels de fans soutenant le chanteur d’un côté, et d’un public scandalisé de l’autre. En France, le clip est diffusé pour la première fois lors de l’émission de variétés Sacrée Soirée animée par Jean-Pierre Foucault. Cependant, les deux parties du clip sont diffusées de manière scindée. La première en début d’émission et la seconde en toute fin de soirée.

Le coup médiatique est réussi pour Michael qui voit désormais son clip occuper une place privilégiée sur les chaînes du monde entier. Michael Jackson bouscule ses propres codes et interroge tout le monde. Après tout, nous avons tous une part d’ombre et de lumière en nous.

Le 15 novembre, après la première diffusion du clip de Black or White, Michael décide de publier le communiqué suivant : « Cela me dérange de penser que Black or White puisse inciter un enfant ou un adulte à adopter un comportement destructeur. Je regrette profondément toute douleur ou blessure que la séquence finale de Black or White a pu causer aux enfants, leurs parents ou tout autre spectateur. »

Le clip sera tout de même revu et corrigé à l’occasion de la cassette de compilation de vidéoclips de l’album « Dangerous » qui sort en fin d’année 1993. Michael Jackson brise uniquement les vitres portant des messages racistes. Cela prend un autre sens.

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NOSTALGIE AMOUREUSE

Remember the Time – Single

14 janvier 1992

Remember the Time porte la nostalgie amoureuse. Les paroles et la musique remportent rapidement les suffrages du public et des médias. Teddy Riley, Bernard Belle et Michael Jackson composent un titre d’une grande intensité dramatique et d’une grande profondeur. Riley raconte lors de l’émission Access Hollywood en 2009 : « Remember the Time est la cinquième chanson que je lui ai présentée. Il m’a demandé d’arrêter de jouer et j’avais peur d’être viré du projet. Il m’a pris à part et je pensais qu’il allait me reprendre, comme si j’avais joué un mauvais accord, ou quelque chose de ce style. Il m’a seulement dit : “Joue-la au piano.” Il nous a juste isolés pour savoir si je pouvais le faire. Je me suis alors mis à jouer et il m’a dit : “Cette mélodie, tous les éléments de cette chanson, sont excellents. Et je veux que cette chanson parle d’amour. Je ne peux pas te dire de qui cette chanson va parler, mais je sais que ce sera notre second single.” Il m’a dit ça alors que j’étais en train de lui jouer la chanson. Je sais pour qui Michael a écrit Remember the Time, mais je ne le dirai jamais. Même si lui et moi avons signé un contrat de confidentialité et qu’il m’a autorisé à en parler, je ne le ferai pas. C’est quelque chose que je garde pour moi. »

Si Teddy Riley reste mystérieux sur la question, le public doit se consoler avec un message porté au verso de la pochette du single : Michael Jackson dédie ce titre à Diana Ross. C’est la version officielle présentée ici. Diana Ross, qui a été sa marraine et sa muse, garde toujours une place à part dans le cœur de l’artiste. Cette chanson prend tout son sens.

Après l’accueil mitigé des remix de Black or White, Sony Music décide de changer de producteur. C’est Teddy Riley et son équipe qui sont chargés de réaliser les remix en gardant bien l’esprit de la chanson. Sur certains exemplaires promotionnels figure une version a cappella absolument magistrale.

Le single se classe 2e du top 100 aux États-Unis durant deux semaines, 3e dans les charts anglais et 5e en France.

Pour la réalisation du clip, c’est John Singleton qui est choisi. Son premier film, Boyz n the Hood, a été très remarqué. Âgé de seulement 24 ans, il déploie, à travers ce film racontant les aventures d’un jeune dans les quartiers noirs de Los Angeles, tout son talent et son imagination. Michael le remarque et décide donc de travailler avec lui.

En 1992, le jeune réalisateur est interviewé par MTV dans le cadre d’un futur documentaire. Il raconte : « C’est la plus grosse production sur laquelle j’ai travaillé jusqu’à présent. D’habitude, je tourne des petits films dans des maisons et des quartiers modestes. C’est ma première expérience dans un studio de tournage. Ici, j’ai l’impression que tout ce que je souhaite, je peux l’obtenir grâce à Michael. Remember the Time est ma chanson préférée sur “Dangerous”. C’est un titre qui fait danser tout en ressemblant à une ballade. Beaucoup de réalisateurs ne cherchent pas à harmoniser la caméra et la danse. Ils laissent traîner la caméra sans une réelle direction. J’ai cherché à travailler sur les angles et à chorégraphier la danse pour la caméra. Une de mes amies, Fatima Robinson, qui a déjà travaillé pour Guy et Whitney Houston, a développé quelque chose de très funky pour ce film. En tant que réalisateur, pour la première fois de ma carrière, je n’ai pas été limité par mon imagination, car Michael lui-même n’est pas limité par son imagination. »

Fatima Robinson, elle, explique : « On a utilisé des mouvements hip-hop très techniques parce que Michael est également très technique. On s’est servi de la danse hip-hop car c’est la danse en vogue actuellement. Nous avons travaillé trois semaines sur ce numéro des premières répétitions à celles effectuées avec les costumes. Il y avait 18 filles et 12 garçons, plus Michael. Stretch et moi avons tenu à danser avec la troupe pendant le tournage. D’habitude, le chorégraphe reste hors champ et n’obtient pas le même respect de ses danseurs. Il se contente de donner des instructions et des ordres. Mais quand ils vous voient danser à leurs côtés, ils vous respectent plus et travaillent encore plus dur. »

Pour ce clip, un casting exceptionnel est également convié : on y voit Iman, modèle et épouse de David Bowie, jouant le rôle de Néfertiti. L’acteur Eddy Murphy incarne le pharaon Ramsès et enfin, la star du basket NBA, Magic Johnson, joue le rôle de maître de cérémonie. On se retrouve plongé dans l’univers d’un conte de l’Égypte ancienne où Néfertiti retrouve un amant possédant des pouvoirs magiques. Le clip est vraiment très réussi et brille par son authenticité et sa singularité parmi les clips de Michael Jackson.

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À LA RECHERCHE DE LA PAIX INTÉRIEURE

Jam – Single

27 septembre 1992

À l’origine, René Moore, le compositeur de la musique, aurait souhaité en faire un titre pour son propre album. En travaillant les arrangements avec Bruce Swedien sur la rythmique assez ardue qui mélange les kits de batterie classique et ceux plus récents, Moore se rend bien compte que ce morceau doit aller à un autre. Via Bruce Swedien, il se décide à la proposer à Michael Jackson qui l’adopte aussitôt. Ce dernier y appose des paroles comme une bataille pour gagner en paix intérieure et foi en soi. Son phrasé spécifique en témoigne. Teddy Riley travaille ensuite dessus en apportant sa touche, le son brut hip-hop dans sa veine. Le contraste entre la musique et les paroles profondes de Michael fait mouche. Jam est né et ouvre l’album « Dangerous ».

Le single sort aux États-Unis le 19 juin 1992. Teddy Riley, comme sur le précédent single, s’emploie à réaliser divers remix qui sont envoyés aux radios et discothèques. Les amateurs de new jack swing se régalent littéralement.

Les publics japonais et européens seront les derniers servis. Ce n’est que fin septembre que sort le single Jam dans les bacs. La maison de disques réalise l’évolution des attentes du public et s’adapte. Les Américains sont visiblement très demandeurs de musiques urbaines, tandis que les Européens raffolent à cette époque de dance music.

Jam ne décolle malheureusement pas des charts américains et stagne à la 26e place. En Angleterre, s’il fait une meilleure percée, le titre termine sa course à la 14e place. En revanche, en France, Jam obtient son meilleur classement en se plaçant à la 7e place du top 50.

Pour la réalisation du clip, c’est David Kellogg qui est choisi. Il s’est fait un nom grâce à ses productions pour le petit écran. Il a réalisé bon nombre de publicités réputées, notamment pour Pepsi ou Chevrolet. En 1989, il produit entre autres le clip de I’ll Be Good to You pour Quincy Jones. Kellogg est aussi à la manœuvre pour créer plusieurs vidéos pour le magazine Playboy.

Pour Jam, Michael Jackson imagine quelque chose de très urbain se déroulant dans un hangar désaffecté de Chicago. Cette ville est alors célèbre grâce au basketteur Michael Jordan, qui est double champion NBA avec les Chicago Bulls. C’est aussi pourquoi Jackson n’hésite pas à le convier pour son clip, en guise de clin d’œil symbolique. Jordan fera des échanges de balles avec Jackson et, en retour, celui-ci lui montrera quelques pas de danse.

Le rappeur Heavy D, qui a posé un rap sur la bande originale de Jam, est naturellement convié pour le clip. Enfin, les gamins du duo de rap Kris Kross rejoignent également le casting du clip, mais il faut dire ce qui est : Michael Jordan fait de l’ombre aux autres. Il est aussi l’exemple symbolique d’une réussite noire américaine en ce début des années 1990, en l’occurrence, le basket-ball. Du haut de ses 1,98 m, Jordan brille et crève l’écran par ses démonstrations de dribble.

Il faut dire aussi que le réalisateur, David Kellogg, a l’instinct pour mettre en lumière ce qui doit l’être. Sa caméra suit d’un côté le ballon de basket de Jordan, comme elle saisit à merveille les pas de danse de Jackson. Sa danse énergique et nerveuse est suivie au millimètre par l’objectif. Deux versions du clip sont montées. La première dure environ quatre minutes et est calquée uniquement sur la version radio de Jam. C’est le clip principalement diffusé aux États-Unis au printemps 1992. La seconde version dure environ huit minutes et se termine par une scène assez drôle où Michael Jackson enseigne à Michael Jordan son célèbre moonwalk.

En 2003, Jackson raconte dans l’émission télé Michael Jackson’s Private Home Movies cette rencontre au sommet : « Je savais que ça allait être quelque chose d’incroyable, alors j’ai demandé à avoir toutes ces caméras autour de nous. Il existe un tas d’images qui n’ont pas été utilisées dans le clip final. Ma partie préférée est celle où je lui apprends à danser, c’est un moment sincère et marrant. Mais il était gêné, c’est ce qu’il m’a dit après. »

Vincent Paterson révèle des idées qui ont été abandonnées pour le clip : « Michael m’a demandé d’écrire un scénario pour Jam, et je pense que cela aurait pu être phénoménal, mais Sony n’a pas voulu y mettre l’argent nécessaire. Ils ont donc validé cette idée assez simple sur le thème du basket-ball avec un budget beaucoup plus modeste. J’aurais beaucoup aimé développer le concept original, car c’était très fou et ambitieux. L’action se déroulait dans un château. Michael et moi aimions beaucoup cette idée. Il aurait joué le rôle d’un roi fou vivant dans un château. Nous avions un clip à gros budget en tête. Au final, il aurait été difficile de savoir si nous nous trouvions sur un plateau ou dans un véritable château. On avait prévu d’avoir des danseurs sur des escaliers en spirale. Certains de ces éléments ont été remaniés pour Blood on the Dance Floor. Il y avait aussi des animaux qui se transformaient en créatures, ou encore une jolie femme assise derrière une fenêtre dans une tourelle. Michael serait passé devant elle et elle aurait sauté en se transformant en oiseau. Ce scénario abordait plusieurs thèmes qu’il aimait et que j’avais identifiés chez lui. Je voulais travailler sur une vidéo qui lui ressemblait. »

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DÉPOSER LES ARMES

Heal the World – Single

23 novembre 1992

Heal the World est l’hymne à l’amour que Michael Jackson réservait dans l’album « Dangerous ». Il sort en single fin novembre 1992, soit un an après la sortie du disque sur lequel il figure en septième position. Cette place n’est pas un hasard, elle annonce la seconde partie de l’album où l’on change d’univers. Le new jack swing de Riley est désormais fini et laisse place aux chansons plus « classiques » produites par Michael Jackson. Heal the World s’inscrit comme une suite à We Are the World. Cette fois, Michael doit porter cet hymne au message d’amour et de paix tout seul. Marty Paich compose l’introduction du morceau qui sera déposé sous le titre Marty’s Prelude.

Heal the World a tout pour conquérir un large public : l’émotion musicale, la profondeur des paroles et la voix douce de Michael qui dégage une sensibilité poussée. Malheureusement, cela ne suffit pas. Aux États-Unis, le single ne finit que 22e des charts. En revanche, en France et en Angleterre, il fait un excellent score en montant sur le podium et en terminant à la 2e place, juste derrière I Will Always Love You de Whitney Houston.

Pour Michael Jackson, Heal the World est la chanson idéale pour servir la cause de projets caritatifs et humanitaires. En 1993, quelques mois après la sortie du single, un groupe français d’écoliers chantants de Bondy, United Planet, sort une version française de la chanson, intitulée Change le monde, avec l’accord de Jackson. La chanson est également diffusée lors des tristes funérailles de James Bulger, un enfant de 2 ans et demi lâchement assassiné par deux enfants de 10 ans en Angleterre. Michael, particulièrement touché par ce drame, adresse ses sincères condoléances aux parents de James Bulger et suit de près le développement du centre pour enfants harcelés portant son nom : James Bulger Balloon Center Appeal. Enfin, en mai 2009, le groupe BuLife reprend et commercialise sa version de Heal the World pour récolter des fonds pour le centre James Bulger, avec l’autorisation de Michael.

Joe Pytka est chargé de réaliser le vidéoclip de Heal the World. Cette fois, le budget qui lui est alloué est très modeste. L’angle adopté sera donc une vidéo contre la guerre, mettant en scène des enfants vivant dans une région sous occupation militaire. Leur solidarité et leur amour font déposer les armes, puis ils se réunissent en une veillée pacifique avec des bougies symbolisant la renaissance et l’espoir du monde. Un clip un brin naïf, mais qui a le mérite d’exister.

Comme pour The Man in the Mirror, Michael est absent du clip afin que le message de la chanson soit mis en avant.

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UNE BALLADE SENSUELLE ÉLECTRISANTE

Give in to Me – Single

12 février 1993

Michael Jackson a toujours aimé les ballades rock. Il en fait une nouvelle fois la démonstration à travers le single Give in to Me, rempli de sensualité électrisante. Le narrateur est plongé dans la solitude amoureuse que lui impose la femme qu’il aime. Une histoire éternelle qui a traversé les siècles. L’interprète est dans l’incompréhension de l’attitude de son aimée et en souffre. Lors du refrain, il tente pourtant d’inverser le rapport de force et de lui imposer de revenir. De la reconquête au désespoir, cela devient une prière. Un amour à sens unique, impossible, désarmant et qui mène à l’abandon de la quête, tout simplement.

Le guitariste Slash est une nouvelle fois sollicité pour poser sa guitare sur cette chanson. Une collaboration plus franche, plus riche et solide qu’elle ne l’avait été sur Black or White. Slash se lâche et sort des sons de blues bien huilés et bien loin d’un rock trash simple.

En 2010, le guitariste raconte cette nouvelle collaboration avec Michael Jackson : « Il m’a appelé car il devait aimer ma manière de jouer. C’est vrai que je viens de la scène hard telle qu’on l’entend, mais en tant que guitariste, on n’a cessé de m’appeler pour des collaborations très diverses. Pas que pour du hard-rock, quoi. Et un jour, j’ai eu ce coup de fil de Michael Jackson. Je pense que la meilleure réponse que je puisse apporter aux gens qui trouvent cette collaboration très étrange, c’est que les gens qui ont du talent transcendent leur genre, ça doit être mon cas, c’est en tout cas ainsi que je me l’explique. Car lorsque quelqu’un d’aussi incroyablement talentueux que Michael Jackson m’appelle, c’est un plaisir mais aussi une sorte de récompense. J’ai toujours apprécié plein d’autres genres que le hard-rock, j’adore le rhythm and blues, j’aime lorsqu’il y a du rythme, et avec Michael, j’étais plutôt servi. On s’est beaucoup amusés. Poser quelques guitares sur sa musique a été une tâche aisée. Je l’ai souvent accompagné sur scène aussi, c’était un honneur d’être invité par lui et surtout d’être à la hauteur de ce qu’il me demandait. Pas parce que c’était une grande vedette, mais d’abord parce qu’il était un performeur exceptionnel, un danseur unique et un incroyable chanteur. Sa réputation n’était pas usurpée ! Qu’est-ce qu’on s’est marrés ensemble ! Je garde en moi l’image de son sourire et de sa gentillesse1. »

Le clip est réalisé exceptionnellement en Allemagne, où Michael va lancer son Dangerous World Tour européen. Le 25 juin 1992, il se rend au 166 Landsberger Strasse, à Munich, pour retrouver le réalisateur Andy Morahan et Slash. En quelques heures, c’est dans la boîte. L’esthétique est privilégiée par rapport à l’innovation cette fois. Il faut dire que la chanson porte une sensualité particulière. Michael souhaite créer une ambiance de concert, c’est pourquoi plusieurs fans et spectateurs sont recrutés pour former le public du clip. Michael Jackson incarne alors merveilleusement bien les rockeurs tiraillés entre amour et désespoir. Ses mouvements sont accentués par des explosions et des éclairs électriques, ce qui magnifie un peu plus le clip et la chanson.

Give in to Me ne sortira pas aux États-Unis. En France, il se classe 7e tandis qu’en Angleterre, il finit 2e des charts.

1. Interview de Christian Eudeline, 2010.

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UNE VÉRITABLE OPÉRATION DE CHARITY-BUSINESS

Heal the World Foundation

3 février 1992

Au cours d’une conférence de presse événement organisée au Radio City Music Hall de New York, Michael Jackson fait deux annonces. Tout d’abord, le Dangerous World Tour à travers les stades du monde entier. Ensuite, il précise que les bénéfices de la tournée iront à sa nouvelle fondation, Heal the World. La tournée est sponsorisée par Pepsi-Cola, qui souhaite conquérir solidement les pays d’Europe de l’Est parmi ceux où Michael va chanter durant sa tournée. Plusieurs spots publicitaires avec Michael Jackson sont diffusés et Pepsi organise même des jeux-concours. Michael accepte de sortir le titre Someone Put Your Hand Out, exhumé de ses tiroirs, en guise de cadeau goodies pour les participants au jeu Pepsi.

Le contrat entre Pepsi-Cola et Michael Jackson est d’ailleurs signé à la sortie du Radio City Music Hall. Et en guise de bonne foi, la firme lui signe sur-le-champ un chèque de 100 000 dollars pour financer son nouveau projet de fondation. À cette occasion, la chorale de garçons Saint-Thomas interprète, accompagnée d’un simple piano, Heal the World.

Le Dangerous World Tour n’est donc pas le moyen de promotion de l’album, mais une vraie opération de charity-business pour laquelle Michael veut désormais s’investir. Il est vrai qu’en matière scénique, il n’a plus rien à prouver à personne. Ici, son but est de rendre visite aux enfants malades ou pauvres du monde entier, de leur apporter soutien, réconfort et espoir. Michael explique son projet de fondation : « En composant la chanson Heal the World, je rêvais de l’entendre comme ils viennent de l’interpréter, avec cette innocence et cette beauté. Merci beaucoup, j’ai tellement aimé ce que je viens d’entendre. Je tiens à remercier Pepsi-Cola qui sponsorise la tournée Dangerous qui débutera en juin. La seule raison qui me pousse à repartir en tournée est l’opportunité de récolter des fonds pour ma nouvelle fondation Heal the World. Il s’agit d’une organisation internationale qui a pour but de venir en aide aux enfants et à l’écologie. Mon objectif est de récolter 100 millions de dollars d’ici Noël 1993. J’invite toutes les personnes morales et physiques qui se sentent concernées par l’avenir des enfants et de la planète à se joindre à moi pour lever des fonds pour cette œuvre de charité. La fondation Heal the World versera les fonds à Paediatric AIDS en l’honneur de mon ami Ryan White. Heal the World travaillera également avec d’autres structures comme Camp Ronald McDonald, Make-a-Wish Foundation, Juvenile Diabetes et la fondation Minority AIDS. J’ai hâte de repartir en tournée car cela me donnera l’occasion de rendre visite aux enfants à travers le monde. Et je m’efforcerai de répandre ce message d’amour universel, dans l’espoir que d’autres seront également touchés et nous aideront à guérir le monde. Merci d’être venus aujourd’hui, je vous aime tous. Merci. »

La conférence se conclut par la remise d’un prix pour les 10 millions d’exemplaires vendus de l’album « Dangerous ». En à peine deux mois, il s’est vendu deux fois plus rapidement que « Thriller » sur la même durée.

La fondation Heal the world monopolise Michael. Il s’investit corps et âme dans le développement d’activités caritatives. À la fin de l’année 1992, via sa fondation, Jackson fait envoyer des colis humanitaires à Sarajevo. Des enfants gravement malades sont également pris en charge médicalement, grâce à l’aide de la fondation. En 1994, après avoir visité un hôpital pour enfants en Hongrie, Michael ordonne que les frais médicaux d’un enfant dans l’attente d’une greffe de foie soient pris en charge par la fondation Heal the World.

Bien conscient du pouvoir de sa célébrité et de son image, il n’hésite plus à utiliser les médias pour lever des fonds pour sa fondation. C’est notamment le cas lorsque, en 1997, il vend les photos officielles de son premier fils, Prince Michael Junior, pour 3 millions de dollars reversés à Heal the World.

Malheureusement, Heal the World manque de régularité dans ses projets ainsi que de fonds importants. En 2002, elle met la clé sous la porte. Pour autant, Michael ne s’est pas arrêté là. Il a tenté le lancement du projet Heal the Kids avec son conseiller spirituel et associé, le rabbin Shmuley Boteach. Mais ses managers ne l’entendent pas de cette oreille et le poussent surtout à reprendre la musique, son métier. Assailli par la pression morale de ces derniers, Michael abandonne le projet Heal the Kids avant même sa naissance.

Si la fondation Heal the World n’a pas duré, le message de Michael Jackson résonne toujours aussi fort. Il ne cessera de défendre la tolérance, la protection de la vie, de la liberté et de la nature. Michael avait, on s’en rend bien compte aujourd’hui, un temps d’avance sur les enjeux majeurs du monde.

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UN RETOUR SUR SCÈNE INATTENDU

Dangerous World Tour
juin 1992-novembre 1993

À la fin du Bad World Tour de 1988, Michael Jackson avait annoncé et même juré qu’il s’agissait de sa dernière tournée. Lorsqu’il annonce, au début de l’année 1992, son grand retour sur scène à travers le Dangerous World Tour, il crée la surprise. Le public du monde entier va répondre présent dès la mise en vente des billets. Le Dangerous World Tour démarre en juin 1992 pour se finir en novembre 1993.

La base du Dangerous World Tour est le Bad World Tour. Le show est mis en scène par Kenny Ortega et Michael Jackson. Le Dangerous World Tour comporte des effets spéciaux de plus en plus sensationnels, et Kenny Ortega organise la scène en deux niveaux pour donner plus de profondeur aux numéros de danse de Michael. Ce dernier opère une sélection de chansons qui satisfait pleinement le public. Il y en a pour tout le monde. De ceux qui viennent écouter ses plus grands tubes au public plus jeune venu écouter les chansons de l’album « Dangerous ».

Après quelques concerts de rodage, le Dangerous World Tour est lancé sur les routes d’Europe, puis du Japon. Le show est impressionnant d’innovation. Michael décide de proposer une nouvelle vision du spectacle en mettant l’accent sur la vidéoscénie. Il s’agit de reproduire en live les sensations et émotions données par les vidéoclips. Un pari audacieux qui nécessite néanmoins des sacrifices. Notamment celui de ne pas chanter et jouer en live, mais d’être soutenu par du play-back. Michael Jackson se voit avant tout comme un showman et fonde tout sur la mise en scène et non l’aspect musical.

Vincent Paterson, son chorégraphe, l’explique : « À la fin des années 1970, j’ai travaillé avec Shirley MacLaine alors qu’elle effectuait une tournée mondiale. Nous jouions dans des petites salles avec quatre danseurs. Dès qu’elle devait danser, elle faisait du play-back. C’était une pratique qui n’était pas nouvelle. Michael chantait en live sur ses ballades, mais c’était plus difficile de chanter et de danser en même temps sur des titres rapides. Les numéros de danse de Michael étaient aussi importants que le chant pour ses fans, mais il fallait trouver une solution afin de lui permettre de danser de façon si énergique. C’étaient des compromis et des sacrifices à faire pour les besoins du show. »

Le Dangerous World Tour apparaît comme l’amplification du Bad World Tour. Les émotions sont décuplées du côté des fans et, partout où la tournée passe, Michael déclenche des scènes d’hystérie. Cette folie ne lui fait pas perdre la tête pour autant. Il sait pourquoi il est sur scène. Il porte son objectif dans son cœur et il multiplie les visites aux enfants malades dans les hôpitaux des grandes villes.

Le 1er octobre 1992, Michael se produit à Bucarest. Pour la première fois, il accepte que son spectacle soit filmé en intégralité pour être retransmis à la télévision. Aux États-Unis, c’est la chaîne HBO qui s’empare du sésame en rachetant les droits pour 20 millions de dollars et diffuse une version remontée du concert. La chaîne réalise alors sa meilleure audience. Ce live du Dangerous World Tour est également diffusé dans 21 pays, ce qui permet à Michael Jackson de toucher de nouvelles générations de fans qui découvrent son univers sur scène. Le concert intégral fera l’objet d’un DVD intitulé Live in Bucarest et publié en 2005.

En décembre 1992, Michael Jackson se produit au Japon et passe le réveillon du jour de l’An sur scène. Il rentre en début d’année chez lui pour quelques jours de repos avant de reprendre la promotion de l’album aux États-Unis.

Le 30 janvier 1993, Michael Jackson est l’invité de l’événement sportif de l’année aux États-Unis : le Super Bowl. Il devient très vite l’attraction de l’événement. Avec Vincent Paterson, il concocte un numéro qui permet aux spectateurs et aux téléspectateurs de vivre une expérience authentique et inédite. Tout d’abord, le numéro s’ouvre avec deux écrans diffusant des images de lui en train de danser. Puis il surgit de l’écran pour surplomber le stade. En réalité, le vrai Michael Jackson surgit, à la fin de cette introduction, d’une mini-scène placée au centre du stade. Michael chante trois titres : Jam, Billie Jean et Black or White avant d’enchaîner sur un medley We Are the World / Heal the World. Dès les premières notes de ce dernier, les spectateurs du stade sortent des cartons qui, assemblés, forment une série de dessins. Ils ont été réalisés par des enfants de Los Angeles. Enfin, l’énorme globe terrestre utilisé dans le décor de la tournée Dangerous surgit, entouré de centaines de figurants en costume traditionnel de différents pays. Pourtant, ici, le décor est fait de récupération des éléments du Bad World Tour. Vincent Paterson explique : « J’ai créé le show du Super Bowl sans avoir assisté à un concert du Dangerous World Tour. Cette performance n’a pas été conçue avec le spectacle en tête, mais de fait, cette tournée reprenait des éléments que j’avais chorégraphiés et dirigés pour le Bad World Tour, et que Michael a voulu utiliser par la suite : le vent, la fumée et le moment avec la guitariste… »

Le 24 août 1993, le Dangerous World Tour entame sa deuxième partie. Cela commence à Bangkok en Thaïlande dans un climat particulier pour Michael : c’est le début de l’affaire Chandler. Envahi par ses problèmes personnels, Michael perd son enthousiasme, et le Dangerous World Tour sa saveur initiale. Cela devient une sorte de chemin de croix pour l’artiste qui est anxieux et dévoré par le stress. Finalement, Michael arrête cette tournée le 11 novembre 1993 à Mexico. Dans un communiqué de presse, il fait part de son état de fatigue et de sa dépendance aux analgésiques. Ensuite, il part en cure de désintoxication dans un hôpital de Londres.

Malgré tout, le Dangerous World Tour reste une tournée mythique pour sa performance scénique. Elle est la démonstration du savoir-faire d’un artiste hors norme, qui a repoussé les limites pour une cause caritative et transmis son message de paix.

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UN NOUVEL ALBUM SURPRENANT ET EXTRAVAGANT

« HIStory: Past, Present and Future »

15 juin 1995

En février 1994, Michael Jackson entre en studio. À la base, il veut reprendre son projet « Decade » avorté en 1989. Au départ, le projet de HIStory est une compilation de ses plus grands tubes, agrémentée de 3 à 5 titres inédits. Mais au mois de juin, le projet prend une autre tournure et s’affine. Ce sera finalement un double album. Le premier disque sera une compilation de ses tubes, comme initialement prévu. Le second disque sera, lui, fait de 15 titres inédits, autrement dit, un nouvel album.

Le nom de l’album, « HIStory », est une idée suggérée par Dan Beck, le chef de produit de Epic Records. C’est un jeu de mots avec « his » et « story » voulant dire « son histoire ». Michael adhère tout de suite à ce nom.

Les séances d’enregistrement débutent le 5 février 1994. Les masters sont remis à Sony Music fin mars 1995. Michael a travaillé plus vite que prévu, ce qui satisfait pleinement sa maison de disques. La star souhaite revenir surtout au plus vite devant les médias pour exprimer sa douleur et la souffrance des derniers mois dues à ses problèmes personnels.

Pour cet album, Michael rejoint Bruce Swedien aux studios Hit Factory de New York. Il n’y avait plus remis les pieds depuis The Wiz, en 1977. Ce choix s’explique en partie par son besoin de s’éloigner de son quotidien californien, de prendre ses distances avec ce qui le tourmente et de se mettre « au vert ». New York, chaudron artistique majeur de ces années 1990, semble être le lieu idéal pour créer. Mais cela n’enchante pas Sony qui finance le projet. Ici, comme on n’est plus sur place, « à la maison », pour enregistrer dans son studio, forcément, les frais sont multipliés.

Le premier disque est donc un best-of baptisé « HIStory Begins ». Sony Music commence par sélectionner 26 singles de Michael Jackson. Pour n’en garder que 15, la maison de disques demande à ses filiales à travers le monde de voter. Les chansons ayant obtenu le plus grand nombre de votes sont retenues. Michael Jackson s’occupe de l’ordre sur le disque.

Le second disque est baptisé « HIStory Continues ». Nouvel album donc, sur lequel apparaissent deux compositions majeures de Michael : Chilhood et Stranger in Moscow. À travers elles, il traduit ses sentiments profonds vécus dans la tourmente avec la justice. La chanson Earth Song est née durant son passage en Autriche lors du Bad World Tour de 1988. Elle avait failli se retrouver sur l’album « Dangerous » avant d’être rangée.

Au total, Michael Jackson compose 7 chansons sur les 15 nouvelles publiées. Il en produit 5 et confie le reste aux nouveaux venus dans son aventure musicale : Jimmy Jam et Terry Lewis. Originaires de Minneapolis, ils ont fondé le groupe The Time. Michael les connaît car ils ont participé au lancement de la carrière solo de sa sœur Janet. Ce duo de producteurs est une machine à tubes. Ils savent aussi bien faire du son de rue que s’adapter en produisant pour des bandes originales de film. Le groupe soul produit par Motown, Boyz II Men, les engage pour réaliser son premier album, qui s’est vendu à plus de 12 millions d’exemplaires aux États-Unis seulement. Pour « HIStory Continues », Lewis et Jam réalisent 4 titres. Le reste est réalisé par des producteurs de talent indépendants, notamment R. Kelly, qui vient de se lancer avec brio dans une carrière solo.

« HIStory » mélange les genres. Michael délivre sa vision de la musique, sans limites. Il ne se refuse rien et part parfois dans tous les sens, mais avec maîtrise et excellence, toujours. Son message, ici, est général : il se préoccupe du devenir écologique de la planète, et des diverses souffrances que subit le monde. C’est un nouvel homme, blessé, cabossé, qui repart à la conquête du monde et des charts, remettant en jeu son titre de « roi de la pop ». Michael délivre une nouvelle fois, sans filtre, ses sentiments les plus profonds. Cet album est un témoignage personnel.

Le 15 juin 1995, l’album sort dans les bacs. Sony Music ne lésine pas sur les moyens pour le promouvoir et investit 30 millions de dollars. Le label Epic demande à Michael une idée pour lancer l’album. Ce dernier répond avec une spontanéité naturelle et déconcertante : « Construisez une statue pour moi. » Idée assez mégalomane mais qui correspond finalement bien à sa folie des grandeurs et à l’estime qu’il a de lui-même. Ainsi, le jour de la sortie de « HIStory », 9 statues géantes de Michael sont distribuées à travers le monde. À Londres, sa statue, haute de 10 mètres de haut, défile sur la Tamise, puis elle sera exposée un peu partout dans le pays. Le 29 juin, une autre statue se retrouve sur la place Alexander de Berlin.

Rupert Wainwright réalise le teaser publicitaire de « HIStory », diffusé sur MTV à partir du 22 mai 1995. On y voit Michael à Budapest, marchant dans la ville qui attend son retour. Il est à la tête d’une armée qui est ovationnée par des fans hystériques. Sa fameuse statue apparaît à la fin du clip, illuminée par des projecteurs. Ce clip coûte 4 millions de dollars. Dan Beck réalise la part surréaliste qui anime Michael : « La boîte de production en charge de ce film m’appelait en pleine nuit pour me dire “Michael veut encore plus de soldats”. Il rêvait grandeur nature. C’était digne de Phineas Taylor Barnum. »

Après la première diffusion du clip, les réactions sont vives. Le Los Angeles Times n’y va pas avec le dos de la cuillère : « Ce clip dépasse les limites de l’autocélébration pour probablement ressembler à l’autodéification la plus vaniteuse qu’un chanteur pop ait daigné partager avec son public, en tout cas de façon aussi ouverte. »

Michael et son épouse Lisa Marie Presley accordent une interview en direct à la journaliste Diane Sawyer pour une émission spéciale en prime time le 15 juin. La journaliste ne manque pas de faire part des réactions virulentes à l’encontre de son teaser, ce qui fait exulter Michael. Pour lui, les médias sont tombés dans le piège, la farce tendue. Il s’en amuse, car c’était une manière pour lui de réinventer les codes de promotion habituellement appliqués pour vendre un album. Les médias se vexent. Les fans, eux, le soutiennent toujours de manière inconditionnelle. Même si cette extravagance surprend. Son combat contre l’injustice devient le leur, aveuglément.

Cela n’empêche pas « HIStory » de faire un démarrage exceptionnel. Près de 400 000 exemplaires se vendent en une semaine, dépassant ainsi le célèbre « Live at the BBC » des Beatles qui détenait jusque-là le record. En Angleterre, c’est près de 100 000 copies écoulées en deux jours seulement ! « HIStory » se classe directement numéro 1 des ventes dans une vingtaine de pays au début du mois d’août 1995, et 7,5 millions d’exemplaires sont alors vendus à travers le monde.

Ce chiffre exceptionnel démontre que la stratégie d’utilisation des médias pour la promotion de l’album, et la diffusion massive dans les magasins de disques, a parfaitement fonctionné. Il est aussi évident que Michael Jackson est toujours aussi populaire à travers le monde.

La tournée HIStory démarre le 7 septembre 1996 à Prague pour se terminer le 15 octobre 1997 en Afrique du Sud. Elle comptabilise 4,5 millions de spectateurs sur 82 concerts et dans 58 villes du monde. Les bénéfices de cette tournée « historique » deviennent un record toujours d’actualité avec plus de 163,5 millions de dollars.

Aux États-Unis, malheureusement, « HIStory » ne trouve pas le succès escompté. Ses singles ne touchent pas le grand public et, à peine classés, disparaissent des charts. Pour recoller à son public américain, deux concerts événements sont prévus au Beacon Theatre de New York en décembre 1995. Un rendez-vous crucial car Michael ne s’est plus produit sur ses terres depuis 1989. C’est la chaîne HBO qui produit ce projet d’envergure intitulé Michael Jackson: One Night Only. Malheureusement, quand ça ne veut pas, ça ne veut pas. Quelques jours plus tôt, le 6 décembre, Michael Jackson s’écroule en pleine répétition et est emmené aux urgences du Beth Israel Medical Center. Les deux concerts événements sont donc annulés.

L’album « HIStory » poursuit sa carrière en Europe principalement. Le single Earth Song est un véritable triomphe avec plus de 1 million d’exemplaires et reste classé durant six semaines à la 1re place des charts britanniques.

« HIStory » s’inscrit comme une œuvre majeure dans la carrière de Michael Jackson. Il a mis en exergue ses dissensions éternelles avec les médias, mais aussi le lien toujours aussi fort qu’il a avec ses fans. Au final, « HIStory » devient le double album le plus vendu de l’histoire de la musique avec plus de 15 millions d’exemplaires à travers le monde. Belle performance pour un retour !

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LE DUO TANT ATTENDU

Scream – Single

29 mai 1995

Le 29 mai 1995, Scream est le premier single de promotion de l’album à sortir. Il s’agit d’un duo que Michael partage avec sa sœur Janet. C’est la première fois de sa carrière que Michael chante officiellement avec sa petite sœur. Janet Jackson s’est imposée depuis la fin des années 1980 et le début des années 1990 en véritable star féminine de la pop US. Ce duo crée bien évidemment la surprise sur la forme. Musicalement, Scream est une chanson à la mélodie assez simple chargée de synthétiseur et d’effets de programmation. Produite par Jimmy Jam et Terry Lewis, elle semble pourtant être le titre idéal pour lancer ce nouvel album « HIStory ».

Dans les paroles, Janet et Michael se plaignent ouvertement des travers des médias qui ont vendu leur âme au diable, leurs valeurs et leur éthique pour le business et l’argent. Pour la première fois dans une de ses chansons, visiblement très remonté, Michael lâche le mot « fuck ». Les singles de Scream comportent un bandeau de mise en garde.

Dave « Jam » Hall produit des remix sur des ambiances R&B. Le groupe Naughty by Nature, qui a déjà samplé les Jackson Five, reprend Scream sur une ambiance laidback.

Le single Scream fait sensation et déboule à la 5e place du top américain. Il se classe 4e en France et 3e en Angleterre.

Le clip de Scream fait également sensation et devient rapidement l’un des plus emblématiques des années 1990. Pour sa réalisation, Sony Music délivre un budget dingue de 7 millions de dollars, et fait de Scream le clip le plus cher de l’histoire.

Le réalisateur Mark Romanek est choisi. Il est notamment connu pour avoir réalisé le clip Are You Gonna Go My Way de Lenny Kravitz. Pour le clip de Scream, il scénarise une ambiance futuriste dans laquelle Michael et Janet sont isolés, loin du monde, mais toujours au courant de ce qu’il s’y passe. Dans ce vaisseau spatial, il conserve les plus belles œuvres d’art pour oublier le pire de ce monde.

Romanek témoigne : « Étant un très grand fan de Michael Jackson, j’étais très nerveux à l’idée de le rencontrer. Michael était sans aucun doute excentrique, mais à ma plus grande surprise, il était chaleureux, curieux, drôle et pas caractériel. J’ai été frappé de voir à quel point cette mégastar légendaire redevenait un frère facétieux et protecteur comme les autres dès que Janet était dans le coin. J’ai saisi l’opportunité de discuter avec lui entre les prises et il ne cessait de détourner la conversation de lui. Il m’a posé des questions sur mon enfance, sur mes films préférés, sur la religion à laquelle j’appartenais, etc. Au cours de ces dix jours de tournage, j’avais l’impression d’avoir le meilleur job sur terre. Et je pense, sûrement, que c’était bien le cas. »

Dès sa première diffusion à la télévision, le clip crée l’événement. En France, il est diffusé lors du journal de 20 heures sur la chaîne TF1. C’est la première fois que le clip d’un artiste est diffusé en intégralité durant un journal télévisé. Grâce à cette prestation des Jackson et à la réalisation de Romanek, le clip remporte le Grammy Award du meilleur clip de l’année, et le Billboard Music Video Award de l’année 1996.

Enfin, lors des MTV Awards de 1995, le single est nominé à 11 reprises et remporte 3 prix, dont celui du meilleur clip.

En 2005, le DVD Director’s Series volume 4 consacré à Mark Romanek est commercialisé. C’est un documentaire sur la façon de travailler et les secrets de tournage du réalisateur. Le clip y figure, agrémenté de deux plans qui n’étaient pas présents dans la version de 1995.

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« C’EST LA CHANSON LA PLUS HONNÊTE QUE J’AIE PU ÉCRIRE. »

Childhood – Single

29 mai 1995

Epic, le label de Michael Jackson, décide de lancer deux singles le même jour, en guise de promotion du double album « HIStory ». Deux singles, deux ambiances différentes. Scream est très énergique, rock, énervé. Childhood est à l’opposé. Une chanson douce, calme, portée par un orchestre symphonique. Dans les paroles, Michael raconte son enfance gâchée et perdue. Et dans sa complainte il demande qu’on essaie de l’aimer avant de le juger. C’est une chanson qui, indirectement, s’adresse aux médias. Lors d’une émission sur la chaîne CBS en décembre 2003, Michael délivre quelques éléments de réponse personnels : « Si vous souhaitez vraiment en savoir plus sur moi, il y a une chanson que j’ai écrite… C’est la chanson la plus honnête que j’aie pu écrire. Elle est très autobiographique, elle s’appelle Childhood. Mes fans devraient l’écouter. »

C’est Bruce Swedien qui suggère à Michael l’idée d’arranger Childhood autour d’un orchestre. Michael Jackson accepte bien volontiers la recommandation de son ami et collaborateur de longue date. Ils sollicitent alors Jeremy Lubbock, célèbre chef d’orchestre et arrangeur. Cette nouvelle collaboration enchante Michael. Lubbock retrouve Michael et Bruce aux studios Hit Factory de New York. Ils enregistrent la musique de Childhood dans les conditions du direct.

Très rapidement, ce single remporte les suffrages du public de Michael Jackson. La sincérité et l’authenticité qui transparaissent des paroles touchent profondément son public. Ce single devient l’un des plus emblématiques du double album « HIStory ». Sa résonance est telle qu’il est choisi pour être la bande originale du film Sauvez Willy 2.

Nick Brandt est chargé de réaliser le clip de Childhood. Dans ce dernier, Michael apparaît seul assis au milieu d’une forêt, en pleine solitude. Il regarde vers le ciel et aperçoit alors des enfants à bord de bateaux volants. Il ne rêve que d’une chose : les rejoindre pour retrouver son insouciance volée.

C’est au Sequoia National Park que l’équipe de production s’est installée pour filmer le clip. La séquence des bateaux volants dans le ciel est inspirée de deux références majeures, l’une étant le poème d’Eugene Field intitulé Wynken, Blynken, and Nod. L’autre est Peter Pan, le roman de J. M. Barrie datant de 1953. L’univers de l’œuvre de Barrie a toujours nourri l’imaginaire de Michael Jackson, à tel point qu’il l’a réalisé grandeur nature à travers sa propriété Neverland.

Malheureusement, si l’œuvre de Field et de Barrie, comme celle de Disney, porte les marques de l’insouciance et de l’espoir éternel, le clip de Childhood se finit sur une note triste sur le chanteur assis au milieu de la forêt. Néanmoins, en s’inspirant de ces deux œuvres, Brandt réussit à faire un joli clip intemporel.

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UN SLOW QUI BAT TOUS LES RECORDS

You Are Not Alone – Single

15 août 1995

Le 15 août 1995, le deuxième single de promotion de l’album est diffusé sur les ondes. Il s’agit de la chanson You Are Not Alone. Ce slow réalise d’emblée un record en se plaçant directement à la 1re place du Billboard américain.

Ce titre a été composé par l’artiste R. Kelly qui le propose à Michael Jackson durant l’année 1994. Les paroles étant autobiographiques, Kelly songe dans un premier temps à le soumettre à la chanteuse Joi. Finalement, c’est à Michael Jackson qu’il revient. Il en tombe instantanément amoureux et décide de l’enregistrer. Sur une belle mélodie triste, la musique est une sorte de slow simple, classique, mais efficace. À l’heure où le R&B domine les charts américains, Your Are Not Alone prend le contre-pied et crée la surprise.

Toutefois et malheureusement, un incident vient entacher le succès de la chanson. En Belgique, Eddy et Danny Van Passel, un duo de frères compositeurs, portent plainte en justice pour plagiat. Ils ont composé une chanson qui ressemble fortement à You Are Not Alone. Comme toujours, les médias s’en donnent à cœur joie et publient en une le titre « Michael Jackson accusé de plagiat ». Le raccourci est trop facile pour s’en prendre au « roi de la pop ». Celui qui est visé par la plainte est l’auteur et compositeur de la chanson, R. Kelly. Il faudra douze ans de bataille juridique devant le tribunal de Bruxelles pour que les frères obtiennent justice. Ils récupèrent ainsi les droits d’auteur qui leur sont dus, mais uniquement sur le territoire belge.

Le single reste un immense succès certifié disque de platine et classé numéro 1 dans plusieurs pays, notamment en France, en Angleterre, en Irlande ou encore en Suisse.

Wayne Isham est choisi pour réaliser le clip de You Are Not Alone. Auparavant, il a collaboré avec de grands artistes rock comme Bon Jovi. Pour Michael Jackson et son single, il imagine une esthétique lisse. Les deux hommes avaient déjà travaillé ensemble, ils se rejoignent donc facilement sur l’idée d’illustrer la solitude amoureuse qu’expriment les paroles de la chanson.

Pour tourner le clip, ils se rendent au Pantages Theatre d’Hollywood, puis au Raleigh Stages de New York pour les scènes avec la piscine. Concernant les « extérieurs », c’est dans la « vallée de la mort » et au lac Powell dans l’Utah que les prises de vue se font.

Michael Jackson apparaît seul la plupart du temps dans ce clip. La première séquence le montre assailli par les flashs des photographes, comme pour dénoncer ce harcèlement. Alors, pour éviter cette pression médiatique, il part s’isoler de ce monde dans des paysages apaisants. Mais il a beau faire le tour du monde, la sérénité et la paix intérieure qu’il recherche ne s’y trouvent pas forcément.

Ensuite, Michael décide de faire intervenir son épouse, Lisa Marie Presley, dans une scène dénudée. Elle est inspirée d’un tableau de Maxfield Parrish baptisé Daybreak.

Isham raconte : « J’ai réalisé tellement de clips que plus grand-chose ne m’étonne. Chaque chose a son caractère spécial. Mais celle qui reste au sommet du classement est le clip You Are Not Alone de Michael Jackson. Nous avions prévu tous ces éléments pour le clip et d’un coup Michael a eu cette idée d’utiliser une ambiance classique proche des tableaux et des scènes grecques. Et il voulait apparaître nu avec sa femme Lisa Marie Presley. Comme s’ils étaient des dieux grecs. Cela n’avait rien à voir avec le reste du clip que nous étions en train de mettre en boîte, mais je lui ai dit : “OK, pas de problème. On peut tourner ça.” On a préparé la scène et nous étions prêts à filmer, et il m’a demandé de le suivre dans sa loge. “Tu lui as demandé ?” m’a-t-il dit. Il voulait que je lui demande si elle voulait bien apparaître dans le clip. Il était trop timide. Et nous avons tourné cette scène. »

Il a fallu cinq jours de tournage, ainsi que cinq jours de postproduction pour monter le clip aux Pacific Ocean Studios et aux 525 Productions de Santa Monica. Diffusé pour la première fois le 28 juillet 1995 sur la chaîne MTV dans le cadre d’une émission consacrée à Michael, le clip a été envoyé à la chaîne de télévision avec un Post-it mettant en avant la scène dénudée de Michael et son épouse. À travers cette séquence, beaucoup s’interrogent pour savoir si c’est un coup marketing, ou bien tout simplement une démonstration d’affection du couple. Néanmoins, les années ont démontré le lien fort qui unissait Lisa Marie à Michael.

Il existe une autre version du clip sur le DVD Michael Jackson: HIStory on Film Volume II. Michael est alors totalement seul, sans son épouse. Il apparaît comme un ange dont la mission est de répandre l’amour.

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LE PLUS GRAND HYMNE POUR LA PLANÈTE

Earth Song – Single

9 novembre 1995

Le 9 novembre 1995, le troisième single de promotion est lancé. Il s’agit de la chanson Earth Song, qui s’inscrit dans la tradition des hymnes que Michael a lancée depuis We Are the World. Cette fois-ci, il s’agit d’un hymne pour la planète. Earth Song a été composée en 1988, elle avait été enregistrée lors des sessions de l’album « Dangerous ». À l’époque, Michael avait préféré conserver sa chanson Heal the World comme hymne de l’album.

Il apparaît que Earth Song complète une trilogie qui ne dit pas son nom. Matt Forger confirme : « Michael voulait assembler, un poème, une chanson et une œuvre jouée par un orchestre et en faire une suite. Planet Earth était le poème en question. J’ai enregistré ce poème pendant les sessions de “Dangerous”, mais il n’est apparu que sous forme de textes imprimés à la fin du livret. Earth Song a été finalisée plus tard pour “HIStory”. La troisième partie de cette œuvre reste à ce jour inédite. »

La chanson est produite par Michael Jackson et Bill Bottrell. La structure musicale évolue crescendo, jusqu’au final où Michael lance en hurlant ses interrogations sans réponse, soutenu par une chorale gospel. Earth Song est un hymne pour l’environnement et l’écologie. En 1995, ces sujets ne touche pas grand monde. Trop peu d’artistes s’en préoccupent alors.

Earth Song ne sort pas sur le marché américain. Il est lancé en Europe où il fait immédiatement sensation. C’est le cas en France où il se classe 2e et devient rapidement disque d’or avec 250 000 exemplaires vendus. Il fait encore mieux en Angleterre en se classant 1er, avec 1 million d’exemplaires vendus. C’est aussi le cas en Allemagne où il culmine durant six semaines à la 1re place des charts. Le public européen est une nouvelle fois au rendez-vous pour Michael.

Nick Brandt est désigné réalisateur du clip de Earth Song. Ce dernier est réalisé sur quatre continents : Amérique du Sud, Afrique, Europe et Amérique du Nord.

En Afrique, le réalisateur tombe littéralement sous le charme des paysages de ce continent. Portant un réel intérêt à l’écologie, après la réalisation du clip, il décide tout bonnement de quitter Los Angeles pour s’installer en Afrique et se consacrer à la photographie de la nature et des animaux.

Connaissant l’intérêt de Nick Brandt pour l’environnement, Michael Jackson lui donne carte blanche pour réaliser son clip. Le réalisateur raconte : « Michael me laissait toujours venir avec mes propres idées. Pour un réalisateur de clips, c’est un vrai régal. Pas seulement parce qu’il s’agissait de Michael, mais aussi grâce aux budgets élevés qui étaient accordés. »

Le clip débute avec des images du monde entier où la nature est paisible et non menacée. Au fil de la progression de la chanson, ce monde évolue, agressé par la pollution. Et puis c’est l’implosion où les éléments se déchaînent littéralement. Le reste d’espoir se trouve en des hommes et des femmes qui, en spectateurs déstabilisés et impuissants, s’unissent pour tenter de stopper ces catastrophes naturelles. Le message est clair : si l’homme est le seul responsable et coupable du pire pour la planète, il peut aussi changer le cours des choses positivement.

Les sites choisis pour tourner ce clip « coup de poing » démontrent à quel point la pollution a fait des dégâts : les coins de la forêt amazonienne figurant à l’image n’existent plus. En Tanzanie, la tribu des Masais est sollicitée pour apparaître à l’image dans son propre village. Les images d’animaux maltraités sont des images d’archives documentaires. Enfin, si les scènes montrant la forêt en feu ont été créées en banlieue de New York, les forêts de Long Island et du New Jersey prenaient réellement feu. Brandt raconte : « Certains membres de l’équipe de tournage étaient cyniques, mais lorsque Michael s’est mis à chanter juste après minuit, ils se sont tous ravisés. »

Malheureusement, aujourd’hui encore, le clip de Earth Song est plus que jamais d’actualité. La pollution n’a cessé de croître et les catastrophes naturelles n’ont cessé de se produire un peu partout sur le globe. Si l’écologie et l’environnement sont devenus de réels sujets de société et des enjeux d’avenir, Michael Jackson a été un précurseur dans cette cause.

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UN CRI DE COLÈRE CONTRE LE RACISME

They Don’t Care About Us – Single

18 mars 1996

Quatrième single de promotion de l’album « HIStory », They Don’t Care About Us, sort le 18 mars 1996. Écrit, composé et produit par Michael Jackson sur un rythme tribal, They Don’t Care About Us est une nouvelle surprise.

Une nouvelle fois, l’artiste sollicite la collaboration du guitariste Slash pour ajouter de la profondeur et de la puissance à la chanson. Il y a des similitudes évidentes entre ce single et le tube de John Lennon Give Peace a Chance. D’ailleurs, Michael Jackson a toujours été un grand fan de l’ex-Beatles. Il ne serait pas étonnant qu’il se soit inspiré de sa chanson pour créer They Don’t Care About Us. Les deux font une énumération des fléaux du monde.

Michael pousse un cri de colère. Il dénonce la stigmatisation de tous les peuples. Une tendance qui s’est banalisée au fil des ans et qui n’a fait que croître. Son message ne passe pas bien partout. La communauté juive se sent profondément offensée par les paroles où Michael chante « jew me », qu’on peut traduire par « traitez-moi de juif ». La seule utilisation du mot « juif » déclenche la colère de la communauté. C’est alors que plusieurs associations accusent l’artiste d’antisémitisme. Le réalisateur Steven Spielberg, pourtant ami de Michael, prend part au conflit et s’oppose à Jackson.

Michael ne s’attendait pas à cette réaction. Il est blessé et se sent incompris. Il accepte néanmoins de modifier les paroles et de les réenregistrer. Plus tard, il publie un communiqué dans le livret de l’album « HIStory » qui figurera sur les nouveaux pressages : « Il y a eu une grande polémique au sujet de ma chanson They Don’t Care About Us. Mon but était de dire non au racisme, à l’antisémitisme et aux stéréotypes. Malheureusement, les paroles que j’ai choisies ont blessé les personnes auxquelles je souhaitais montrer ma solidarité. Je tiens à ce que vous sachiez tous à quel point je suis dévoué à la tolérance, la paix et l’amour. Je m’excuse auprès de toutes les personnes qui ont pu être blessées. Avec tout mon respect, Michael Jackson. »

Malgré ce message, le mal est fait, et une sale réputation est faite à la chanson aux États-Unis. La sortie du single prévue en mars est reportée de quelques semaines. En Europe, la chanson entre dans le top 10 des charts de plusieurs pays. Numéro 1 en Italie et en Allemagne, elle se classe numéro 4 en France.

Michael Jackson sollicite le légendaire Spike Lee pour réaliser le clip de la chanson. En 2009, Lee s’exprime à travers le magazine Time et raconte comment ça s’est passé : « Un jour Michael m’a appelé et m’a dit : “Spike, je veux te rencontrer, je viens à New York.” Je lui ai répondu : “Où veux-tu que l’on se voie ?” Il m’a lancé : “Je veux venir chez toi.” J’habite à Brooklyn ! Il veut venir chez moi ! Il est donc venu chez moi à Brooklyn, New York. C’était à l’époque où je vivais à Fort Greene. Il m’a demandé de réaliser une vidéo pour lui : “Mon album vient de sortir, choisis une chanson.” On a alors écouté toutes les chansons, et j’ai choisi Stranger in Moscow. Il m’a alors dit qu’il ne voulait pas que je réalise celle-ci. Je lui ai répondu : “Michael, dis-moi simplement quelle chanson tu veux que je mette en images ! Pourquoi me demander de choisir ?” Il s’est mis à rigoler et a fini par me dire qu’il voulait que je réalise le short film They Don’t Care About Us. Voilà comment cela s’est passé ; Michael était un citoyen de ce monde. Je lui ai dit : “Mike, allons au Brésil pour tourner ce film.” Il m’a répondu : “Allons-y, Spike !” C’est génial de travailler avec des gens qui parlent comme ça, ce n’est pas une question de budget. Il voulait le faire ? On allait le faire ! »

Début février 1996, Michael Jackson et Spike Lee débarquent à Rio de Janeiro dans le bidonville Dona Marta. La municipalité de la ville ne voit pas ce tournage de la star d’un très bon œil. Elle estime même que ce futur clip peut nuire à l’image du Brésil. C’est finalement un ministre brésilien qui autorise le tournage malgré les contestations de plusieurs députés.

D’autres difficultés viennent se mettre en travers du tournage du clip au Brésil. La presse locale divulgue des rumeurs disant que Michael Jackson aurait acheté des gangs locaux pour pouvoir tourner son clip dans les quartiers difficiles. Cela n’est pas sans rappeler le clip Beat It, dans lequel Michael avait engagé des voyous pour danser à ses côtés. Ici, Michael Jackson recrute de simples habitants du quartier pour assurer sa sécurité et la sérénité du tournage.

Michael Jackson n’est pas au bout de ses peines. Après la diffusion du clip sur la chaîne MTV, les associations juives, en colère, remontent au créneau. Elles se sont rendu compte que le play-back qui a servi pour le tournage du clip est la première version de la chanson contenant les paroles offensantes.

Spike Lee veut faire une autre version du clip. Cette fois-ci, rendez-vous dans un studio new-yorkais. Un décor de prison est reconstitué. Le réalisateur et l’artiste veulent être plus directs avec les paroles de la chanson. Au montage, de nombreuses images d’archives violentes et brutales apparaissent. Un enfant se cache les yeux pour ne pas voir les horreurs du monde. Cette version présente des plans violents, mettant en avant les cris des opprimés.

Avec ces deux clips polémiques, Michael Jackson subit un boycott inouï qui marque sa carrière. Aux États-Unis, la version de l’univers carcéral est jugée bien trop violente, elle est rapidement exclue des chaînes musicales. Pourtant Michael Jackson avait pris le soin de rédiger un message diffusé au début du clip : « Ce film traduit le besoin de voir l’espoir s’élever contre les injustices causées par les hommes entre eux, et le besoin de prier pour que les hommes s’unissent contre la haine que nous avons vue à travers les siècles et à travers le monde. En aucun cas ce film ne cherche à dégrader ou pointer du doigt quelconque race ou religion. Il s’agit plutôt d’une tentative d’élever les esprits et les pensées de chacun d’entre nous. »

Malheureusement pour lui, le texte est coupé lors des diffusions du clip. They Don’t Care About Us aurait mérité meilleur sort, tant son message était inoffensif au premier abord. L’ambiguïté et le malentendu l’ont condamné avant de lui donner sa chance.

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UNE PÉPITE TROP SOUVENT OUBLIÉE

Stranger in Moscow – Single

12 septembre 1996

Le cinquième et dernier single de promotion de l’album « HIStory » sort le 12 septembre 1996 sur les ondes. Il s’agit du chef-d’œuvre Stranger in Moscow. La chanson a été écrite et composée par Michael Jackson, alors qu’il se trouvait à Moscou lors du Dangerous World Tour en septembre 1993. Cette chanson qui parle de la solitude est introduite longuement par une pluie fine, puis lancée par des bruitages buccaux en guise de percussions. L’artiste fait part d’un certain désespoir, perdu dans ce monde. Les paroles à la fin de la chanson sont dites par un agent russe.

Steve Lukather pose sa guitare et crée un riff en forme de colonne vertébrale au morceau. Un riff mélodieux, nostalgique, qui traduit si bien le sentiment d’abandon qui étreint Michael Jackson. Ce dernier raconte, le 10 novembre 1996 à la télévision, la naissance de cette chanson particulière : « Les paroles de cette chanson sont totalement autobiographiques, notamment quand vous entendez ces mots : “Abandonné ici dans ma gloire, Armageddon du cerveau”. À l’époque, nous étions en tournée à Moscou, et c’était vraiment ce que je ressentais… Seul dans ma chambre d’hôtel, et il pleuvait… Et j’ai simplement écrit cette chanson. »

La pochette du single est réalisée par le photographe et illustrateur français Christophe Boulmé. Michael Jackson a toujours apprécié son travail et le sollicite pour la première fois. Le single sort alors que Michael entame sa tournée HIStory. Une nouvelle fois, le label de l’artiste, Epic, sort sur le CD single des remix en tous genres : du R&B à la house, en passant par la dance. Stranger in Moscow permet de relancer les ventes du double album « HIStory ». Il faut dire que la promotion en avait pris un sacré coup avec la sortie polémique de They Don’t Care About Us. En Europe, le single est bien accueilli, mais aurait pu faire bien mieux. Seule l’Espagne le place en tête de ses charts durant quatre semaines consécutives. Il se classe 4e en Angleterre et 18e en France.

Aux États-Unis, le single ne sort qu’au mois d’août 1997, dans le cadre d’un nouvel événement discographique (à savoir l’album de remix « Blood on the Dance Floor »). Malheureusement, le titre Stranger in Moscow passe totalement inaperçu et se classe lamentablement à la 91e place. Le décalage qui existait entre les marchés américain et européen est devenu un fossé évident aux yeux de Michael Jackson.

C’est une nouvelle fois l’ami Nick Brandt qui est sollicité pour réaliser le clip. Rendez-vous dans un hangar de Van Nuys en juillet 1996. Le scénario est de Michael Jackson. Il prévoit de marcher seul au milieu d’une grande ville où la vie est au ralenti. D’autres personnages sont suivis à travers ce clip réalisé en noir et blanc. Ce choix permet d’accentuer la mélancolie qui se dégage de la chanson, car c’est bien de spleen et de solitude qu’il est finalement question en fil rouge de l’album « HIStory ». Michael Jackson baigne dans une déprime et un désespoir de l’humanité qui transparaissent dans son œuvre ainsi que dans ses clips. Lui, l’idole et le héros de toute une génération, lui, l’artiste surpuissant qui repoussait toutes les limites de son temps, laisse apparaître sa fragilité et sa vulnérabilité à travers ce clip où il déambule sous la pluie. C’est une image forte et rare à la fois, qui touche le public et dont le message est sincère. Le clip de Stranger in Moscow devient alors le témoignage d’un homme acculé et persuadé d’être abandonné par la terre entière.

Ce single clôture la promotion de l’album « HIStory ». C’est un véritable chef-d’œuvre qui mérite amplement d’être écouté et réécouté tant il porte une puissance transcendante à travers sa mélodie et sa musique.

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UNE TOURNÉE MONDIALE SOUS CONTRAINTE

HIStory World Tour
septembre 1996-octobre 1997

La perspective d’une nouvelle tournée mondiale, en l’occurrence le HIStory World Tour, n’enchante pas du tout Michael Jackson. L’idée le fatigue d’avance. Le malaise qui a provoqué l’annulation du spectacle événementiel de la chaîne HBO en fin d’année 1995 attestait déjà du stress et de l’anxiété qu’il éprouve.

Malheureusement, Sony Music fait pression sur lui. Pour la maison de disques, le double album ne se vendra pas uniquement à coups de singles et de vidéoclips. L’investissement financier a été si lourd qu’il faut aller au bout de la démarche. Michael le sait trop bien, il devra remonter sur scène. Il se résigne alors à préparer un nouveau spectacle qui sera plus un show qu’un concert. L’orchestre est réduit au minimum, principalement remplacé par les bandes play-back.

Finalement, le show HIStory World Tour dure près de deux heures et demie. C’est le spectacle le plus long de la carrière de Michael. Mais Michael va faire ce qu’il sait faire et a déjà fait par le passé : il ressort des chorégraphies devenues classiques, issues des précédentes tournées, sans créer de nouvelles surprises.

Chaque séquence est introduite par des vidéos sur écran géant. Sur scène, Michael paraît plus désinvolte que jamais voire, par moments, nonchalant. Néanmoins sa manière de danser reste éclatante et éblouissante. Il a vraiment la danse dans le sang, et n’a pas faibli physiquement. Cela est d’autant plus impressionnant qu’il fête ses 39 ans durant le HIStory World Tour.

C’est à Prague que la tournée mondiale historique débute le 7 septembre 1996. Michael, fidèle à lui-même, profite de chaque ville où passe la tournée pour aller rendre visite aux enfants malades dans les hôpitaux. Et comme d’habitude, il n’arrive pas les mains vides puisqu’il distribue des jouets et fait des dons d’argent importants.

Le 1er octobre 1996 a lieu un concert événement : c’est la première fois que Michael se produit en Tunisie. Quelques mois auparavant, Michael Jackson a créé avec le prince Al Waleed la société de production Kingdom Entertainment. Le 19 mars 1996, Michael publie un communiqué via la société Kingdom : « Ce concert représente beaucoup pour moi car c’est le premier que je donne en Afrique et dans le monde arabe. Les gens et les pays de ces deux régions ont toujours occupé une place particulière dans mon cœur et j’ai toujours voulu jouer pour eux. Je suis particulièrement heureux de donner ce concert en Tunisie, un pays tolérant et pacifique qui se soucie de façon égale des hommes, des femmes et des enfants. Les bénéfices de mon concert iront à une œuvre de charité venant en aide aux nécessiteux, et cette nouvelle est une source supplémentaire de satisfaction à mes yeux. »

La première partie de la tournée HIStory se termine par deux concerts donnés dans un État américain : Hawaï, les 3 et 4 janvier 1997. Devant 35 000 spectateurs à l’Aloha Stadium, Michael déroule toute sa panoplie avec une énergie dense et contagieuse. Le public est aux anges. Michael Jackson bat un nouveau record : il est le premier artiste à avoir rempli ce stade mythique deux soirs consécutifs.

La deuxième partie de la tournée HIStory se passe principalement en Europe. Le 4 juillet 1997, le concert de Munich est filmé en haute définition. Michael Jackson souhaite d’ailleurs que la captation de ce concert soit commercialement exploitée. Dans un premier temps au cinéma, puis en vidéo. Les producteurs de la tournée vendent les droits audiovisuels du concert dans plusieurs pays. C’est par exemple le cas en Allemagne, en Australie, ou encore en Suède. C’est la première fois qu’une série de concerts de Michael Jackson est ainsi exploitée.

Le 15 octobre 1997, la tournée se termine en Afrique du Sud. Michael Jackson est alors épuisé, très amaigri et diminué physiquement. Ainsi s’achève sa plus grande tournée. Pour l’artiste, c’était la dernière.

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UN PROJET DIFFÉRENT ET PLEIN D’ENTHOUSIASME

Michael Jackson’s Ghosts

8 mai 1997

À l’aube du printemps 1993, entre deux parties du Dangerous World Tour, Michael Jackson se lance dans un projet particulier. Il s’agit de la production d’un vidéoclip intitulé Is It Scary. Ce dernier doit créer de l’événement en accompagnant la sortie du film Les Valeurs de la famille Addams.

Michael Jackson coécrit le scénario de ce mini-film avec le romancier et maître en chef de l’épouvante, Stephen King. Ce dernier témoigne de tout l’enthousiasme qui l’anime : « J’y ai mis tout mon cœur, non pas parce que c’était Michael Jackson ou parce que je pensais que nous allions choquer le monde, mais parce que le fait de tester de nouvelles choses m’intéresse toujours, et pour moi, écrire un clip musical serait nouveau. La base de l’histoire qui m’avait été décrite ce jour-là parlait d’une foule de villageois en colère ; pas des paysans portant des torches, mais des banlieusards écervelés qui veulent que le monstre qui vit dans le château quitte la ville. Parce que, disent-ils, il représente une mauvaise influence pour leurs enfants. J’ai associé cela à la vision que les parents avaient du rock’n’roll quand je grandissais, et ont toujours avec les artistes les plus décalés de cette catégorie, comme Ozzy Osbourne et Marilyn Manson. Quand vous êtes célèbre, tout le monde vous accuse de tout et n’importe quoi, du vol au meurtre de John Lennon. »

Ce projet original doit malheureusement être abandonné après trois semaines de tournage. Michael Jackson est poursuivi en justice dans l’affaire Chandler. La réalisation de ce vidéoclip géant avait été confiée à Mick Garris, avec qui Michael avait déjà collaboré sur « Thriller ».

À la fin de l’année 1995, après le lancement du double album « HIStory », Michael Jackson veut relancer la production de ce film. Au-delà du genre de l’épouvante, et à la suite des événements personnels que la star a vécus ces dernières années, ce court-métrage prend des allures de plaidoyer pour la tolérance. L’artiste tient à dénoncer l’acharnement et l’intolérance qui se généralisent ainsi que les stéréotypes. Garris n’étant plus disponible pour réaliser, Michael s’adresse à Stan Winston. Le projet devient alors Michael Jackson’s Ghosts.

Pour cette nouvelle aventure, Michael Jackson s’investit corps et âme et assume intégralement le budget qui dépasse les 15 millions de dollars. Il est clair pour lui que cette nouvelle œuvre témoigne de ses émotions, de ses expériences personnelles, et possède une grande part autobiographique. Ghosts, tout comme « HIStory », portera les souffrances profondes de l’artiste.

Au scénario initial, Michael Jackson décide d’ajouter un nouveau personnage, celui du maire du village. Il s’agit d’un homme de forte corpulence incarnant l’autorité et la rigidité que revêt, à son sens, le pouvoir. Ce personnage n’a aucune ouverture d’esprit, aucune empathie ni bienveillance. Michael Jackson l’assume complètement, jusqu’au point d’incarner à l’écran les deux rôles de ce petit film : d’un côté le propriétaire du manoir pourchassé par les habitants, de l’autre le maire du village. Il joue également lorsque ces deux personnages deviennent des monstres. Michael va même plus loin : afin qu’à l’image cela soit le plus réaliste possible, un scanner de son corps est utilisé. Ainsi, c’est bien le crâne de Michael Jackson qui est montré à l’écran.

Cette première et unique collaboration entre Stephen King et Michael Jackson fascine le public. Michael Jackson est particulièrement heureux d’avoir pu concrétiser cette idée avec le maestro du thriller. Il raconte : « Stephen King est un homme adorable et gentil. Il n’a rien à voir avec les personnages que l’on peut voir dans ses livres ou films. C’est quelqu’un de très humble. Beaucoup de gens me jugent de la même façon. Je suis très simple, j’aime créer, imaginer des choses magiques, présenter l’inattendu au public. Stephen n’est pas bizarre ou étrange… C’était un vrai plaisir de travailler avec lui. Nous nous sommes bien amusés en écrivant Ghosts. »

En octobre 1996, et en avant-première du film de Stephen King, Thinner, une première version du film, sort aux États-Unis, distribuée par la Paramount. De son côté, Michael Jackson organise le 24 octobre une projection privée à l’académie du cinéma située à Beverly Hills. Plus tard, alors qu’il est en pleine tournée HIStory en Australie et au Japon, Michael en profite pour présenter son nouveau chef-d’œuvre. Le 15 novembre, c’est à Sydney qu’il est présent pour une séance publique de Ghosts. Au Japon, une soirée spéciale est organisée le 19 décembre 1996. Le film Ghosts dure un peu moins de quarante minutes et contient les chansons 2 Bad et Ghosts. Au printemps 1997, le film sort en Europe dans une version remaniée et améliorée. Ainsi, la chanson Is It Scary, produite par Jimmy Jam et Terry Lewis, a été ajoutée au film. Ghosts est projeté hors compétition durant le 50e Festival de Cannes le 8 mai 1997. Michael Jackson fait sensation sur la Croisette et va même jusqu’à prendre un bain de minuit devant le célèbre Palais des Festivals.

Selon beaucoup d’observateurs et spécialistes de la carrière de Michael Jackson, Ghosts est un chef-d’œuvre qui fait partie de ses vidéoclips majeurs. Il est surnommé le clip le plus long de l’histoire et commercialisé en VHS. Le magazine dédié à Michael, Black and White, et Christophe Boulmé s’associent à Sony Music afin de créer un coffret collector du film comprenant la cassette VHS et deux CD. Un projet d’édition DVD était en réflexion au début des années 2000 mais a été laissé en jachère.

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UN NOUVEL ALBUM FAIT À CONTRECŒUR

Blood on the Dance Floor – Album

14 mai 1997

Le 20 mai 1997, Michael Jackson surprend ses fans avec la sortie d’un nouveau disque dans les bacs. Il s’agit de « Blood on the Dance Floor ».

Sony Music ne recule devant rien et investit considérablement en Michael Jackson, notamment via le projet HIStory. En guise de lancement de la seconde partie du HIStory World Tour en Europe, la maison de disques souhaite commercialiser un disque réunissant des chansons inédites de l’artiste. Mais Sony Music va plus loin en souhaitant que cet album soit fait de remix de morceaux inédits, un concept alors jamais vu.

Michael Jackson se plie à la demande de sa maison de disques à contrecœur. Il joue néanmoins le jeu et propose la chanson On the Line composée par Babyface et qu’il a enregistrée pour le film Get on the Bus de Spike Lee. Is It Scary, titre coproduit avec Jam et Lewis, fait partie de la sélection avec la chanson Ghosts, qui est le thème principal de son mini-film éponyme. Cela donne le prétexte à Sony Music de vendre l’album comme étant la BO du moyen-métrage Michael Jackson’s Ghosts. Enfin, à l’exception de la chanson Money, tous les autres titres remixés sont issus du double album « HIStory » et ont fait l’objet d’exploitation en single.

Au début de l’année 1997, Michael Jackson repart sur la route des studios. Il choisit cinq titres inédits qui constitueront une base pour cet album commandé. Il faut savoir que deux des cinq titres sélectionnés sont repêchés des sessions d’enregistrement de l’album « Dangerous » de 1991. À savoir Blood on the Dance Floor et Superfly Sister. Cette dernière parle de la face sombre de l’amour. Michael exhume ses fantômes passés, des infidélités de son père aux soirées dans des bars à strip-tease au milieu des années 1960, ou encore lorsque ses frères sortaient avec leurs groupies. L’enfant Michael, alors Témoin de Jéhovah, reste profondément choqué par ces souvenirs, pour ne pas dire traumatisé à vie.

Dans la chanson Morphine, composée et produite par Michael Jackson, le guitariste Slash est associé à la chorale d’Andrae Crouch. Il s’agit d’un rock déjanté où l’artiste parle de l’enfer de la drogue, de sa dépendance, et de ces épisodes de délivrance qui ne durent jamais. Le son des guitares est saturé, cela impose une ambiance pesante et fait bien ressentir les sensations sombres physiques que provoque la drogue. Michael Jackson aurait voulu réaliser un clip pour cette chanson, et même l’interpréter sur scène. Mais Sony Music et ses dirigeants sont particulièrement réticents à cette idée. Connaissant la part provocatrice et no limit de Michael, la maison de disques réfléchit désormais à deux fois avant de donner son accord à un projet.

La chanson Ghosts évoque les peurs et la trahison. Sans détour, Michael faire référence à son arbre généalogique qui, à son sens, a été perturbé par de mystérieuses forces malveillantes. Une évocation du monde du paranormal assumée. Le titre Is It Scary, quant à lui, vise le Malin. Michael dénonce ceux qui le hantent, ceux qui l’ont accusé et jugé sans le connaître. Dans sa ligne de mire au premier rang se trouvent les médias. L’artiste tient également à dénoncer la décadence sociétale qui s’exprime dans le voyeurisme, la rumeur, l’extrapolation.

L’album « Blood on the Dance Floor » atterrit dans les bacs le 20 mai 1997. Les fans ne s’attendaient pas avoir de sitôt un nouvel album de leur idole. Cela reste un objet promotionnel du double album « HIStory ». Que l’on ne s’y trompe pas : Sony Music continue à contenter les fans et alimente la promotion de l’album à sa manière. Cet album fait de remix et de cinq chansons inédites apparaît comme un ovni au milieu de la discographie de Michael Jackson. Les experts de sa carrière le qualifient comme une compilation d’exception, ce qui est le cas.

Pour promouvoir l’album, c’est le titre Blood on the Dance Floor qui est lancé en single. Un vidéoclip est alors produit pour l’occasion. Michael Jackson fait appel à son vieil ami Vincent Paterson pour la réalisation. Ce dernier raconte : « J’ai réalisé une première version du short film. Michael m’avait appelé et j’étais un peu remonté contre lui à cette époque, car il était un peu flemmard. J’avais réalisé la mi-temps du Super Bowl quelques années auparavant et il n’était pas venu à toutes les répétitions. À cette époque, il s’occupait d’un tas de choses et n’était pas aussi disponible qu’avant. Lorsqu’il m’a contacté pour le short film Blood, je lui ai dit : “Michael, tu dois me promettre de venir aux répétitions. Si ce n’est pas le cas, je ne ferai pas cette vidéo avec toi. On a passé beaucoup de temps ensemble sur un tas de projets, et je n’ai pas envie de m’impliquer dans une vidéo qui m’empêchera de me sentir bien ensuite.” Il m’a alors assuré qu’il viendrait et, malheureusement, cela n’a pas toujours été le cas. Par conséquent, je n’ai pas pu réaliser et filmer certaines idées que j’avais en tête. Je disposais d’un plateau de tournage classique et je voulais que ce short film se focalise plus sur lui et sa performance de danseur au lieu de chercher à développer une histoire. Je voulais aussi lui donner un look plus masculin, plus hot, avec une fille sexy à ses côtés. Ses cheveux étaient coiffés en queue-de-cheval et il portait un costume rouge en cuir. Je recherchais une image plus sensuelle. Conrad Hall a dirigé le tournage pendant quatre jours. Mais le troisième jour, un de mes amis producteur qui avait assuré plusieurs montages vidéo pour moi est venu et je lui ai demandé : “Tu pourrais apporter ta caméra super-8 ? Je ne veux pas que tu participes directement au tournage, mais j’aimerais que tu filmes quelques plans pour moi.” Il est donc revenu avec cette caméra et s’est arrangé pour tourner les images en se calant entre les plans choisis par Conrad Hall. Sony voulait une grande vidéo avec de la danse. J’ai donc monté ces images avec ce grain et cette ambiance plus dark, abstraite et impressionniste. Michael était incroyablement sexy dans ce montage. J’ai envoyé cette version à Sony. Ils l’ont rejetée en disant qu’il était inconcevable de sortir une vidéo qui donnait l’impression de n’avoir coûté que 50 dollars. Je leur ai répondu que ce n’était pas là la question, car il s’agissait d’un film en super-8, et que le résultat devait inévitablement être ainsi, avec ce grain et cette ambiance particuliers. Ils ont maintenu leur position et m’ont demandé de monter une autre version à partir des autres rushs. C’est ce que j’ai fait en utilisant les jolis plans de Conrad. Je ne sais pas si Michael a pu voir cette première version. Je lui ai envoyé une copie, mais je n’ai pas eu de retour. »

Pour une compilation d’exception, « Blood on the Dance Floor » tient plus que ses promesses. Le disque se vend à plus de 6 millions d’exemplaires et devient l’album de remix le plus vendu de tous les temps.

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DES CONCERTS HUMANITAIRES QUI FONT SENSATION

Michael Jackson & Friends

25 et 26 juin 1999

Michael Jackson fait une annonce exceptionnelle le 20 mars 1999 à la télévision allemande. Il s’agit de l’organisation de deux concerts événements ayant pour titre Michael Jackson and Friends : What More Can I Give et The Power of Humanity. Ces deux concerts sont prévus à Séoul et à Munich. Le but est de récolter des fonds pour la fondation Nelson Mandela, la Croix-Rouge et l’Unesco.

En 1998, après une discussion avec Nelson Mandela, Michael Jackson écrit et compose le titre What More Can I Give. Ces deux concerts humanitaires sont pour lui l’occasion de l’interpréter pour la première fois. Le premier grand invité annoncé pour ces concerts est le chanteur d’opéra italien Luciano Pavarotti. En retour, Pavarotti demande à Michael Jackson de le rejoindre le 1er juin 1999 sur la scène du Pavarotti & Friends à Modène, en Italie. Michael accepte par principe cette demande. Malheureusement, à la dernière minute, il n’honore pas le chanteur italien et s’excuse à travers un communiqué de presse. En réalité, s’il a annulé sa venue en Italie, c’est pour rester auprès de son fils Prince Michael, alors malade. Luciano Pavarotti est vexé et contrarié par cette annulation. Il ne manque pas de se venger de la même manière en annulant sa venue à la dernière minute aux deux concerts de Michael Jackson & Friends. Il y avait également un projet de duo en studio entre les deux artistes. Celui-ci est définitivement annulé. C’est Andrea Bocelli qui accepte finalement de remplacer Pavarotti.

Un autre revers intervient : Michael Jackson doit chanter en duo avec Mariah Carey la chanson She’s Out of My Life. C’est une surprise pour le public. Mais encore une fois, les circonstances empêchent Mariah Carey d’arriver à temps à Séoul.

Lors des concerts Michael Jackson & Friends, les invités se succèdent. C’est Michael qui clôture le concert par un medley de ses plus grands tubes. Son ami, le guitariste Slash, est bien évidemment présent pour électriser le public de ses riffs aériens. Jackson interprète une autre version de la chanson Dangerous. C’était celle prévue pour les concerts annulés du Beacon Theatre de New York en décembre 1995. Il clôture enfin le concert en chantant You Are Not Alone.

La date du concert de Séoul est fixée au 25 juin pour commémorer le 49e anniversaire de la guerre de Corée. Le 27 juin, le concert de Munich a failli tourner au drame. Lors de la chanson Earth Song, Michael Jackson monte sur un pont qui se construit en live durant la chanson. Celui-ci est baptisé le « pont de non-retour », et alors que Michael arrive au sommet, une partie du pont s’écroule violemment, percutant le bas de la scène et créant un bruit si impressionnant qu’il provoque la peur parmi le public et les membres de l’équipe technique. Michael Jackson reste imperturbable et réussit à se sortir de la passerelle pour regagner la scène principale tout en boitant. Il fait preuve de dignité et de professionnalisme. Néanmoins il quitte la scène durant une dizaine de minutes avant de revenir chanter le final You Are Not Alone. Un dernier duo était prévu avec le chanteur A. R. Rahman. Ce dernier chante finalement seul : Michael Jackson a dû quitter le stade olympique de Munich pour se rendre à l’hôpital.

Les concerts Michael Jackson & Friends ont permis de récolter 1,6 million de dollars. Deux concerts d’exception et pleins d’émotion qui prouvent une nouvelle fois que le charity-business fonctionne. Avant de rentrer aux États-Unis, Michael Jackson passe quelques jours de repos à Disneyland Paris.

Pour ce qui est de la chanson What More Can I Give, Michael Jackson décide de la réécrire et de la réenregistrer en collaboration avec d’autres stars, à la suite des événements du 11 septembre 2001. What More Can I Give est enregistrée en anglais, mais également en espagnol. Le 21 octobre, la chanson est interprétée pour la première fois sur la scène du RFK Memorial Stadium de Washington. Ce ne sont pas moins de 25 stars, parmi lesquelles P!nk, Rod Stewart, Carole King, Al Green et bien d’autres, qui sont présentes pour soutenir Michael Jackson et son nouveau projet United We Stand: What More Can I Give.

Le 1er novembre, la chaîne ABC diffuse le concert. What More Can I Give rencontre de nouvelles difficultés : Sony Music refuse de le commercialiser en single. Michael Jackson ne renonce jamais. Fier de sa chanson, il en fait un véritable combat qui lui tient à cœur. Il met près de deux ans après sa première diffusion publique à sortir la chanson en single. What More Can I Give sort officiellement le 27 octobre 2003 en téléchargement légal sur Internet. Le même jour, Michael est présent à la cérémonie des Radio Music Awards de Las Vegas. La chanteuse star Beyoncé lui remet un prix récompensant ses engagements humanitaires. Avant de laisser place en exclusivité mondiale au clip de la chanson What More Can I Give, l’artiste fait une déclaration : « L’heure est venue de donner suite à We Are the World. Il est temps d’exprimer nos sentiments et de donner de l’espoir à celles et ceux qui en ont le plus besoin. Depuis deux ans, plus de 100 personnes ont accepté de participer à ce projet et de céder leurs droits et royalties pour qu’enfin il puisse prendre forme. Cela n’aurait jamais pu être possible sans vous tous. Nous avons survécu à une attaque terroriste. Cela a changé non seulement notre pays, mais aussi le monde entier. Nous n’oublierons jamais cette tragédie qui nous a tous réunis et a permis à cette chanson de naître. »

What More Can I Give n’obtiendra pas le même succès et les mêmes retombées que We Are the World. Néanmoins, Michael Jackson a fait preuve de ténacité et de persévérance pour mener à terme le projet qui lui tenait à cœur.

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UN BEAU SUCCÈS MALGRÉ LES OBSTACLES

« Invincible » – Album

31 octobre 2001

L’album « Invincible » sera le dernier de Michael Jackson. L’aboutissement de ce projet ressemble à un chemin de croix qui ne dit pas son nom. C’est à la fin de l’année 1997 que Michael Jackson annonce la préparation de ce futur album. La nouvelle surprend les fans et les critiques musicaux. Ils ne vont pas être déçus de la suite car ce sera une succession de couacs.

Est-ce que Michael s’est un peu trop avancé, emporté par l’enthousiasme ? On serait tenté de le croire, car au moment où il fait cette annonce, le projet n’est encore qu’au stade d’idée. Michael Jackson va ensuite vivre sa vie, honorant ses engagements humanitaires, parcourant la planète. Il nourrit d’autres projets en parallèle au gré de ses envies sans pour autant les faire aboutir. On le retrouve le 26 mai 2000 au Royal Albert Hall de Londres, lors d’une soirée en honneur de son amie Elizabeth Taylor. Là aussi, Michael se refuse à chanter en public lorsqu’on le sollicite. C’était déjà le cas des Worlds Music Awards du 8 mai 2000.

En réalité, Michael nourrit toujours le rêve de faire du cinéma. Cette passion et ce rêve ne l’ont jamais quitté. À la fin de l’année 1999, il démarre un projet intitulé The Nightmares of Edgar Allan Poe. Malheureusement, ce projet ne verra pas le jour. Sony Music commence à faire pression sur Michael Jackson pour réaliser ce nouvel album annoncé et tant attendu. Mais il ne fait guère de mystère que cela n’est pas du tout sa priorité dans la vie. Michael est las, épuisé mentalement, tel un héros qui a tout vécu, tout prouvé et qui veut désormais déposer les armes et passer à autre chose.

Pour augmenter la pression, Sony Music Allemagne tente un coup de force en publiant un disque promotionnel uniquement diffusé dans les restaurants McDonald’s du pays. À l’intérieur de la pochette du disque, il est inscrit le message suivant : « Soyons prêts au feu d’artifice de ballades émouvantes et de grandes chansons pop par le roi du genre. »

Michael Jackson n’a plus l’envie, il entre en studio et en ressort aussitôt, augmentant les frais de location et sans prendre le projet au sérieux. Il semble aussi en panne d’inspiration. Il faut attendre quelques mois avant qu’il réussisse à écrire et enregistrer quelques chansons. Le producteur Rodney Jerkins, qui a été formé par Teddy Riley, rejoint Michael dans cette aventure (ou plutôt cette épreuve). Ensemble ils se prennent à rêver de faire un coup médiatique, et proposent un duo à Whitney Houston. L’information fuite aussitôt, ce qui met Michael dans une rage qui le pousse à annuler le projet sur-le-champ. Cependant, d’autres duos auront lieu pour cet album « Invincible » : avec George Michael, Lauryn Hill, ou encore Lenny Kravitz. Malheureusement, ces duos ne seront pas sélectionnés pour la tracklist finale.

L’économie de l’industrie musicale est très compliquée en ce début des années 2000. La vente du disque s’effondre progressivement, et les maisons de disques peinent à se réinventer pour proposer aux consommateurs de nouvelles alternatives. C’est également les débuts de l’explosion d’Internet, avec son lot de sites de téléchargement pirates, qui n’arrange pas les choses. Les grands patrons sont en échec pour n’avoir pas anticipé sur le long terme et vu l’éclosion des nouvelles technologies.

Au détour d’une interview au magazine TV Guide à la fin de l’année 1999, qui vient d’élire Thriller meilleur clip de tous les temps, Michael lâche une brève information sur ce que doit être son nouvel album : des chansons joyeuses et dansantes abordant les relations entre les gens. Il déclare : « J’essaie d’écrire de la bonne musique, et si le public l’aime, alors cela suffit. Je ne pense pas aux statistiques. La maison de disques essaie de me faire penser ainsi, les gens enregistrent ce que j’aimerais entendre. »

Un an plus tard, fin 2000, Michael présente (enfin) six titres à son label. Malheureusement, Tommy Mottola, le patron d’Epic, ne paraît pas du tout enchanté par les nouvelles compositions du « roi de la pop ». Alors, contrarié, Michael Jackson prend une nouvelle fois de la distance avec ce projet. L’enregistrement de l’album traîne en longueur, la maison de disques s’impatiente et s’agace de plus en plus. L’album rumeur devient la risée du showbiz américain. Finalement, ses 16 titres arriveront à être achevés.

Le 18 août 2001, un premier single est diffusé sur les ondes à la surprise générale. Il s’agit de la chanson You Rock My World, enregistrée et coproduite par Rodney Jerkins en 1999. La diffusion du single est une décision imposée par Sony Music tandis que Michael s’y opposait et avait choisi un autre titre, Unbreakable, dont il avait déjà imaginé le futur clip. Sony, qui semble reprendre les choses en main étant donné le manque d’implication de Michael, impose ses décisions et rejette les idées de son artiste star. D’ailleurs, une rumeur prétend que le lancement du single You Rock My World est une manière pour Sony d’ajouter un coup de pression à Michael Jackson pour finaliser son disque. Ces méthodes ne sont pas du tout du goût de Michael, et ses relations avec sa maison de disques sont de plus en plus compliquées. Michael y va donc au chantage et exige d’apparaître dans la prochaine production hollywoodienne, Men in Black 2, dont Sony Pictures est coproducteur. Si la maison de disques n’accepte pas cette condition, il ne rendra pas les bandes finales des masters de son album. Il obtient gain de cause.

Néanmoins, Michael annonce publiquement qu’il ne signera pas de nouveaux contrats avec Sony Music, et que « Invincible » est son dernier album. Mais les choses sont bien plus compliquées que cela. Sony Music et Michael Jackson ont des intérêts communs depuis de nombreuses années. La décision de Michael met le feu aux poudres à sa relation avec Tommy Mottola. Très en colère et surtout conscient de son pouvoir sur les finances de l’artiste, il décide de se venger à sa façon : boycotter la sortie de « Invincible ».

Dès lors, toutes les manœuvres sont bonnes pour faire du tort à Michael. Sony impose donc en deuxième single de l’album la chanson Cry, écrite et composée par R. Kelly, contre l’avis de Michael. Le troisième single, Butterflies, ne sortira pas sur CD. Aucun clip n’est réalisé. Le single se contentera de passages en radio.

Le 31 octobre 2001, l’album « Invincible » sort enfin dans les bacs. En moins de cinq jours, l’album s’écoule à plus de 3 millions d’exemplaires à travers le monde. C’est un nouveau record, car aucun autre album de l’artiste ne s’était vendu autant en si peu de jours. Cela démontre la popularité intacte de Michael Jackson auprès de son public mondial.

D’autres manœuvres de la maison de disques pour contrarier Michael Jackson sont orchestrées. Michael, absent des médias, prend les devants et organise une conférence de presse pour dénoncer les agissements du patron de son label, le 6 juin 2002 : « Je suis fatigué de toute cette manipulation, je suis fatigué de voir comment la presse manipule et déforme tout ce qui a été dit dans cette histoire. Ils ne disent pas la vérité. Ce sont des menteurs. Ils manipulent nos livres d’histoire. Ils sont remplis de mensonges. Toutes les formes de musique populaire : le jazz, le hip-hop, le be-bop, la soul, ainsi que de nombreuses danses comme le charleston ou la breakdance, sont issus de la culture noire. Qu’y a-t-il de plus important que de donner une chanson et de la partager avec le monde dans le but d’apporter de la joie et de l’évasion ? Dès que j’ai commencé à battre tous les records, et notamment celui des meilleures ventes d’albums de tous les temps, ils ont commencé à me traiter du jour au lendemain de monstre, d’homosexuel, d’agresseur d’enfants, ils m’ont accusé d’avoir blanchi ma peau. Ils ont tout fait pour monter le public contre moi. C’est un complot, tout simplement. Je ne suis pas du tout inquiet ; lorsque je me regarde dans la glace, je sais que je suis noir. Il est temps de changer les choses. »

Michael continue sa bataille et organise avec l’aide de ses fans plusieurs manifestations contre Sony Music, notamment à New York et à Londres durant l’été 2002. Sony Music se ravise et tente d’apaiser la situation par des communiqués de presse. Mais le mal est fait.

L’album « Invincible » réussit, malgré toutes ces embûches et tous ces conflits, à se vendre à plus de 5 millions d’exemplaires à travers le monde.

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DES CONFLITS DE PLUS EN PLUS INTENSES AVEC SONY

You Rock My World – Single

5 octobre 2001

Premier single du dernier album de Michael Jackson, You Rock My World sort sur les ondes durant l’été 2001, avant de sortir en CD single le 5 octobre. Pour Michael, Rodney Jerkins souhaitait apporter un son et un univers beaucoup plus soul, comme à ses débuts sur l’album « Off the Wall ».

Michael Jackson, lui, reste dans son esprit d’innovation. Ambitieux de nature, il ne veut pas ressortir des sonorités déjà produites et entendues par le passé. Néanmoins, il fait confiance à Jerkins. You Rock My World est de la veine des chansons d’amour sur des arrangements groove en mi-tempo. Jerkins fait ce qu’il sait faire de mieux et qui s’avère gagnant. Le single porte néanmoins des sonorités entendues dans Remember the Time.

Le son a été enregistré en 1999, tandis que l’introduction de l’acteur Chris Tucker a été enregistrée pendant l’été 2001. C’est Rodney Jerkins qui présente Chris Tucker, très grand fan de Michael Jackson, à son idole. Le feeling passe entre les deux hommes. Dès lors, ils apparaîtront souvent ensemble.

Le single You Rock My World apparaît comme un R&B classique mais efficace. Les fans du « roi de la pop » espéraient quelque chose de plus innovant. Il faut rappeler que la diffusion de ce titre provient d’une décision arbitraire de Sony Music, et non d’un choix de Michael Jackson. Ce dernier préférait miser sur son titre préféré Unbreakable. Les radios et les discothèques programment le nouveau single dans leur playlist. Pour la version remixée, c’est l’artiste Jay-Z qui est sollicité pour un featuring avec le « roi de la pop ».

Le single se classe à la 10e place du Billboard américain et termine 2e en Angleterre. En France, il obtient le succès immédiat en se classant à la 1re place du top 50 durant trois semaines.

Pour le clip de You Rock My World, Michael Jackson réussit à réunir un casting de rêve. Marlon Brando, la légende d’Hollywood, est présent aux côtés de Chris Tucker. La réalisation est confiée à Paul Hunter. Le scénario est coécrit par Michael Jackson et Paul Hunter. Ce clip se veut être un hommage à tous les films préférés et les clips de la carrière de Michael Jackson. En guise de clin d’œil, Jackson remet la tenue qu’il portait pour interpréter Dangerous sur scène. Il y a aussi un jeu de séduction avec une jeune femme qui rappelle The Way You Make Me Feel. Le décor et l’ambiance, eux, sont en référence à Smooth Criminal. Michael Jackson brise aussi des bouteilles comme dans Black or White.

Michael fait donc du Jackson. Il incarne à nouveau ce personnage rebelle et romantique qui défie les codes établis et l’autorité, pour s’en sortir indemne au final. Un rôle éternel qui lui collera toute sa vie. Les références cinématographiques apparaissant dans le clip sont une nouvelle façon pour Michael Jackson d’afficher son ambition pour le 7e art. Le clip se termine par un face-à-face entre Michael Jackson et Marlon Brando. Une image symbolique de deux géants du spectacle mondial diffusé aux yeux de la planète.

La version longue de You Rock My World est diffusée le 21 septembre 2001. C’est un clip de treize minutes, mais dont le montage ne satisfait pas Michael Jackson. Il y aura par la suite une nouvelle version de dix minutes avec des plans modifiés. Enfin, une version de cinq minutes est réalisée pour permettre au single d’intégrer les chaînes musicales, limitées par la durée des clips.

C’est malgré lui que Michael Jackson établit un nouveau record : quatre montages pour un seul clip.

Les figurants du clip sont recrutés par des annonces sur des sites de casting. Durant le tournage, un incendie se déclare et bloque la production pendant quelques jours.

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30 ANS DE CARRIÈRE POUR LE KING OF POP

Michael Jackson 30th Anniversary

7 et 10 septembre 2001

En septembre 2001, cela fait trente ans que Michael Jackson a démarré sa carrière d’artiste. Son ami David Gest lui propose alors de célébrer cet anniversaire en grande pompe en donnant deux concerts événements au Madison Square Garden de New York.

Michael Jackson ne s’était plus produit dans cette enceinte mythique des États-Unis depuis le Bad World Tour de 1988. Ici, l’enjeu pour lui est de renouer avec le public américain en live. Il n’a fallu que cinq heures pour que toutes les places de l’événement soient vendues. Ce retour annoncé enthousiasme le public de toute l’Amérique. Et à travers le monde entier, plusieurs pays organisent des concours pour tenter de faire gagner une place pour l’un des deux soirs. Ces deux concerts événements rapportent 15 millions de dollars à Michael Jackson.

Et comme il se doit, cet anniversaire réserve bien des surprises pour les spectateurs chanceux. David Gest, à l’initiative de cet événement, réussit à réunir les plus grandes stars et légendes du spectacle américain. De Whitney Houston à Christopher, en passant par Elizabeth Taylor, Marlon Brando ou Ray Charles, sans oublier les jeunes générations avec Usher ou encore Britney Spears. Tout le monde est de la fête. Chacun est honoré de l’invitation et tient à venir rendre hommage au « roi de la pop ». Cerise sur le gâteau, les frères de Michael sont aussi présents pour un set exceptionnel de medley des tubes des Jackson Five.

Lors du premier concert, Michael arrive avec presque deux heures de retard au Madison Square Garden. Il entame le concert accompagné de ses frères, puis il poursuit seul avec quelques-uns de ses titres. C’est ensuite le temps des duos, notamment le très remarqué et endiablé The Way You Make Me Feel avec Britney Spears. Le tout se termine par une chorale d’exception autour de la chanson We Are the World.

Lors du deuxième concert, donné le 10 septembre 2001, Michael Jackson apparaît beaucoup plus en forme, énergique, en confiance. Les deux concerts font l’objet d’une captation vidéo dont le montage sera diffusé sur la chaîne CBS le 13 novembre 2001. Cette diffusion bat des records d’audience avec plus de 44 millions d’Américains devant leur poste de télévision. Plus tard Michael recevra deux récompenses pour ces concerts.

Malheureusement, au lendemain de ces festivités, la joie est gâchée par les attentats terroristes du 11 septembre 2001 qui ont lieu à New York.

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LES DERNIERS CONCERTS QUI N’AURONT JAMAIS LIEU…

This Is It

25 juin 2009

Le 29 août 2008, Michael Jackson fête son demi-siècle. C’est alors que d’étranges personnages débarquent dans sa vie et ses affaires.

Un fonds d’investissement, Colony Capital, plein de belles promesses, lui fait la proposition alléchante de développer sa propriété en un parc d’attractions. Michael, trop naïf, s’associe sans réfléchir. Il voit d’un bon œil que Neverland devienne un parc de loisirs. Dans la foulée, Tom Barrack, le président de Colony Capital, et Jermaine Jackson, le grand frère de Michael, lui présentent un homme d’affaires libanais très douteux et qui se présente comme ambassadeur au Sénégal : un dénommé Dr Tohme. Ce dernier fait rapidement main basse sur la fortune de Michael et organise dans son dos une vente aux enchères de ses biens personnels, sous couvert d’une exposition ouverte au public. Michael Jackson se rend compte de la supercherie de ses nouveaux conseillers. Il est profondément en colère, mais surtout blessé d’avoir été trahi par ceux qui étaient, il n’y a encore que quelques semaines, des étrangers.

Michael Jackson donne une conférence de presse à Londres le 5 mars 2009. Il est en Angleterre pour annoncer un événement : il vient d’accepter de se produire pour une série de 10 concerts dans la capitale britannique. À vrai dire, ce n’était pas dans ses projets. Il a alors toujours en ligne de mire Hollywood. Certains tentent de jouer sur cette corde sensible en lui faisant miroiter de beaux projets, mais qui restent abstraits. En réalité, la supercherie dont il est victime lui coûte plus que cela n’y paraît. Michael Jackson est endetté et, dos au mur, contraint de devoir remonter sur scène. Il doit rapidement remplir les caisses. Depuis deux ans, il planchait sérieusement sur des projets de cinéma qu’il voit désormais s’envoler.

Ses managers quelque peu véreux ne s’arrêtent pas là. Pour l’inciter à se produire au stade O2 Arena de Londres, ils lui font croire que ce n’est pas 10, mais 31 concerts qui sont programmés. Ils espèrent ainsi le stimuler pour battre le record de Prince. Ce dernier s’était produit en 2007 à guichets fermés durant 21 soirs consécutifs dans cette enceinte.

Michael n’a plus le choix, il le sait. Il tente de jouer le jeu mais le cœur n’y est pas. Lorsqu’il arrive le 5 mars 2009 pour donner sa conférence de presse, il est très froid. Il n’adresse pas la parole à ses conseillers présents. Un discours préparé est prévu, mais Michael décide de ne pas le lire et d’improviser. Il apparaît une nouvelle fois très amaigri et marqué par l’anxiété. À travers ses mots, on saisit une grande amertume et frustration. Il annonce clairement que c’est le rideau final. « La der des ders ». Puis il oriente son discours vers ses fans qui lui sont toujours fidèles et présents ce jour-là pour lui apporter leur plus grand soutien : « Ce sont mes derniers concerts à Londres. Je chanterai des chansons que mes fans aiment et veulent entendre. Je vous donne rendez-vous en juillet. Je vous aime du plus profond de mon cœur. »

Par ces mots et son attitude, Michael reprend un minimum le contrôle sur la situation.

C’est finalement une cinquantaine de dates qui sont mises en vente et s’arrachent en moins d’une matinée. Plus de 1 million de billets sont vendus et c’est un nouveau record.

Mais si Michael se réjouit de retrouver ses fans, il boude les séances de répétition de son nouveau show. Ce n’est qu’à la fin du mois de mai qu’il se remet au travail rigoureusement. Il retrouve son perfectionnisme viscéral et développe de nouvelles idées afin d’apporter de la nouveauté à son public. Si ses conseillers lui mettent la pression pour qu’il chante un titre inédit au lancement de cet événement, Michael ne lâche rien. Ce ne sera ni plus ni moins qu’un best-of de ses plus grands tubes. Le projet This Is It peine à prendre forme.

C’est une spirale infernale de laquelle Michael ne sortira pas vivant. Le 25 juin 2009, les médias du monde diffusent la triste nouvelle : Michael Jackson est décédé. Il entre définitivement dans la légende, laissant des millions de fans profondément tristes de cette tragique disparition.

La série de concerts This Is It ne voit donc pas le jour. Si beaucoup de rumeurs, de mystères et de spéculations enflent autour de la mort de Michael Jackson, sa disparition soudaine aura coupé l’herbe sous le pied de ses conseillers malveillants. De là-haut, il a dû savourer sa vengeance et sa dernière victoire sur le showbiz.

Le 26 octobre 2009, le documentaire Michael Jackson: This Is It sort dans les salles de cinéma. Il s’agit du documentaire des répétitions de ce qui aurait dû être la dernière tournée du « roi de la pop ». Le film se classe 1er du box-office mondial durant deux semaines. En France, il se classe également 1er durant deux semaines consécutives. C’est près de 101 millions de dollars de recettes après cinq jours d’exploitation en salle. Au total, ce sera 261 millions de dollars de recettes. Michael Jackson: This Is It devient le film documentaire le plus rentable de tous les temps. Néanmoins, il est à noter que plusieurs milliers de fans l’ont boycotté et que la famille n’a pas approuvé la diffusion de celui-ci.

Enfin, pour la postérité, Michael Jackson: This Is It sort en DVD le 1er mars 2010. Ce sont les dernières images de la légende Michael Jackson.

REMERCIEMENTS

L’auteur remercie Mathilde Poncet pour sa confiance et Marie Poulain pour sa patience, ainsi que les équipes des éditions Leduc qui ont œuvré autour de ce projet spécial.

Merci également à Éric Jean-Jean.

Merci à mes parents pour leur précieux soutien durant toutes ces années.

Enfin un grand merci à Alexandra Di Pasquale...+++

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